Hoy se cumple el segundo aniversario del hotel. Visto en perspectiva no hemos aportado gran cosa pero ha sido una buena experiencia. En aquel ya lejano 5 de noviembre de 2009 decidimos abrir nuestro establecimiento con una entrada sobre Ferran Fages.
Ahora se nos ocurrió hacer otra entrada con él. Le pedimos a Ferran que eligiera por nosotros una pieza de alguno de sus discos de guitarra, para así aprovechar y hacer también una nueva entrega de la serie Guitarrowing que tenemos un tanto abandonada (no es que sea algo importante esto, pero...).
Ferran nos sugirió un par de posibilidades. De entre ambas, nos hemos quedado con una que, escuchándola varias veces, nos ha parecido fantástica para poner en esta entrada de celebración - aunque de celebración a medias dada la precaria situación en la que cada vez se encuentra más gente. Está bien -la pieza- porque transmite -nos lo parece- irritación, nerviosismo, exasperación, pero sin cargar las tintas. Con sutileza. "Més ràpid que l'ull", se llama, que significa "más rápido que el ojo". Pertenece al disco Cançons per a un lent retard (Etude records, 2007). Un disco sobre el consuelo y la pérdida. (Ayer, en un documental sobre Peter Brötzmann que vimos, el saxofonista alemán recordaba unas palabras que había leído sobre el blues y que venían a decir algo así como que el blues no describía la miseria en la que vivía la gente, sino que describía el intento de salir de ella).
Foto: Walker Evans, del libro Elogiemos ahora a hombres famosos.
Ya había aparecido Frisell en una entrada anterior de esta serie (concretamente, acompañando a Dylan Carlson en un tema de Earth), pero aún no le habiamos dedicado una a él solito, lo que a todas luces es imperdonable.
Pues ahí va "Ron Carter", un tema del propio guitarrista proveniente del disco Blues Dream (2001), en una grabación en directo en Montreal, en 2002. Acompañaron a Frisell, Ron Miles (trompeta), Curtis Fowlkes (trombón), Billy Drewes (saxo alto), Greg Leisz (guitarra), David Piltch (bajo) y Matt Chamberlain (batería).
Nótese la calma, el tempo del que todo el tema está impregnado. No me extraña que a Carlson le guste Frisell, y que a Frisell le guste colaborar con Carlson. Da también que pensar la relación entre la atmósfera tranquila del tema y la personalidad del contrabajista Ron Carter, a quien va dedicado el tema, y que al parecer era todo un quiet man. Tiene también un aire a jazz-rock original, del que Carter, a través de sus colaboraciones con Miles, fue un protagonista destacado. No obstante, aquí es todo mucho más relajado. Como si la imagen se hubiera ampliado muchísimo y se hubiera perdido tejido (nervioso).
Por otra parte, la portada del disco Blues Dream bien prodría ser de uno de Earth. O al menos eso me parece.
Esta serie de erráticas y arbitrarias entradas que hacemos desde casi el inicio del blog pone de relieve, más que cualquier otra cosa, nuestra pusilanimidad y nuestro modo de hacer improvisado (en el peor sentido de la acepción). Pero, aquí y ahora, hemos de decirles que no cambiaremos. No podemos.
"There's a thin line between noise and sound", lo que significa, hay una delgada línea entre el ruido y el sonido. No recordamos de donde proviene esta frase, pero nos agrada, y puede ilustrar bien el contenido de los dos reproductores que vamos a poner a continuación.
En primer lugar, un tema del guitarrista Henry Kaiser. Un tipo que nos gusta muchísimo, y que además nos cae bien. Será porque es amigo de Werner Herzog, que también nos cae de puta madre. (Kaiser es, además de músico, un submarinista profesional, y como tal ha estado varias veces buceando bajo el hielo antártico dentro de misiones científicas. Durante la posproducción del film de Herzog Grizzly Man en 2005, en el que él y Richard Thompson hacían la música, el director alemán vio en el laptop de Kaiser unas imágenes que éste había filmado en el océano antártico. Le impresionaron tanto que ese fue el punto de partida de su posterior film Encuentros en el fin del mundo, de 2007. Si no lo han visto, corran a verlo, es un documental muy revelador. Finalmente, Henry Kaiser produjo, fue el encargado de la fotografía submarina y compuso la música original con David Lindley. Junto a ellos dos, formaron parte de la banda que interpretó la música, la cellista Danielle DeGruttola, la trombonista Jen Baker, la multiinstrumentista Cheryl Leonard, el contrabajista Damon Smith y el percusionista William Winant.)
Prosigamos. El tema que vamos a poner es "Homesickness", de 1993. Proviene de un single que apareció dentro de la prestigiosa serie Table of the elements, y correspondía al décimo elemento de la tabla periódica, el neón. Los temas eran "Delirium", en la cara A, y este "Homesickness".
El segundo, que en principio no tiene nada que ver, es "Peg", proveniente del LP Aja (1977) de Steely Dan. A Donald Fagen y Walter Becker también los adoramos, por su inteligencia, buen gusto y por su manera tan especial de ser unos perfeccionistas. Sobre este tema, ellos dos cuentan una anécdota en el documental que la serie "Classic Albums" dedicó a Aja. En un momento, Fagen y Becker, sentados ante una mesa de mezclas, hablan del solo de guitarra de "Peg" y de las dificultades que comportó mientras van poniendo versiones del solo previas a la definitiva. Ya conocerán el nivel de exigencia que contienen los discos de Steely Dan y su manera de trabajar, en la que casi para cada tema se renovaba la banda entera. Igualmente, cada solo se le encargaba a un solista cuidadosamente escogido de entre los mundos del rock, el jazz y el de los sesioneros (en todo Aja, sin ir más lejos, hay intervenciones de Wayne Shorter, Pete Christlieb, Victor Feldman, Don Grolnick, Dean Parks, Larry Carlton, Lee Ritenour, Steve Gadd, Bernard Purdie, Rick Marotta, Jim Keltner, Chuck Rainey...)
Vamos a transcribir el diálogo que tienen en inglés:
Donald Fagen. This tune is infamous among the studio players. We hired some guitar players to play the solo, but it wasn't what we were looking for until we got through 3, 4, or 5 players. Walter Becker. 6 or 7. DF. 8 players.
DF. Oh, there it is. Let's check this out. Go back, and let's hear it in the track.
DF. There you go. In other words. WB. It speaks for itself. DF. Let's look for another one. WB. This is probably the last guy to try before Jay did it. DF. There's another one. WB. What's that? Some kind of envelope filter he's got on his guitar? DF. Wouldn't you hate to have someone do this to you?
WB. Then finally Jay Graydon came in and did it with no difficulty whatsoever.
WB. Kind of Hawaiian. DF. Yeah, kind of Polynesian. WB. He prefigured my later residence in Hawaii.
Temibles, ¿no?
El solo de Jay Graydon, muy breve, está entre el o1:44 y el 02:14. Apenas medio minuto, pero es lo que nos interesa que escuchen.
Objetivamente, no hay relación alguna entre el tema de Kaiser y ese solo de Graydon. Por un lado, hay una impro en solitario en la que parece que se juega con patrones distintos que el guitarrista debía manejar en ese momento. Y, del otro, tenemos un solo, un tanto heterodoxo, eso sí (basta escuchar la entrada con la palanca de vibrato) sobre un tema muy producido y arreglado. No obstante, hay algo que se conecta invisiblemente. La impresión es que si escucháramos el solo de Graydon aislado en una pista separada tal vez tendríamos la misma sensación que con "Homesickness" de electricidad exhuberante, vegetal: que crece caóticamente en esta última, y de forma más acotada en "Peg". Pero, la materia...
shuffleboil tiene un estupendo canal de vídeo en YouTube al que estamos suscritos. Básicamente graba cosas que pasan en Londres, en el Cafe Oto, en The Vortex... lugares de sobras conocidos por los aficionados. Con anterioridad ya hemos insertado algún otro clip de él.
Hoy presentamos este fragmento de un dúo del guitarrista Alex Ward y el baterista Shoji Hano. Fabulosos los dos, pero nos ha gustado especialmente el vertiginoso set que hace Ward. Sin duda, un buen guitarrowing.
El primer disco de la Orquestra Mirasol, Salsa catalana (1975), se abría con un tema de Xavier Batllés que, a la postre, ha quedado como el más representativo de la formación, el "To de re per a mandolina i clarinet". Al año siguiente, la Orquestra grababa su segundo y último disco como tal antes de convertirse en Mirasol-Colores, que ya era otra historia. Ese doble álbum, D'oca a oca i tira que et toca (1976), se cerraba también con el "To de re", esta vez en una versión para guitarra encargada ex profeso, arreglada e interpretada por Rafael Zaragoza 'Zarita'.
Mientras en la primera versión la mandolina y el clarinete ejecutaban la melodía sobre una base de piano, bajo y percusión, en la segunda, más breve, sólo había una guitarra acústica. El tema en sí ya es sensacional, pero esta versión es una auténtica delicia. Una vez le preguntamos a Rafa sobre ella. "Me costó un huevo sacar el arreglo", respondió. Hoy, por mail, nos ha dado una explicación más extensa.
"Estaba practicando la afinación de guitarra en Re abierto (Re, La, Re, Fa#, La, Re). Me puse como ejercicio el tema, "To de re", porque me gustaba mucho y era una forma de zambullirse en la técnica, un poco a lo bestia. Entre tú y yo, esta versión no acaba de gustarme mucho, porque yo la había trabajado con mi acústica Epiphone, muy manejable, y la bordaba. Pero Batllés y Ammann pensaron que sería mejor que la grabase con una acústica Martin, una jumbo de caja grande que, bien tocada, puede recordar al piano. Como sólo conocíamos a Martí Soler que tuviera una, se la pedimos y la trajo al estudio. No tuve tiempo de hacerme con el instrumento; dicho de otra forma, yo ya estaba sentado con el micro delante cuando llegó Martí Soler con su Martin. No me sentí muy cómodo, el mueble era muy profundo y las cuerdas de tensión fuerte. Creo que de las dos tomas se usó la segunda. El tema fue grabado en la sala grande de los antiguos estudios Gema 1. Sólo la toqué tres o cuatro veces en directo, con SLO-BLO en Zeleste y creo que en el Col.legi d'Enginyers. Y alguna otra vez en una fiesta privada”.
Antes de que se nos vaya el 2010, un último Guitarrowing. Esta vez dedicado a un guitarrista singular como pocos, Robert Fripp. En los años 70 puso en marcha una banda, King Crimson, que fue mucho más que un mero grupo de rock (progresivo). Fue un proyecto de exploración de los límites del rock, desde los más remotos hasta aquellos que de tan cercanos pasaban desapercibidos, con la virtud o la peculiaridad de nunca -o en contadas ocasiones- salirse de él.
Hemos elegido un tema de la segunda etapa de la banda, la que se inicia con el disco Larks' Tongues in Aspic (1973) y se cierra con Red (1974). Y del primero de ellos proviene este "Easy Money", un disco perfecto en el que estuvo acompañado por John Wetton, cantante y bajista, David Cross, al violín y teclados, Bill Bruford en la batería, y ese mago de la percusión que era Jamie Muir. Una pieza sencilla -un blues, pero hard boiled- en la que vuelve a apreciarse la pericia de Fripp a la hora de emplear cualquier técnica o recurso guitarrístico.
Lo que nos interesa aquí es el sobresaliente solo que realiza. Un solo difícil de calificar. Aparentemente simple, pero de una sensatez inusual. Una línea sencilla de la que consigue extraer un montón de matices y situaciones. Diría que de tan lógico resulta esotérico. Nuestro amigo Rafa seguramente nos iluminaría con alguna idea al respecto, así que espero algún comentario suyo.
Casi que podría ser un proto ejemplo del anterior guitarrowing de Earth, en algún aspecto al menos. En su ámbito limitado, este tema, "Calvary", así como otros del mismo disco ("Maiden of the Cancer Moon", "Where You Love", "Which Do You Love"), muestran la ambición de hacer una música total desde los presupuestos del rock y bajo el influjo de experimentaciones diversas (acústicas, psicodélicas).
Es difícil, y no lo es, elegir un disco y una formación de Quicksilver Messenger Service. Es difícil porque todos sus primeros discos eran buenos. Y no lo es porque, sin dudarlo, Happy Trails es el más emblemático y rotundo de cuantos hicieron. Respecto a su formación, hay que decir lo mismo. Pasaron por sus filas estupendos músicos de un modo más o menos estable, como Nicky Hopkins o Dino Valenti, pero el cuarteto que formaban John Cipollina, Gary Duncan (guitarras), David Freiberg (bajo) y Greg Elmore (batería), fue el más equilibrado y completo. Tal vez porque los 4 eran Virgo.
El guitarrista solista, Cipollina, desarrolló un estilo inconfundible, como su colega de Grateful Dead, Jerry Garcia. Ambos tenían muy buenas maneras como improvisadores, aunque estilísticamente fueran muy distintos. Mucho más barroco y torrencial Garcia, más directo y conciso Cipollina. Una de las cosas más características del sonido de Cipollina era el uso del vibrato, que distribuía por cualquier línea solista, integrándolo a la perfección en cualquier contetxo musical y logrando que nunca pareciera un mero ornamento. Lo dotó de lógica. Y no se puede hablar de Cipollina y de Quicksilver sin mencionar al otro guitarrista, Gary Duncan, que suministraba el perfecto complemento rítmico a la guitarra solista, y con frecuencia también hacía de solista o de doble solista, además de componer ("Calvary", precisamente, es de él).
En la música de Quicksilver, como en la de las otras grandes bandas de Frisco (Grateful Dead, Jefferson Airplane, Moby Grape...), podía oírse una parte de la historia de la música pop norteamericana; y esto era así porque sus miembros pertenecían a una generación que había crecido escuchando la radio en su edad de oro y siendo testigos directos de los importantes cambios, evoluciones y deslizamientos que se producían sin cesar en la música de los años 50.
Quicksilver + familias (detrás, Freiberg, Duncan y Elmore; en primer término, Cipollina)
A principios de los 90, el disco Earth 2 (Sub Pop, 1993), de la banda de Seattle Earth, fue un revulsivo que agitó las conciencias de un montón de jóvenes o futuros rockeros que a partir de ese momento comenzarían a concebir el rock de otro modo. Entre todos ellos, sus mejores seguidores han sido, sin duda alguna, sunn o))).
En sus incios en los 80, por el proyecto de Earth pasó mucha gente de la escena de Seattle, grunge y demás. Pero, el concepto definitivo se lo daría el guitarrista Dylan Carlson. Un guitarrista excéntrico y elegante, y con mucha más enjundia de lo que pueda parecer a primera vista. De la descomposición metálica de sus inicios, la idea Earth fue evolucionando hasta encontrar y desarrollar una forma muy especial de rock americano. La lentitud -siempre amenazadora en ellos- sigue siendo su marchamo referencial.
"Engine of Ruin", del disco de Earth The Bees Made Honey in the Lion's Skull (Southern Lord, 2008). En este tema, junto al gran Dylan Carlson (guitarra eléctrica y amplificador) están Steve Moore (piano eléctrico Wurlitzer), Don McGreevy (bajo eléctrico) y Adrienne Davies (batería), además de acompañarles un colaborador de lujo, Bill Frisell (guitarra eléctrica y amplificador). Slow rock para explorar los densos y misteriosos bosques del noroeste de los EE.UU.
Fotos de Wahtum Lake (Oregon) de Matthew S. Cain, con licencia Creative Commons
Este tema, "Quiet", es una instantánea modulada mediante efectos que afloran (y se desvanecen) y notas sueltas (elípticas) que se reagrupan en el conjunto con cierto retardo. La sutil línea baja hace que persista una misma imagen todo el tiempo. Y da un punto de intranquilidad.
Ocran sanabu es el nombre del proyecto de Jordi Cabayol, el que fuera miembro de los Entr'acte barceloneses. Hacía años que no le veía, y a principios de verano nos encontramos gracias a Juanjo, su compañero en Entr'acte. Durante el largo tiempo en el que ha estado fuera de Barcelona, ha seguido produciendo y grabando su música de un modo privado. La prueba está en los cuatro cd-r que me pasó, el primero de los cuáles data de 1995, y que iremos desgranando poco a poco en el hotel, pues contienen un montón de buenas cosas y buenas ideas. De momento, este adelanto es de lo más reciente, de este mismo 2010.
A mediados de los años 80, apareció un trío creativo, estimulante e inesperado en Barcelona. Moisés Moisés lo formaron Conrado T. Costa, a la guitarra, Oriol Perucho, a la batería, y, como decía Oriol en un texto promocional de la promotora "Otras músicas", la "guinda" la ponía Pep Pascual con los saxos y el clarinete. A esta formación le siguieron otras dos: Jordi Golmayo sustituyó a Perucho en las baquetas; y en la última, Pascual dejaba el grupo y entraban Eduard Altaba (bajo) y Quicu Samsó (batería). Su música imprevista se consumió en unos pocos años. A principios de los 90, Conrado fallecía a causa de un accidente cuando aún no había cumplido los 24, con lo que Moisés Moisés desaparecían. En noviembre de 1987, la primera formación (Costa, Pascual y Perucho) grabaron una maqueta de siete temas. Pep Pascual no recuerda si intentaron moverla por algún sello, aunque le parece que no. Finalmente, ellos mismos se autoeditaron este trabajo en formato k7.
El tema a continuación es el último de dicho k7. Se llama "En el tejado" y es un solo de Conrado T. Costa. Pep nos ha contado que a Conrado le gustaba tocar la guitarra en el tejado de la casa de su abuela, en el barrio de Horta. Cuerdas de cristal y funámbulo. Nocturno y soñador.
Pep Pascual, Conrado T. Costa y Oriol Perucho en el tejado de El Corte Inglés de Plaza de Catalunya.
Si observan con detenimiento esta fotografía, parece que el viejo Django está tocando la guitarra (y fumándose un pitillo) dentro de una caravana, tal vez la suya. Y, probablemente, la tendría aparcada en su Bélgica natal o bien en Francia. Pero, ahora, andar en caravana por Francia es mala cosa. Al menos si se es gitano y rumano -eso por el momento. El señor Sarkozy y su gobierno nos acaban de mostrar que aquel viejo fantasma que recorrió Europa aún vaga por ahí. Este personajillo que ahora dicta la política gala, y que si se fijan bien tiene el mismo perfil que un prefecto romano de las historietas de Astérix, lleva un tiempo promoviendo la expulsión de gitanos rumanos de Francia. Eso, expulsar a un colectivo determinado, es algo que va contra las leyes de la Unión Europea y contra la misma Constitución francesa. Algunos "colegas" del presidente francés, unos cuantos de por aquí, lo justifican porque eso se aplicará sólo a los que cometan delitos reiteradamente. Pero, ¿de verdad alguien cree eso, cuando en una pequeña administración provincial francesa se tramitaron 900 órdenes de expulsión de personas de este colectivo en un solo mes?
Lo más triste es que sólo una persona en la Comisión Europea le cantó la caña hace unos días a Sarkozy, pero luego hubo de retractarse. Del resto, nuestros electos gobernantes, ninguno ha dicho ni mu, cuando no lo han respaldado. En este sentido, no saben cómo me avergüenza el señor Zapatero, aunque no le haya votado nunca. Ahora son los gitanos rumanos pero, no olvidemos que cuando se empieza por un colectivo después se pasa a otro, luego a otro más y así hasta quedarse sólo con los amigos y afectos. Andémonos con ojo porque si se les deja paso a gente como esta acaban hasta con los que tocan la guitarra tumbados en un sofá, los que juegan a cartas, los que no tienen hipotecas ni consumen los mínimos o, simplemente, los que no llevan el pelo como a ellos les gusta.
"Little Niles", el tema de Randy Weston, en un arreglo particular, llevándolo a su mundo, del guitarrista inglés John Renbourn.
El tema pertenece al disco Wheel of Fortune, un directo que grabaron Renbourn y Robin Williamson en 1993 y que editó dos años más tarde el sello Castle Records. Estas dos leyendas del folk británico (el primero, fundador de Pentangle; el segundo, de la Incredible String Band), se juntaron ese año de 1993 para hacer una gira mano a mano bajo el cachondo nombre de Impenetrable String Tangle. Ay, estos viejos hippies, siempre bromeando.
El disco es estupendo de cabo a rabo, al menos para los que gusten del palo este, pero hemos escogido este "Little Niles" para Guitarrowing, aparte de porque nos gusta, porque es bonito escuchar a alguien como Renbourn haciendo su lectura personal e intransferible de un tema de jazz que exulta blues. El mundo del jazz no ha dejado de apropiarse de canciones para convertirlas en otra cosa y nunca nadie ha dicho nada; en justiprecio, cuando desde fuera de él se toma algo para hacer lo propio, muchos deberían callar. Como mínimo, por aquello del "café para todos" (y que nadie piense que esta frase es de Fraga, porque no).
Dentro de unos días, el 9 de septiembre, se cumplirá el décimo aniversario de la grabación del primer disco de Acoustic Guitar Trio, que apareció en el año 2002 en el célebre sello independiente británico Incus Records (fundado en 1970 por Derek Bailey, Tony Oxley y Evan Parker). Esta poco conocida formación estaba compuesta por tres excelentes guitarristas de la escena de Los Angeles, Rod Poole, Nels Cline y Jim McAuley. Recientemente, en 2009, apareció un segundo disco que recoge una sesión registrada en 2003, Vignes (Long Song Records). Un disco que, lamentablemente, Rod Poole no llegó a ver editado pues sería asesinado en 2007. (De Poole hablaremos próximamente).
"My You" es, tal vez, la más taimada de las seis improvisaciones que contiene ese mencionado primer disco del Acoustic Guitar Trio. Una triple hélice curvada y autorecurrente. Tres guitarristas muy distintos entre sí. Desde los modos más convencionales de McAuley al experimentalismo de Cline pasando por la sorprendente imaginación de Poole. Un must.
Nada como una tormenta de verano. La agitación necesaria para quitarse el lazo de bochorno y apatía. Un escalofrío reparador, en los brazos, bajo las perneras de unos pantalones livianos.
Mirando en Internet archive el azar me ha suministrado un par de cosas estupendas. Había unas imágenes, que ya conocía, filmadas tras el terremoto que asoló San Francisco en 1906. Por otra parte, había un concierto de Grateful Dead, que no conocía, grabado en el Winterland Arena de San Francisco en junio de 1975. Uno de los temas, "Slipknot!" (un auténtico nudo para ahorcar), es, además de un notable ejemplo de guitarrowing, un acompañamiento ideal para esa serie de travellings y panorámicas por una ciudad golpeada por el temblor de tierra pero aún así llena de vida. Ideal también porque, como suele ocurrir con la música de Grateful Dead, hay una fina y peculiar conexión entre los old times y el near future. Ideal, finalmente, para este fin de semana soleado.
Sugiero que primero apretéis el reproductor de audio y después el de vídeo, y que contempléis y escuchéis ambas cosas a la vez.
Have a nice travel!!!!!
Los enlaces a ambas cosas los tenéis a continuación:
En espera del concierto de mañana junto a Barre Phillips, en el que podré ver a Joe Morris por primera vez tocando la guitarra, voy a hacer este guitarrowing sobre él, y voy a tratar de hacerlo dándole forma de retrato.
Hará un par de años, con ocasión de la presentación de su proyecto sobre Pérez Prado en Barcelona ("Go go Mambo", promovido por Arco y Flecha, y en el que Morris tocaba el contrabajo), tuve la oportunidad de entrevistarlo antes de la prueba de sonido. Al acabar ésta, cuando los músicos se retiraron a los camerinos a comer algo, Morris se quedó en el escenario. Al cabo de unos minutos, se acercó al patio de butacas y se sentó en primera fila (yo estaba cerca, en la segunda), sin perder de vista la escena. Estaba preocupado, algo no le cuadraba. De vez en cuando rompía el silencio para, sin grabadora ni nada, contarme cosas acerca de su trabajo. Habló de la guitarra y de los guitarristas. De que le gustaba tocarla siempre afinada. Le exasperaba la autoindulgencia de cierta vanguardia. La experimentación x la experimentación. Él se veía como parte de una continuidad dentro del free jazz y de la improvisación. Una historia difícil y frente a la que, dentro de todas las innovaciones que se quisieran, había que mantenerse respetuoso y riguroso.
La sensación que se tenía al oírlo era como ante ese código de honor que antes tenían los viejos bad guys. Sí, ya sé, esto con todas las matizaciones y salvedades que se quieran, pero permítaseme la imagen aunque sólo sea apelando a la mitología cinematográfica. Lo cierto es que su nivel de autoexigencia era altísimo, tal vez demasiado y todo. Durante esa hora que transcurrió, en ningún momento dejó de mirar el escenario que iba a acogerlos esa noche, tratando de encontrar alguna solución a ese problema que él veía (y que, sospecho, no era uno sólo ni fácil de formular). En Morris, en su carácter y su música, hay algo trágico.
A continuación, dos temas de No Vertigo (Leo Records, 1995), un disco de solos en el que interpretaba sin acompañamiento guitarra acústica o eléctrica, mandolina o banjo ukelele. Un trabajo de hace quince años pero en el que ya encontramos casi todas las constantes de su quehacer. El primer tema es "The 17th", una balada reflexiva pero desasosegadora; y el segundo, "Equilibrium", una impro dura y en la que despliega toda su capacidad retórica. Dos aspectos integrales de su personalidad. Ambos con guitarra acústica.
"Ohartzean", del disco Euria ari du. Un tema precioso, que comienza como un folk-rock británico de finales de los 60 y que va convirtiéndose en ejemplo de ese krautfolk al que nos referíamos en la anterior entrada (y claro, también muy californiano, pues eso fue una gran inspiración para un montón de guitarristas alemanes, de Fichelscher a Göttsching pasando por Karoli), al tiempo que se postula como una convincente propuesta neo folk.
Esta mañana, mientras elegía el tema para hacer este post, hemos intercambiado unos mails con Rafa Zaragoza, amigo y cliente del hotel, a raíz del post anterior sobre Joseba Irazoki. En ellos han surgido Fahey, otros guitarristas, y una palabra, storyteller, contador de historias, de cuentos. Rato después, cuando ya estaba cerrando la entrada, he reparado en lo bien que le caía el término a Irazoki, originario de un lugar, el País Vasco, con una fuerte cultura oral, además de por su trabajo en sí, obviamente.
Esta es la segunda sección que vamos a abrir. Hace ya días que quería haberla iniciado y, de hecho, el primer tema con el que quería empezar era "Dark Star", de Grateful Dead, que al final acabé usando en otra entrada. Va a ser como una especie de divertimento personal. En el hotel nos gustan mucho las piezas de guitarra en forma de lío, sin buscar tanto la excelencia como que estén bien enrrolladas. Irán cayendo un poco improvisadamente, según el estado de ánimo y los días, aunque en cartera ya hay cosas como Sir Richard Bishop o el Acoustic Guitar Trio.
El haber usado el tema de Grateful Dead para otra cosa, por un lado, y por el otro, el que Ramón Solé me pasará los dos tracks con Rafael Zaragoza, trastocó un poco los planes que tenía, pues enseguida pensé que me haría especial ilusión iniciar la andadura de Guitarrowing con ellos dos.
Este segundo tema me lo presentó Solé como un "blues-trampa". Me gustó la idea, algo así como "fake-blues". Enseguida entenderán por qué. Se inicia con una escala de blues y, aunque el color se va manteniendo, los guitarristas van empujándolo fuera del territorio acústico. Al cabo de poco entra una línea de contrabajo constante que se quedará hasta el final, y las guitarras se irán enroscando y desenrroscando en ella a discreción. De vez en cuando aparecerá alguna imagen bluesera, ya muy borrosa. Solé toca la eléctrica, Zaragoza la española, y les acompaña Eduard Altaba al contrabajo.
Foto: Walker Evans, del libro Elogiemos ahora a hombres famosos.
