sábado, 30 de junio de 2012

What Laurie likes... the Summer

What Laurie Likes by Art Pepper on Grooveshark

"What Laurie likes" (Art Pepper)
Living Legend (Contemporary, 1975)
Art Pepper: saxo alto; Hampton Hawes: piano; Charlie Haden: contrabajo; Shelly Manne: batería.

miércoles, 27 de junio de 2012

Coherencia

Y heme aquí, un año después, enarbolando mi decidida coherencia
(que bien éste tan escaso hoy)…


domingo, 24 de junio de 2012

Dentro de poco...

En breve iniciaremos una colaboración con la gente de Usted es un Colectivo para confeccionar la programación de su ciclo "Músiques Disperses" en un nuevo espacio.
Ya informaremos a su debido tiempo, entretanto, lo celebraremos recuperando un viejo concierto que programaron dentro del ciclo en la sala Heliogàbal, el 15 de febrero de 2009.
Era una especie de reunión parcial de Koniec: Xavier Maristany (saxos, efectos), Joan Saura (sampler) y Quicu Samsó (batería), y en el lugar del fallecido Josep Palomas, Eduard Altaba (bajo eléctrico).


jueves, 21 de junio de 2012

Lecciones de cine, lecciones de historia

+ Straub.

Jean-Marie Straub y su compañera Danièle Huillet hicieron la que tal vez para mí sea la mejor película “de, sobre y para” la música. Aunque era un proyecto que Straub había concebido años antes, ambos la realizaron entre 1966 y 1967, justo antes de que estallara la contestación generalizada del 68 (Straub-Huillet siempre estuvieron en otra onda). Sin embargo, y a pesar de lo que cabría pensar por el tema tratado, Crónica de Anna Magdalena Bach es una película mucho más materialista y dialéctica que el 95% de las producciones de aquellos años que se pretendían políticas.

Como es habitual en ellos, el mero planteamiento de su trabajo ya es magistral. Normalmente se habla de la música en el cine tratándola como un complemento, mientras que aquí es el sujeto principal (la música de Bach).
Y si el resultado es un film sobre la música –entre otras cosas– tan sobresaliente es sencillamente por cómo fue hecho.
El film toma como punto de partida tres “realidades”: la música real, los textos y manuscritos reales, los músicos reales.
Aprovechando que no existe ningún retrato fiable ni bueno de Bach, Straub escogió para hacer del maestro al entonces joven intérprete Gustav Leonhardt, al que no caracterizó más que poniéndole una peluca y un vestuario adecuado (definitivamente, lo estaban). Asimismo, el papel de Anna Magdalena lo encarna la cantora y pianista Christiane Lang. El resto del reparto también son músicos pertenecientes a distintas formaciones: orquesta austriaca, grupo de cámara suizo y coro alemán.
Toda la música está grabada en riguroso directo por los músicos que aparecen en la película (lo que en cierto modo otorga al film una categoría documental).
Veamos lo que contaba Straub en un artículo que escribió mientras la estaba preparando.

«(…) La película es cronológica. Las primeras imágenes que se ven corresponden a la época en que Bach tenía treinta y cinco años, así pues, más o menos la edad de nuestro Leonhardt. Lo que me gusta es rodar una película sobre un hombre al que nunca veremos envejecer. No tengo intención de maquillarle de ninguna manera –nunca he maquillado a nadie ante la cámara (…). Y, al final, cuando está ante una ventana y se escucha como murió –“sucumbió una noche dulce y santamente”, como dice el comentario–, tendrá exactamente el mismo aspecto que a los treinta y cinco años. Puede que me equivoque, porque no he vuelto a ver la película desde hace diez años, pero creo que en Oharu de Mizoguchi también se mostraba a la mujer –el personaje central– durante una vida entera sin dar en ningún momento la ilusión que envejecía. Simplemente, como dice el texto de una cantata: “Que tu vejez sea como tu juventud”.

«No obstante, nuestro Leonhardt llevará una peluca y un traje, y los músicos que mostraremos tocarán instrumentos barrocos. Asimismo, con los lugares de rodaje, intentaremos no cometer por obligación anacronismos, ni con los pocos muebles que tendremos que mostrar, ni con los órganos. Hemos buscado con minuciosidad los lugares para el rodaje: por ejemplo, para las cantatas, el que corresponde más o menos a la tribuna del órgano de la iglesia de Santo Tomás –poca distancia entre el órgano principal y el organino. Y, naturalmente, no grabaremos la música de Bach con órganos románticos. La tribuna de la iglesia de Santo Tomás ya no se puede utilizar porque fue transformada en el siglo XIX, pero hemos encontrado, por ejemplo, algo parecido en el “País Viejo” (cerca de Hamburgo).

«Así pues, mostramos a personas con trajes de época, mostramos a un hombre que lleva una peluca y un traje de cantor, pero no le diremos necesariamente al espectador: éste es Bach. Podría decir que la película será más bien una película sobre el señor Leonhardt. Incluso en los “puntos” de la vida de Bach, se respetará al intérprete de Bach en tanto que Leonhardt. La película, el juego, consiste en ponerle en contacto con estas tres realidades: los manuscritos, los textos y la música. Sólo si salta una chsipa entre estos cuatro elementos se conseguirá algo. (…)»

Sobre el criterio seguido para seleccionar las piezas, nos dice:

«La película será realmente lo contrario de lo que leí ayer en un cartel del Theatiner Filmkunst, a propósito de la película sobre Wilhelm Friedemann Bach, y que anoté: “Su música y la de su padre introducen en la película abundancia de cimas musicales impresionantes”. Desde el inicio hasta ahora, mi mayor temor con el Bachfilm ha sido que la música cree cimas en la película: la música debe permanecer en el mismo plano que lo demás. Por un lado, he escogido la música de tal forma que tengamos un ejemplo de cada género –un coro inicial, un concierto instrumental, una pieza para órgano, una pieza para clavecín, un minueto, etc.–, y también de cada período creador –el período antes de 1720, año en el que comienza la cronología de la película, también debe estar representado; de modo que tenemos en la película, que es de hecho completamente clásica, completamente lineal, al menos ¡una especie de salto atrás! Por otro lado, “dialécticamente”, hemos elegido la música únicamente en relación con el ritmo de la película. Sé con exactitud en qué momento necesito una superficie plana –y, por eso, no he escogido para tal momento una música que hubiera puesto en peligro esa superficie plana, que ahí era necesaria. La adecuación entre el fragmento de música escogido y el ritmo de la película debe ser total en cada instante de la construcción. Al margen de esto, sé por supuesto que puedo encadenar directamente tal fragmento de música con tal otro y que, en otro lugar, es necesaria una laguna, una secuencia sin música, un “punto de vida”.»

Ni que decirse tiene que el resultado de todas estas estrategias (más otras muchas que se emplean, naturalmente) nos “abre” la figura de Bach de un modo total y poco habitual: lo conoceremos en su música, puesto que es ésta la que lo ha traído hasta nosotros, aquí y ahora.

Y para acabar, una observación del propio Straub sobre la figura del músico germano:

«Bach es para mí uno de los últimos personajes de la historia de la cultura alemana en el que todavía no hay un divorcio entre lo que se llama artista e intelectual; no encontramos en él romanticismo –se sabe lo que en parte surgió del romanticismo alemán; no hay en él la menor separación entre la inteligencia, el arte y la vida, ni conflicto alguno entre la música “profana” y la “sagrada”, en él todo estaba en un mismo plano. Para mí, Bach es lo contrario de Goethe.»

Y ahora una cosa que hemos encontrado por internet. Se trata de un reportaje para la televisión holandesa sobre el rodaje de Crónica de Anna Magdalena Bach. (Como curiosidad, decir que entre los realizadores estaba un entonces principiante Johan van der Keuken).
Está en su versión original alemana, pero si pulsáis el botoncito «CC» de la barra inferior emergente del reproductor, aparecen subtítulos en inglés.



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Los textos pertenecen a un artículo de Straub titulado “El Bachfilm”, originalmente publicado en la revista alemana Filmkritik en noviembre de 1966; la presente es una versión corregida y anotada por Danièle Huilet que apareció en el libro Chronique d’Anna Magdalena Bach (Toulouse, 1996).
La traducción es de Javier Bassas y pertenece al libro Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Escritos, editado por Intermedio como complemento al cofre 3º de la colección de DVD de estos cineastas.

martes, 19 de junio de 2012

una cita dentro de una cita dentro de

Citamos un viejo texto de Jean-Marie Straub en el que citaba a Dreyer que a su vez citaba a...

"El escritor danés Johannes V. Jensen define el arte como 'una forma interpretada por el espíritu', definición que me parece perfecta. Chesterfield ve en el estilo 'el vestido de los pensamientos', otra definición simple y precisa, siempre y cuando el vestido no sea muy exagerado. Lo que caracteriza el buen estilo, en sí mismo sencillo y preciso, es que debe entrar con el contenido en una combinación tan íntima que produzca una síntesis. Si es demasiado atrevido e intenta atraer la atención deja de ser estilo para convertirse más bien en manierismo...".

Extraído del artículo "Dreyer feroz" de Jean-Marie Straub, publicado en diciembre de 1968 en la revista Cahiers du Cinéma.
Está compilado en el libro Escritos, de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, que acompañaba el volumen tercero de los cofres de dvd de estos cineastas que ha publicado Intermedio.

lunes, 18 de junio de 2012

Dead Capo for Sale


Uuulluuuuuuhhhhuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuu...

Polvoriento by Dead Capo on Grooveshark

"Polvoriento", del último disco de Dead Cap, Sale (Lovemonk, 2012).
Javier Adán, guitarra; Javier Díez-Ena, contrabajo; Marcos Monge, saxo tenor y clarinete bajo; Santiago Rapallo, batería.
Reseña en Cuadernos de Jazz.
Ah, una cosa que olvidamos decir en la reseña es que sale en cd y vinilo.

El anterior disco largo de Dead Capo (Díscolo) se publicó hace 10 años, en 2002, aunque hará un par de años editaron un sencillo con los temas "Atraco a las tres" (proveniente del gran clásico del cine español) y "Carnaza" (en una versión distinta a la que abre este Sale).
Ahí va, de propina, "Atraco a las tres", con su falso inicio en plan cine negro que enseguida se troca con ese ritmillo tan de feria...

Atraco a las tres by Dead Capo on Grooveshark

domingo, 17 de junio de 2012

Wave Field Synthesis


La asociación l'ull cec nos propone para la semana que viene (¡atención, que empieza mañana mismo!) uno de sus siempre interesantes seminarios, esta vez con un ciclo de conciertos adherido. La cosa versa alrededor de los "Conciertos de espacialización con Wave Field Synthesis". Veamos en qué consistirá:


"Durante tres jornadas disfrutaremos de la presencia del sistema de 192 altavoces y 12 subwoofers de la Game Of Life Foundation, una organización que promociona la creación, producción y difusión de proyectos sonoros de vanguardia que experimenten con el espacio. El programa de tarde constará de charlas a cargo de dos de los fundadores de este proyecto, así como un programa de conciertos que incluirá piezas encargadas especialmente para esta ocasión (*). 
"Wave Field Synthesis es una técnica de espacialización del sonido que produce frentes de onda "artificiales" utilizando un gran número de altavoces. Contrariamente a las técnicas de espacialización tradicionales como la estereofonía, con WFS la localización de las fuentes virtuales no cambia con la posición del oyente. Además, los sistemas WFS permiten el posicionamiento de sonidos fuera del área definida por la matriz de altavoces y, a diferencia de la mayoría de los sistemas de sonido multicanal, se caracterizan por la ausencia de un punto dulce y por gozar de una área de escucha óptima más amplia."
Los datos del programa de conciertos mencionado y el seminario son los siguientes:

18.06.2012, 20:00h
WAVE FIELD SYNTHESIS #01: Olivier Messiaen, Trevor Wishart, Kees Tazelaar, Wouter Snoei, Erwin Roebroeks.
19.06.2012, 20:00h
WAVE FIELD SYNTHESIS #02: EVOL (*), Yutaka Makino, Erik Nyström, Miguel Negrão, Arthur Sauer.
20.06.2012, 20:00h
WAVE FIELD SYNTHESIS #03: Robert Henke, Iannis Xenakis, Alfredo Costa Monteiro (*), Rubén Patiño (*).
18/19/20.06.2012, 10:00-18:00h
SEMINARI: ESPACIALITZACIÓ DEL SO EN TEMPS REAL AMB WAVE FIELD SYNTHESIS
  SEMINARIO: ESPACIALIZACIÓN EN TIEMPO REAL CON WAVE FIELD SYNTHESIS.
  SEMINAR: REALTIME SOUND SPATIALIZATION WITH WAVE FIELD SYNTHESIS.
Inscriu-te fins Diumenge 17/6 - Inscríbete hasta el Domingo 17/6 - Sign up until Sunday 17/6

Profesores: Arthur Sauer and Wouter Snoei.
 
Fechas:
Monday 18.06.2012, 10:00-18:00 (con pausa para comer)
Tuesday 19.06.2012, 10:00-18:00 (con pausa para comer)
Wednesday 20.06.2012, 10:00-18:00 (con pausa para comer)
 
Inscriu-te fins Diumenge 17/6 - Inscríbete hasta el Domingo 17/6 - Sign up until Sunday 17/6
 
Ubicación: Fabra i Coats – Fàbrica de Creació. Sant Adrià, 20. Barcelona. Metro Sant Andreu.
 
Precio: 160€ (plazas limitadas, incluye entrada libre a los conciertos y conferencias de cada tarde)
 
Para inscribirse o solicitar más información, envia un mail a info@lullcec.org.

Insistimos en que si a alguien le interesa asistir, hoy expira el plazo para inscribirse (lo podéis hacer en el enlace de encima de estas líneas).

jueves, 14 de junio de 2012

Duot: adjuntando documentación

Para ir cerrando ya este capítulo de entradas sobre el Duot, la edición de su segundo cd y las actuaciones de presentación del mismo que han hecho, vamos a poner dos entrevistas que estos días pasados les han hecho.
En primer lugar, un enlace al programa El Club de Jazz, que desde Pamplona hace Carlos Pérez Cruz. En su emisión del pasado 6 de junio les hizo una entrevista y emitió la grabación del concierto que el dúo había ofrecido en Huesca unos días antes.
El enlace es a una página índice (sólo tienen que buscar la emisión "6 al 12/6/2012").

www.elclubdejazz.com/envivo/index_reproductor.html

En segundo lugar, unos scans de la entrevista que les hicieron los de la revista "Butxaca", una popular agenda cultural de la ciudad de Barcelona y alrededores. Ha aparecido en el presente número, el 145, de junio de 2012, y en la sección final de la publicación, llama "Penúltima".





martes, 12 de junio de 2012

Free Art Ensemble con Agustí Fernández, BCN, 10-VI-2012

El domingo pasado asistimos al concierto que Free Art Ensemble ofreció en el espacio Re-Generació 3, en el que contaron con la especial presencia de Agustí Fernández.
Un concierto muy sugerente y del que hemos hecho reseña para Tomajazz.

Por cierto, durante la noche después del concierto, a Albert Cirera le robaron los dos saxos, el soprano y ese tenor Buescher del que estaba tan orgulloso.
Es una buena putada que le roben los instrumentos a un músico. Es una putada tan clara además que es imposible esperar que quien lo haya hecho se retracte. No, si no lo vio en el momento, es que no lo verá nunca.
Por eso vamos a poner la descripción y unas fotos de los saxos sustraídos que nos ha dado el propio Albert, por si alguno de los músicos clientes del hotel diera la casualidad que encontrara alguno de ellos por ahí, en alguna tienda de instrumentos de segunda mano o en algún cash&converter.

El tenor era un Buescher 400 Top Hat and Cane, con la numeración 342792 B11.



El soprano es un Yanagisawa recto, de una sola pieza. Albert no tiene el número de referencia esta vez.


lunes, 11 de junio de 2012

Magical Nights, de The Plastic People of the Universe



"Apocalyptickej pták / Apocalyptic bird"
de The Plastic People of the Universe.
Aparecida originalmente en Egon Bondy's Happy Hearts Club Banned (1974),
y ahora en la recopilación Magical Nights (Munster Records, 2010).
Reseña en Cuadernos de Jazz.


Apokalyptickej pták / Apocalyptic Bird by The Plastic People of the Universe on Grooveshark

martes, 5 de junio de 2012

Dos cogotes

Bien, pues aquí tienen un enlace a una especie de artículo-entrevista sobre el Duot que hicimos para y por petición de Tomajazz.

Ahí va "Dos cogotes": www.tomajazz.com/perfiles/duot_2012.htm

Dirán que fem un gra massa (exageramos) con estos chicos de Duot, pero no, no tienen razón. Por una vez, el cliente no tiene razón.
Y si no, vean la ditirámbica y vibrante crónica que hizo Carlos Pérez Cruz (gran periodista musical y gran crítico de jazz, no como la gentuza que corre por el hotel) del concierto que ofrecieron el pasado 31 de mayo en el Juan Sebastián Bar de Huesca (que además aderezaremos con una instantánea del evento tomada por Jesús Moreno)

carloscrece.blogspot.com.es/2012/06/duot-juan-sebastian-bar-huesca-31052012.html

 Albert Cirera y Ramon Prats en Huesca. (Foto: Jesús Moreno)

Definitivamente y en un sentido figurado, Ramon y Albert serían dos buenos medios de rugby; medio melé y medio apertura (pero intercambiables).
Y vamos a despedirnos con "Infection", de su primer cd

Infection by Duot on Grooveshark

lunes, 4 de junio de 2012

Tres tubos, de UZ



Las Palmas Nouakchott by UZ on Grooveshark

"Las Palmas Nouakchott" (Marcos Monge),
del disco Tres tubos (Clamshell Records, 2011)
del trío UZ: Chefa Alonso, saxo soprano y pequeña percusión; Marcos Monge, saxo tenor y clarinete bajo; Miguel Ángel Bestard, tuba.

Reseña en Cuadernos de Jazz.

viernes, 1 de junio de 2012

Pete Cosey (1943-2012)

Pete Cosey, Miles y Michael Henderson.



Extracto del "Preludio" de Agharta, de Miles Davis (1975).
Miles, trompeta y órgano; Sonny Fortune, saxos y flauta; Pete Cosey, guitarra solista; Reggie Lucas, guitarra rítmica; Michael Henderson, bajo eléctrico; Al Foster, batería; Mtume, percusión.