Overlook Hotel

La sopa (la ley, no la de la abuela)

2012-01-18T11:54:00.004-07:00

Tras la ley Sinde, nos llega del otro lado del charco un proyecto de ley que se está debatiendo en la Cámara de Representantes de EE. UU.
La ley se llama Stop Online Piracy Act (SOPA), y su supuesto objetivo es combatir la piratería y proteger los derechos intelectuales.
Pero las cosas no son tan sencillas. Dicha ley implica algunas cosa que dan miedo.
Recomiendo este enlace para hacerse una idea rápida y, después, si se quiere, seguir navegando por internet, que hoy va cargado.

A pensar...

2012-01-11T03:26:00.003-07:00

"Cualquier músico que no haya sentido -no comprender, sino sentir- la exigencia del lenguaje dodecafónico es un inútil. Toda su obra irá a remolque de las necesidades de la época."

Pierre Boulez

Más allá de la impetuosidad en la forma de expresarlo -creo que se trata de una cita de los años 50-, tras este aserto hay mucho más de lo que parece. Es una declaración estética pero también de principios. Como todo, como absolutamente todo en esta vida, discutible. Como debe ser.

La historia de Suck Electrònic Enciclopèdic (III)

2012-01-07T06:31:00.003-07:00

La web sense nom ha publicado ya la tercera entrega de la historia de Suck Electrònic Enciclopèdic que se está currando Juanjo S.
Todavía en los años 70, se subtitula "La conexión europea", y trata un poco de eso, de los vínculos que Jordi García y los suyos establecieron por ahí.
Hay que señalar que es una entrada que contiene abundante material gráfico, no sólo fotos sino también recortes de prensa de la época. En fin, de lo más interesante.
Ahí va:

Suck Electrònic Enciclopèdic III

Como nos ha anunciado el propio Juanjo S., la cuarta entrega se hará esperar un poco (al menos tres meses).
Estaremos atentos.

Xmas posts: Orgelbüchlein / Bach - Y ahora, ¿qué?

2012-01-06T13:58:00.011-07:00

"Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ. BWV 639", del Orgelbüchlein de J.S. Bach. Pertenece al ciclo de «La vida del creyente».
Es más conocido como "Preludio coral en fa menor". Lo utilizó Andrei Tarkovski en Solaris.
Además de en los créditos iniciales, suena en una enigmática escena en la que Kris Kelvin, el psicólogo que ha de decidir sobre la viabilidad de la estación espacial que orbita alrededor de Solaris, el planeta-océano ¿pensante?, y tal vez inducido por éste, le muestra a la segunda materialización de su mujer muerta 10 años atrás una vieja película familiar propia.
Aunque más que enigmática es una escena sobre la conciencia: en una especie de montaje de extractos de distintos momentos vitales, vemos evolucionar al joven Kelvin, vemos también una presencia de mujer que va cambinado pero que tiene el mismo significado plástico en cada composición, y sobre todo vemos la Tierra, agua y nieve, hojas y vegetación. Como alguien dice en el film, "prefirió los gusanos al cosmos".
El título del preludio es, "yo te llamo, Jesucristo".
Como ha venido siendo habitual en esta mini serie de entradas con el Orgelbüchlein como sujeto principal, la versión vuelve a ser de André Isoir interpretada en el órgano de la iglesia Cantate Domino de Frankfurt am Main.

Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ. BWV 639 by J.S.バッハ on Grooveshark

Y ¿bien?

Xmas posts: Orgelbüchlein / Bach - Año nuevo

2012-01-01T05:02:00.009-07:00

"Das alte Jahr vergangen ist. BWV 614", otra pieza del ciclo navideño de esa inagotable fuente de gozo que es el Orgelbüchlein de Bach. Se trata de una de las tres dedicadas al Año Nuevo.
La versión vuelve a ser de André Isoir interpretada en el órgano de la iglesia Cantate Domino, en Frankfurt am Main.

Das alte Jahr vergangen ist. BWV 614 by J.S.バッハ on Grooveshark

"El año viejo ha pasado", se titula.
Primera mañana del año. Música clásica y saltos de esquí.

Una recomendación:
En 1974, Werner Herzog realizó el mediometraje documental El gran éxtasis del escultor de madera Steiner (Die Große Ekstase des Bildschnitzers Steiner). Trata sobre el saltador suizo Walter Steiner, cuya profesión era carpintero. Sus saltos eran tan largos que con frecuencia se salía de pista o la apuraba tanto que no tenía tiempo de posarse como es debido.
Tuvo varios accidentes graves, durante cuyas convalecencias en el hospital se dedicaba a tallar pequeñas figuras de madera.
En el documental de Herzog, Steiner dice que él no hace "sky-jump" (saltos de esquí) sino "sky-fly" (vuelos de esquí).
Estaba permanentemente enfadado con los jueces de las pruebas en las que participaba, con la insensatez con la que tomaban algunas decisiones sobre en que momentos se podía saltar o no, y porque -decía- no entendían esa peculiaridad del sky-fly.

Ahí tienen la secuencia de inicio, con la cámara súper lenta y la música tenuemente religiosa de Popol Vuh. Buscad el resto por internet o haceos con ella porque es una grandísima película que demuestra que Herzog tiene una mirada especial bajo cualquier circunstancia, bien sea en un remoto y exótico lugar o al doblar la esquina de su casa (justo su anterior película, Aguirre, la cólera de Dios, la había rodado en el Amazonas).

¡Que tengáis un feliz año!

Sam Rivers (1923-2011)

2011-12-29T05:20:00.018-07:00

El pasado lunes se nos iba otro gran músico, Sam Rivers. Compositor, director, saxofonista, clarinetista, flautista y pianista, Rivers se movió por entre la vanguardia de un modo heterodoxo (incluso ahí dentro). En la segunda mitad de los 60 grabó una serie de LPs deslumbrantes para Blue Note (Fuchsia swing song, Contours, A new conception, Dimensions & extensions e Involution) y después, ya en los 70, fue uno de los principales promotores y dinamizadores de la movida del loft jazz neoyorquino.
Más que experimental, fue un experimentador. Un artista que no se fijó a ningún molde ni en un sentido ni en otro. No fue un free de los de desgañitarse. Aunque a veces su música podía resultar abrasiva siempre había algo en ella de melodioso, de armonioso (y no me refiero a melódico y armónico).
A lo largo de su carrera trabajó con todo tipo de formatos. Exploró con frecuencia los más pequeños, como el dúo o el trío, pero también los juegos orquestales. A partir de los años 80, el proyecto de la RivBea Orchestra, estudio y más cosas, fue su principal vehículo para ensayar con el colorido y la estructura en esos formatos mayores.
Pero lo mejor será oírlo.

Vamos a escuchar la primera parte del tema "Suite for Molde", que a su vez consta de dos partes, "Onyx", en la que Rivers toca el saxo soprano, y "Topaz", en la que toca la flauta.
Se grabó en directo el 3 de agosto de 1973 en el Festival de Jazz de Molde, en Noruega.
Lo acompañaban Arild Andersen al contrabajo y Barry Altschul a la batería.
Está en el cd de Impulse Trio Live (1998).

Suite for Molde - Part One by Sam Rivers on Grooveshark

Y ahora vamos a poner una pieza en la que toca el tenor, que es el instrumento con el que más se le suele asociar. Pertenece a una de las primeras sesiones que grabó como sideman, una sesión a nombre del organista Larry Young. El tema es "Plaza de toros" y es del disco Into somethin', de 1964. Están con ellos Gran Green a la guitarra y Elvin Jones a la batería. Se trata de un registro completamente distinto, una música llena de groove pero en la que como comprobaréis Rivers se desenvuelve de un modo extraordinario también.

Tropopausa

2011-12-27T05:14:00.017-07:00

En marzo de 1979, me trasladé con mi madre a vivir a La Floresta, un pequeño pueblecito de casas dispersas entre el bosque situado en medio de la sierra de Collserola, cerca de Sant Cugat del Vallés. Durante los 70, muchos hippys, freaks y gente del rollo se había instalado allí. En poco tiempo, La Floresta (y en menor medida otros pueblos cercanos y de parecidas casacterísticas, como Valldoreix y Mirasol) se convirtió en uno de los enclaves importanes de la geografía underground de Barcelona, produciéndose allí todo tipo de manifestaciones culturales: música, cómic, teatro...
En el pueblo había un lugar que se convertiría en algo así como el centro neurálgico de toda aquella movida, era el Casal de La Floresta. El Casal ocupaba lo que había sido un viejo casino de principios de siglo al que la burguesía catalana iba jugarse "els quartos" en su momento. La Asociación de Vecinos de La Floresta se hizo con él y, gracias a ello y a las actividades que se desarrollaron y usos que se le dieron el edificio logró seguir en pie dignamente (al menos durante unos años).

Cuando nosotros llegamos a La Flores, la actividad mencionada ya había decaído un poco con respecto a los años anteriores. Aún se hacían conciertos y exposiciones y otras cosas, eso sí.
La mayoría de mis amigos vivían en Barcelona, así que yo casi siempre bajaba a la ciudad. A pesar de esto, pude ver en el Casal unos cuantos conciertos. De todo un poco, rock, salsa, jazz, orquestas de baile...
Recuerdo uno que me gustó y sorprendió gratamente. Era un concierto acústico de Gato Pérez. Además de él a la guitarra ventilador y la voz, le acompañaba tan sólo otro guitarrista y un bajista. Un concierto cercano y en cierto modo raro, pues Gato en aquella época ya tenía un bastante renombre y solía tocar con su grupo, que podía ser de cinco, seis o más músicos. La música de Gato no era por aquel entonces de mi rollo, pero aquel directo me encantó

Pero, el concierto que más me gustó, que nunca he olvidado y que guardo en mi memoria como un tesoro, fue el que ofreció el quinteto Tropopausa. En aquel momento no había oído aún el disco. No sé incluso si había aparecido ya. Pero ese concierto llegaría a ser muy importante para mí. Entonces era jovencito y muy rockero, y de repente Tropopausa me mostraron otras posibilidades, otras músicas. Sin ser un grupo de jazz ni pretenderlo, había cosas que por espíritu quedaban muy cercanas al género (la libertad, la búsqueda de un sonido personal). Por ejemplo, algo que es de lo que más recuerdo que fue la forma de tocar la batería de Oriol Perucho. O los temas en sí, cuya forma me parecía imposible, como si nunca se me hubiera ocurrido que se podían hecer temas así. No eran propiamente canciones y tampoco era improvisación, era una cosa muy peculiar que refería más a historias o algo así, por más que uno no llegará a comprenderlas. Todo esto y algunas otras que escuché esa noche, unido a que en los meses siguientes comenzaría a aficionarme a escuchar discos de jazz, terminarían por inocularme para siempre el virus de esta música.

Todo esto que viene a cuento de que el sello Picap (910998), como depositario de los fondos del catálogo de Edigsa y Zeleste, acaba de reeditar en cd el disco Tropopausa. Es la primera vez que aparece en este formato además. Muchos otros discos de esta escudería ya habían tenido una anterior reedición en cd en los 90 bajo el sello PDI. Así que, a la importancia que ya tiene de por sí editar el disco de Tropopausa hay que añadir esa otra de que se trata de la primera vez.

El disco de Tropopausa apareció durante el año 1979. Apareció dentro de la serie "Concert" que editaron conjuntamente los sellos Zeleste/Edigsa (referencia UM 2056 - LP, 1979). Debió ser una de las últimas referencias publicadas por el sello. Apareció en realidad a nombre de los músicos, "Altaba / Cervera / Perucho / Nico / Solé", es decir, los apellidos de los cinco, y el título, eso sí, era Tropopausa. No sé muy bien cómo ni por qué pero dicho título acabaría por dar nombre al quinteto. El disco no se vendió demasiado, supongo que porque este país es así de jodido y, también, porque tenía un punto inclasificacle y vanguardista, aunque en absoluto era árido. Si ya cuesta colocar este tipo de cosas ahora, imaginen entonces.
El quinteto se separó definitvamente en 1980, después de haber estado durante un largo año preparándose con máxima profesionalidad y ensayando con mucha frecuencia. No obstante esto, las actuaciones no caían. Les he preguntado varias veces a ellos cuántas actuaciones recordaban haber hecho como Tropopausa. La respuesta general, "muy pocas", apostillando alguno de ellos que tan sólo 2, algún otro que 4, pero en cualquier caso no más de una decena (la del Casal de La Floresta siempre fuera de toda duda, así que no fue un espejismo). Si se piensa, es una anomalía bestial tratándose de un grupo de sus características, pero este país -vuelvo a decirlo- es así.
Por tanto, y para volver a lo del concierto, imaginen lo privilegiado que me siento de haber podido verlos aquella noche en La Floresta, y saberme de los pocos que gozaron de tal oportunidad además.

El disco lo adquirí tiempo después. Desde el primer momento se convirtió en un disco "especial" y muy querido. Más allá de la anécdota del concierto, la música del disco estaba viva y también merecía ser guardada y hacerle un espacio permanente en la memoria.

Los de Picap me enviaron hace unas semanas una copia de la reedición y he hecho la correspondiente reseña del disco para Cuadernos de Jazz.
Léanla si les interesa. Por el momento no añadiré mucho más a lo dicho en ella. Simplemente, que el disco suena bien, lo que es un gran que. Y, tal vez sí, completar algo a lo que me refiero de pasada en la crítica. Se comenta muy por encima las diversas procedencias de los músicos antes de formar el quinteto. Quizá estaría bien apuntar, brevemente también, que una vez disueltos Tropopausa, algunos de sus músicos seguirían militando -y hasta prácticamente hoy- en formaciones más o menos experimentales y vanguardistas del área de Barcelona, como Naïf, Koniec, Moisés Moisés, Sboro, la Bel Canto Orquestra de Pascal Comelade, el colectivo de improvisación IBA, el trío Cactus, Les Anciens, la Banda de Improvisadores de Barcelona (BIB)... Mencionarlo sobre todo para que se entienda esa idea que apunto de Tropopausa como punto de llegada y de encuentro, como meta y parrilla de salida a la vez.

No obstante lo dicho hasta aquí, un día hablaremos de este disco pero desde una óptica más personal, más íntima. De momento, ahí va la reseña

Tropopausa en Cuadernos de Jazz

Xmas posts: Orgelbüchlein / Bach - Natividad

2011-12-25T03:35:00.007-07:00

"Christum, wir sollen loben schon. BWV 611", del Orgelbüchlein de J.S. Bach.
Forma parte del ciclo de la Navidad y litúrgicamente corresponde a esta misma festividad.
Interpretado por André Isoir en el órgano de la iglesia Cantate Domino de Frankfurt am Main.

Christum, wir sollen loben schon, BWV 611 by J.S.バッハ on Grooveshark

Esta grabación pertenece al volumen 9 de la integral organística de Bach que editó el sello Calliope.

Xmas posts: ... porque en nuestra sangre siempre es navidad...

2011-12-24T10:04:00.004-07:00

Chatarra De Sangre Y Cielo by corcobado on Grooveshark

Xmas posts: Orgelbüchlein / Bach - Adviento

2011-12-23T04:55:00.032-07:00

"Nun komm' der Heiden Heiland. BWV 599", de Orgelbüchlein (Pequeño libro de órgano) de Johann Sebastian Bach.
Orgelbüchlein es un libro de composiciones breves para órgano que Bach escribió entre 1708 y 1714, período en el que era organista en Weimar. Dicho libro comprende las piezas BWV 599 a 644 del catálogo de obras completas del músico alemán.
En un principio, debía estar compuesto por 164 preludios corales agrupados en tres ciclos -Navidad, Pascua y la vida del creyente- que debían abarcar todo el año litúrgico luterano (Adviento, Natividad, Año Nuevo, Presentación de Jesús en el Templo, Cuaresma, Pascua de Resurrección, Pentecostés, más otros basados en himnos del catecismo). Finalmente, Bach sólo llegó a completar 46.
Al mismo tiempo, Bach planeó toda esta serie de preludios corales también como una herramienta pedagógica. El conjunto de las cortas piezas que conforman el libro presenta unas dificultades y particularidades técnicas muy diversas.

Portada autógrafa de la primera edición de las partituras de Orgelbüchlein.

El siguiente preludio coral es el que abre el libro y uno de los cuatro que forma parte del Adviento, en el primer ciclo.
Lo interpreta André Isoir en el órgano de la iglesia Cantate Domino, de Frankfurt am Main.
Pertenece al volumen 9 de la integral de órgano bachiana que editó Calliope.

Nun komm' der Heiden Heiland, BWV 599 by J.S.バッハ on Grooveshark

A continuación, una imagen y un cuadro con los registros del órgano de la iglesia Cantate Domino.
Se trata de una iglesia erigida en 1966 y obra de los arquitectos Tassilo Sittmann y Walter Schwaggenscheidt. Un espacio luminoso, moderno y diáfano.
El órgano fue construido en 1970 por el taller Ahrend & Brunzema. La estética visual es moderna, acorde con el nuevo espacio propuesto para la iglesia. Su estética sonora está dentro de la tradición barroca del norte de Alemania.

Jazzomology

2011-12-22T00:34:00.013-07:00

Picap ha reeditado el único disco que en 1979 grabó el cuarteto barcelonés Jazzom, para el sello Zeleste/Edigsa y dentro de su serie "Concert". Esta serie se puso en marcha en 1979 con la idea de llevar a cabo discos con producciones económicas y venderlos luego a precio asequible. Finalmente, tan solo se publicarían tres trabajos, todos en ese mismo año: el disco homónimo de Tropopausa, En concert de Esqueixada Sniff y este de Jazzom, titulado Jazzomology. Como el nombre de la serie podría llevar a pensar, no se trataba de grabaciones en directo, puesto que ni el de Tropopausa ni el de Jazzom lo eran.

Jazzom lo formaban el saxofonista Pep Bonet, el pianista Lluis Rambla, el contrabajista Manel Ortega y el baterista Pau Bombardó.
A principios de los 80, recuerdo haber visto decenas de veces este disco en las cubetas de las tiendas de discos de segunda mano. Nunca llegué a comprarlo, y tampoco a escucharlo (al menos que yo recuerde).
Finalmente, oiría por primera vez un tema de Jazzom en una entrada que hace un par de años hizo el amigo Jesús en el blog que por aquel entonces se traía entre manos, "Estrapalucios y fatezas".
Casualmente, hace unas semanas la discográfica Picap (911067-2) me lo envío e hice una reseña para Cuadernos de Jazz que ahora se publica en su web.

Ahí tienen la reseña por si les interesa y, por lo demás, poco más que añadir a lo dicho en ella. Remarcar que, en efecto, ha sido una sorpresa agradable y que, en general y según el hotel, siempre está bien recuperar esas cosas interesantes que por aquí se hicieron hace no tanto tiempo, 20 y pico, 30, o 40 años atrás tan solo.

La historia de Suck Electrònic Enciclopèdic (II)

2011-12-19T12:30:00.008-07:00

Bueno, pues ya está disponible en la web sense nom la continuación de la historia del grupo Suck Electrònic Enciclopèdic que nos está regalando Juanjo S., un trabajo por el que sin duda ya se habrá ganado el cielo.
Esta segunda entrega está centrada en el año 1976, año de consolidación del proyecto, como apunta el propio Juanjo en el encabezamiento, y un año también en el que surgirán otros dos locales en Barcelona que acabarían por conformar una especie de alternativa a Zeleste. Dos locales muy distintos entre sí y que igualmente terminaron por ser asociados a determinados sonidos. Hablamos de Màgic, que estaba situado entre el Born y la Ciutadella, y de La Orquídea, en el barrio de Gràcia.
Como el anterior capítulo, el texto va acompañado de fotografías, carteles y otros documentos, en su práctica totalidad inéditos, lo que nos indica la seriedad con la que Juanjo se está tomando el trabajo.

Ahí va...

Suck Electrònic Enciclopèdic II

MISP II: (...)

2011-12-18T03:13:00.007-07:00

Debido a causas ajenas a
la dirección del hotel
(ya conocen nuestro lema,
"la culpa siempre es de los otros"),
nos vemos obligados a
interrumpir y posponer
la serie hasta nuevo aviso.

Disculpen las molestias que esto pueda ocasionarles.

Afectuosamente,

Jack Torrance

Enfermedades de salón y de campo en Europa

2011-12-17T04:51:00.016-07:00

Una gripe violenta es lo más parecido a una abstinencia, o al menos eso se dice.
Lo cierto es que te priva de aquello que normalmente haces.

Una mañana. El aire pesa y todo parece estar húmedo y fuera de sitio.
Pensar en ver una película.
Ha de ser corta. Una duración excesiva produciría más malestar aún.

Nuit et bruillard (Noche y niebla, 1955), el documental de media hora que Alain Resnais realizó sobre los campos de exterminio nazis.
El texto es de Jean Cayrol.
La música de Hanns Eisler.
La fotografía es de Ghislain Cloquet y Sacha Vierny, dos de los grandes operadores franceses de posguerra.
Por ahí anduvo Chris Marker, buen amigo de Resnais.

El título proviene de un decreto llamado en alemán Nacht und Nebel, noche y niebla.
Se trataba de las «Directivas para la persecución de infracciones cometidas contra el Reich o las Fuerzas de Ocupación en los Territorios Ocupados».
Se le denominó «Decreto Nacht un Nebel».
Algo en verdad siniestro.
Lo marcaban en las espaldas de los detenidos: N N.

Hace como 15 años que no la veo.
El sombrío tema musical de Eisler sobre unos créditos en el preceptivo blanco sobre negro te deja listo para ver el contenido.
Lo que más sorprende es la ironía que destila el comentario de Cayrol asociado a los efectos de montaje que consigue Resnais.
Ahora creo que sería impensable.
También hay dureza, descripción quirúrgica de abominaciones, escalofrío y asco. E inexplicable extrañeza.
Como las palabras, la música de Eisler va transcurriendo. Hay un motivo melódico con el clarinete que aparece dos veces, y que en su desarrollo completo condensa todos estos estados de ánimo mediante sutiles inflexiones.
Un gran interrogante, que aún no nos hemos respondido: ¿quién fue responsable?

Entre muchos aficionados al cine, la serie de documentales que Resnais realizó en los años 50 son de lo mejor que ha dado este arte. Creo que me encuentro entre ellos.

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Lavabo, orina y mocosidad, y más agua...

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Un rato más tarde, pruebo con otro film corto.

Esta vez, algo que acabo de conseguir y que no había visto antes.
Se trata de la Introducción a la «Música de acompañamiento para una escena de película» de Arnold Schoenberg (Einleitung zu Arnold Schoenbergs Begleitmusik zu einer Lichtspielscene, 1972), de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet y de 16 minutos de duración.
Brutal, también.

La "Música de acompañamiento para una escena de película, op. 34" es una composición para pequeña orquesta escrita en 1929. Llevaba escrita la siguiente indicación: «peligro amenazante, miedo, catástrofe».
La oímos entera.
Mientras, alguien lee unos extractos de dos cartas que Schoenberg remitió a Kandinsky los días 20 de abril de 1923 y 4 de mayo del mismo año, desde Mödling, Viena.
El motivo de la primera misiva era declinar la invitación que Kandinsky le había ofrecido de ir a Weimar y contribuir a la creación de un centro artístico-cultural totalmente nuevo y experimental, la Bauhaus.
El motivo de la segunda, responder más extensamente al artista ruso a quién la primera carta había trastornado.
En el film no se nos cuenta ni la procedencia y fecha de las cartas ni se distingue entre la primera y la segunda. Los extractos de ambas están fundidos aunque en continuidad. Straub-Huillet sólo necesitan las ideas que de ellas se desprenden.
No se trata de una pincelada histórica, como ajustadamente indica el título del film es una "introducción".

A Schoenberg le habían llegado noticias acerca de cierto antisemitismo en el seno del grupo y, en particular, del propio Kandinsky.

La primera carta es breve, genérica y fundamental. No se entra en muchos detalles.

(...) "Pues lo que me vi obligado a aprender durante este último año, lo he comprendido finalmente y nunca volveré a olvidarlo. Esto es, que no soy un alemán, un europeo, quizá apenas un ser humano (al menos los europeos prefieren a los peores de su raza antes que a mí), sino que soy judío." (...)

Ante el trastorno que esta primera carta produce en Kandinsky (trastorno al que se refiere Schoenberg al inicio de la siguiente carta), el músico le escribe una segunda carta mucho más larga, elocuente, llena de ejemplos y situaciones concretos y plausibles que, no obstante, escribe de un modo muy dramatizado y apremiante. Hay que pensar que es el año 1923 y todavía queda lejos la barbarie. Parece que Schoenberg ya haya visto el "huevo de la serpiente".

(...) "¡Esto es lo que esperaba yo de Kandinsky, aunque no he dicho aún la centésima parte de lo que la fantasía de un Kandinsky tiene que ponerle ante los ojos, si él debe ser mi Kandinsky! Porque no he dicho aún que, por ejemplo, cuando voy por la calle y soy observado por cada uno para ver si soy un judío o un cristiano, no puedo decirle a cada uno que yo soy ese que Kandinsky y algunos otros exceptúan mientras que, sin duda, el tal Hitler no es de esa opinión. Por lo cual hasta esta benevolencia no me serviría entonces de mucho, incluso si yo la escribiera, como los mendigos ciegos, en una tablilla y me pegara ésta al pecho, para que pueda leerla cada uno. ¿No le da que pensar esto a un Kandinsky?"

(...) "Todo judío revela por su nariz corva no sólo su propia culpa, sino también precisamente la de todos los «corvinasos» ausentes. Más si se reúnen cien criminales arios, por sus narices se podrá comprobar sólo su afición al alcohol, pero por lo demás se les tendrá por hombres honrados."

(...) "Sí, cualquiera puede criticarme a mis espaldas, allí hay mucho sitio. Pero si le oigo, entonces está expuesto a mi defensa a sangre y fuego."

(...) "¡Cómo un Kandinsky puede aprobar que se me insulte; cómo puede él participar en una política que quiere producir la posibilidad de excluirme de mi campo de acción natural; cómo puede él abstenerse de combatir una concepción del mundo cuyo objetivo son noches de San Bartolomé, en cuyas tinieblas no se podrá leer la tablilla que dice que estoy exceptuado!"

(...) "¿Pero adónde debe conducir el antisemitismo, sino a actos de violencia? ¿Es tan difícil imaginárselo?"

(...) "Olvidé que no tiene objetivo el polemizar, porque no seré escuchado en absoluto; porque no hay la menor voluntad de comprender, sino sólo ésta: no oír lo que dice el otro." (...)

Kandinsky y Schoenberg reanudaron su amistad.
Voy a transcribir un pie de página (242) del libro Modernidad de Peter Gray en el que comenta este hecho.

"El incidente nunca se ha aclarado. Quede dicho que quién informó a Schoenberg de las supuestas declaraciones antisemitas de Kandinsky fue Alma Mahler, persona amiga de los chismorreos que no gozaba de demasiado crédito. Kandinsky siempre se mostró asombrado ante semejante acusación y la negó con vehemencia."

Estos extractos de las cartas los he seleccionado yo a partir de la selección hecha por Straub-Huillet.
Dichas cartas provienen de Briefe, la selección que Erwin Stein publicó en 1958.
En España fue editado como Cartas por Ediciones Turner (1987). La traducción es de Ángel Fernando Mayo Antoñanzas.
El film de Straub-Huillet ha sido editado por Intermedio en el primero de los cofrets dedicados a estos cineastas.
Noche y niebla está editado por Filmax.

Ferran Fages Ensemble

2011-12-16T13:59:00.009-07:00

Mañana se presentará en Barcelona y por primera vez en público la composición de Ferran Fages "Radi d'or (versió per ensemble)".
Originalmente, el ensemble está compuesto por cinco miembros: Ferran Fages, guitarra acústica; Olga Àbalos, flauta y saxo alto; Tom Chant, saxo tenor; Lali Barrière, electrónica y programación; y Pilar Subirà, percusión.
Mañana, no obstante, no podrá estar Tom Chant, así que el ensemble quedará reducido al cuarteto de músicos restante.

Se trata de una obra que tiene como punto de partida el trabajo de investigación que Fages inició en 2003 alrededor de la naturaleza de fenómenos acústicos como puedan ser la vibración, transmisión, reflexión, resonancia y frecuencias estacionarias, retro-alimentación y latidos entre frecuencias cercanas.
A continuación encontrarán escaneado el programa de mano, donde hay una explicación más extensa de todo ello.

Aunque no podremos asistir, lo recomendamos sin reservas, y más después del excelente concierto que ofreció Grus (otro proyecto de Fages) hace unas semanas en Heliogàbal.

Lo organiza IBA col·lectiu d'improvisació y tendrá lugar mañana,
sábado, 17 de diciembre de 2011, a las 21 horas.
Centre Cívic Can Felipa
calle Pallars, 277
metro: L IV-Poblenou
Barcelona
Precio: 5 €

en términos gripales

2011-12-15T13:04:00.003-07:00

Rigor, seriedad y coherencia, términos que como sólido/solidez, que ya mencionamos no hace mucho, todo periodista, aficionado y ciudadano debería desterrar de su vocabulario crítico, al menos a la hora de hablar de música.
Están demasiado infectados de sentidos.

Comentario del film To de re per a mandolina i clarinet

2011-12-12T01:15:00.015-07:00

En el anterior post enlazábamos con el artículo que hemos hecho a partir de algunos de los films proyectados en el reciente festival In-Edit. Uno de ellos era To de re per a mandolina i clarinet, un trabajo dirigido por Jordi Turtós y que versa sobre la onda layetana. Como es un tema que siempre nos ha interesado mucho -aunque ya empezamos a estar un poco hartos de él, también hay que decirlo- hemos hecho un despiece de la crónica general poniendo en este post aparte lo dicho sobre este film. Leedlo sólo aquellos a los que interese el tema, el resto id a hacer un vermut. Ahí va.

Sobre To de re per a mandolina i clarinet, de Jordi Turtós

Por el tema tratado tenía muchas ganas de ver el documental To de re per a mandolina i clarinet, producido por Televisió de Catalunya con el concurso de TVE, y dirigido por el crítico Jordi Turtós. Como muchos sabrán “To de re per a mandolina i clarinet” era uno de los temas más conocidos de la Orquestra Mirasol y acabó convirtiéndose en la pieza emblemática de la “ona laietana”, movimiento musical breve pero fecundo que tuvo lugar en la Barcelona de mediados de los 70. Así que el tema era sobre la música layetana, Zeleste y todo lo que gravitó alrededor de ello. La Orquestra Mirasol fue el grupo que daría el pistoletazo de salida de esta movida y por tanto era de rigor un título que, además, va asociado a una inconfundible melodía. Y querría decir aún otra cosa antes de entrar en materia, y es que es de loar cualquier empeño en recuperar todo aquello que al parecer fue engullido por una laguna de la memoria del tamaño del mar Caspio. Y si se hace en una televisión (pública, pues para estas cosas las otras es como si no existieran), aún tiene más mérito pues todos sabemos como las gastan en esa clase de instituciones. Pero, no obstante esto, salí decepcionado. Esperaba otra cosa y sentí –una sensación personal, lo admito– que se había desaprovechado otra oportunidad de iluminar todo aquello. Veamos por qué.

Uno de los principales inconvenientes que pesa sobre To de re… estaría relacionado con el sesgo demasiado anecdótico que acaba tomando. El documental se articula sobre una plantilla cronológica en la que se comienza escuchando piezas importantes para la eclosión del movimiento, muchas de ellas provenientes de filmaciones televisivas, lo que está muy bien. Por ejemplo, la “Sardana flamenca” de Toti Soler, que pertenece a otro de los LP clave de esta movida (El gat blanc, 1973) o “No juguis amb set miralls” de la Mirasol. Al mismo tiempo van apareciendo fragmentos de entrevistas con algunos de los protagonistas. Y, en paralelo a todo ello, se filma una reunión protagonizada por tres músicos y un crítico de generaciones posteriores que se preguntan o hablan de los layetanos.

Los fragmentos musicales están muy bien, unos eran conocidos y otros no tanto (si se hiciera una versión en DVD sería estupendo en los extras poner las actuaciones íntegras), y en concreto es impagable un ensayo de Xavier Batllés y Víctor Ammann en la casa de Mirasol. La mayoría proceden de espacios de TVE, como “Popgrama”, “Musical Express”. A continuación tenemos las entrevistas con la gente de la época. Y aquí ya hay de todo. No es un problema exclusivo de este trabajo ni es responsabilidad de los realizadores el que haya gente que no acierte a decir nada interesante, pero llegado el caso no ha de temblar el pulso y hay que eliminar la aparición en cuestión. Tenemos por un lado músicos que militaron en grupos layetanos, también a la gente que llevaba la sala, sello y promotora Zeleste (Víctor Jou y Rafael Moll), que era el vector alrededor del que se aglutinó toda la movida, y para acabar hay gente que no se sabe muy bien que pinta, caso del ubicuo Pau Riba, que viene a decir que ni le gustaba ni le gusta la cosa layetana. Así pues, ¿qué hace ahí? Se podría argumentar que aporta una mirada crítica diciendo cosas como que los layetanos “tocaban de huevos pero, ¿qué querían decir?”; aunque a mí lo que esto me parece es más bien un chascarrillo. Finalmente, tenemos la reunión de jóvenes que dialogan sobre el fenómeno. El problema es que parecen peces fuera del agua. Básicamente por dos razones. La primera, porque todas esas secuencias están montadas como si fuera un vídeo clip, cabalgando los audios de un modo bestial (craso error). La segunda, porque sigo sin entender bien la selección de los personajes. Dos casos de los cuatro elegidos lo ilustran: por un lado está Roger Mas, que parece que le importa todo aquello y que se ha tomado la molestia de pensar en ello (de hecho a Mas se le utiliza como hilo conductor a través de una voz en off), y después tenemos a Ramon Faura, al que parece importarle un pito todo aquello. Conclusión: tampoco entiendo qué hace este último ahí. (Hay que vigilar porque esta gente tan enrollada que se presta a hablar de todo cada vez se parece más a los “opinadores” de TV).

Pero, lo que realmente echo en falta en este documental es algo de lo que adolecen muchos documentales sobre música, y es la dimisión de la parcela crítica. Es decir, si aceptamos que cuando se escribe un artículo ha de haber una óptica crítica, ¿por qué demonios cuando se hace un documental ha de obviarse dicha óptica? El problema aquí es que a excepción de determinadas intervenciones (Batllés, Amargós, Saura) nadie explica realmente el sino de aquella interesante música, lo diferencial (que creo que es algo mucho más amplio que lo del tema de las raíces). Se explican anécdotas, cosas divertidas, etc., y parece que hay una gran preocupación en interpretar aquella parte de la historia musical en continuidad dentro de la Historia musical de Barcelona. O esa obsesión con hablar de la canço. ¡Si la mayoría de ellos la debía aborrecer! Otra cosa es que la música del segundo LP de Ovidi Montllor (Crònica d’un temps, 1973) parezca en algunos momentos el Bitches Brew, como señala Sisu Coromina de Tarannà, uno de los “jóvenes” de la reunión. Pero esto se explica porque los músicos que en aquel momento acompañaban a Ovidi eran Batllés y Ammann, que estaban a tan sólo unas semanas de montar la primera Mirasol. En cambio, se obvia un aspecto que creo que hubiera sido mucho más relevante, como es enfocarlo de un modo transversal con respecto de experiencias similares que se estaban produciendo en distintas partes del mundo en ese mismo momento (por ejemplo, la RTB de Belgrado en Yugoslavia, las formaciones eléctricas de Urbaniak en Polonia, el sonido de Canterbury en Inglaterra, Oregon en EE. UU., Pascoal en Brasil, etc. etc. etc.), ya que también trabajaban con presupuestos como: el jazz-rock o la fusión entendidos como un recipiente en el que verter lo local, lo particular (y no se trata de priorizar una cosa u otra, pero en este caso es tan importante la ensalada como la ensaladera). Porque, de lo contrario, parecería como si lo layetano hubiera sido una cosa de ciencia infusa. Y, claro, esto no funciona así.

Buena parte del jaleo en realidad viene por esa definición de “layetano” que un buen día se sacó de la manga Gato Pérez, creo que más como un ardid comercial que como la descripción de una forma musical (hay que decir que a principios de los 70 Gato trabajaba en una discográfica). Pero, lamentablemente ya no sabremos nunca el por qué de “layetano”, es algo que el Gato se llevó consigo. Pero, lo que sí cabría hacer es poner algo de orden en aquel heterogéneo grupo de músicos, y tampoco se hace en el film. Porque, ciertamente la mayoría practicaban esa especie de fusión con raíces (unas raíces que no sólo sujetaban lo folk sino también la tradición culta), aunque con diferencias muy notables entre los grupos (la Dharma, Iceberg, Música Urbana o Blay Tritono no tenían nada que ver entre ellos), pero luego estaban todos aquellos que iban por libre, como el cantautor galáctico Sisa (hablamos de la época de sus Qualsevol nit pot sortir el sol y Galeta galàctica), el neofolk tan especial y original de La Rondalla de la Costa, el rock’n’roll más urbano y poético de Oriol Tramvia, o los pioneros de la cosa del baile que fueron la Orquestra Plateria, por no hablar de las inacabables jams rockeras de Esqueixada Sniff (más inspiradas por la pomada o las barretxes que por el ácido, todo hay que decirlo). Como digo, un jaleo. Lo más curioso del caso es que días después del estreno en el festival, en una entrevista al director Jordi Turtós, este daba un punto de vista muy válido sobre todo aquello, apuntando que la incorporación de las raíces musicales tal vez vino dada de un modo más natural del que cabe pensar y que pudo ser debido al hecho de que los músicos –esencialmente progresivos en aquel momento– estaban adquiriendo una solvencia importante. Un punto de vista interesante y que sin embargo no está en To de re… Me extrañó, la verdad. Y hubiera preferido más comentarios de este tipo, del propio Turtós o de su guionista, Roger Roca, que algunas intervenciones que bajo mi punto de vista caen demasiado en lo “folklórico”. Es una pena, pues la intención era buena y es necesario un trabajo como este. El problema de fondo me parece que sigue siendo muy común a este tipo de producciones, y es que se naufraga ante las convenciones del medio televisivo. Por ejemplo, ese artificio que se va espolvoreando por todo el documental y que consiste en reconstruir la sala Zeleste. Un recurso que ni cuenta ni aclara nada, sólo supone un gasto y trasluce que lo espectacular ha neutralizado el juicio.

Siguiendo de un modo cronológico, la cosa acaba con una serie de divagaciones corales alrededor de la cuestión de por qué se fue al garete todo aquello. Y aquí hay de todo: la irrupción de la música de baile, la profesionalización que esto comportó, la victoria del individualismo sobre el colectivismo, el punk, Madrid… «Tants caps, tants barrets», que se dice en Catalunya. De todos modos, lo más probable es que desapareciera porque tenía que desparecer, y porque ya había desaparecido o estaba despareciendo en otros países. La mayoría de los músicos que en los 70 estaban en bandas de fusión se pasaron, ya en los 80, a lo acústico y a una especie de “neoclasicismo”, una recuperación de modelos o géneros jazzísticos del pasado (en algunos casos actualizándolos y en otros no). Otra cosa es, ¿por qué durante tantos años nadie habló de aquello, dando la impresión –como apunta Zarita– que se les había condenado al ostracismo? Al menos To de re per a mandolina i clarinet viene a paliar eso.

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De las 8 pelis que he tratado este año, la extensión del comentario de To de re... ha sido la mayor con diferencia. Esto se explica por lo que comentaba antes acerca de que es un tema frente al que estoy epecialmente sensibilizado. Vuelta a leer la reseña esta mañana, creo que lo de menos en ella es el tema layetano en sí, y se centra más en el método empleado. No sé si es una buena óptica o no, pero es la que surgió del visionado. A veces, la cosa es también el viaje que haces hacia ella. El asunto es la manera de explicarlo. Y especialmente en los contenidos históricos, todo aquello entre lo que media un lapso de tiempo. Con la historia andamos siempre a vueltas. Somos un animal esencialmente histórico. No obstante, el enfoque que me interesa de la historia es el que se conjuga en presente/futuro. El que nos cuenta más sobre lo que somos que sobre lo que fue. La historia como brújula con la que dirigirnos. No soy historiador. Por eso me preocupó la visión que entendí se desprendía del film, pues me remitía a la inconsistencia actual. Pero es sólo mi opinión, ni más ni menos. Y, por supuesto, prefiero estar equivocado y poder decirlo.

Ah, una última cosa, aquellos que no hayan visto el documental todavía pueden hacerlo en una página de TV3:
http://www.tv3.cat/videos/3798930

9º In-Edit, BCN, octubre/noviembre 2011

2011-12-12T00:28:00.006-07:00

Como hacemos cada año, asistimos a algunas proyecciones del imprescindible festival In-Edit y dimos cuenta de ello en Tomajazz. Este año hemos tardado algo más de lo normal, pero también por que el número de films que comentamos es mayor, ocho en total.

En este enlace accederán a la crónica completa.

Los films reseñados son los siguientes:

- Komeda – A soundtrack for a life (Claudia Buthenhoff-Duffy; Alemania / Polonia, 2010; 52').

- Agustí Fernández – Los dedos huéspedes (Lucas Caraba; España, 2011, 45').

- Brötzmann (René Jeuckens, Thomas Mau y Grischa Windus; Alemania, 2011, 80').

- Paolo Angeli (Vincent Moon; Italia, 2011, 10').

- To de re per a mandolina i clarinet (Jordi Turtós; España, 2011, 51').

- Miles electric: a different kind of blue (Murray Lerner; EE.UU., 2004, 87').

- Ray Davies – Imaginary man (Julien Temple; Reino Unido, 2010, 78').

- The Black Power Mixtape 1967-1975 (Göran Hugo Olsson; Suecia, 2011, 100').

Es la primera vez que ponemos un enlace directo con alguna de las crónicas que hacemos para Tomajazz, así que a continuación aprovecharemos para poner enlaces a las pasadas ediciones.

8º In-Edit, 2010

7º In-Edit, 2009

6º In-Edit, 2008

Y a continuación, unos scans sobre la 5ª edición, en un ya lejano 2007, que hicimos para la edición impresa de Cuadernos de Jazz (apareció en el número 101-102, de julio/octubre de 2007). Hemos de decir que es algo que disfrutamos mucho haciéndolo debido a que combina dos cosas que nos gustan especialmente, como son el cine y la música.

En el comentario de la película sobre Ray Davies que se proyectó en el In-Edit de este año se hace mención a un artículo de Diego A. Manrique llamado "Miserias del 'rockumental'". Aquí va el enlace.

MISP II: Boris Porter

2011-12-11T04:05:00.008-07:00

Barcelona, 3 de diciembre de 2011

Saxo alto Selmer Mark VII
Boquilla, Lawton 8 Star B
Caña, Vandoren 2½

Boris Porter (Barcelona, 20 de junio de 1959)

Otras cañas: saxos soprano, tenor y barítono
Escena: Barcelona
En la red: facebook.com/bernat.porterhuerre
Proyectos: OME Acustic, "Cassasades d'en Porter" (musicar canciones de su padre, Miquel Porter i Moix, junto a variado material poético de Enric Cassasas)
Discografía seleccionada: Domestic Sampler (como Boris; Umyu, 1982), Herman Brut/Ladrones de pastillas (Ultratruita; single, Ddomèstic, 1982), Sangre y arena/Frío (Ultratruita; Ddomèstic, 1983), Pekín New-York Barcelona (El hombre de Pekín; Blau, 1987)

Entrada etiquetada como MISP II.

Emisión radiofónica sobre el mundo del órgano

2011-12-10T04:32:00.034-07:00

El pasado 16 de noviembre, el espacio radiofónico "El club de jazz", que realiza en Pamplona Carlos Pérez Cruz, emitió un programa dedicado exclusivamente al elusivo y fascinante mundo del órgano.

El programa se hizo tomando como pretexto el concierto de clausura del ciclo "Música para órgano en Navarra" de 2011, que tuvo lugar el pasado 28 de octubre en la Catedral de Iruñea (Pamplona) y que ofreció el joven organista Juan de la Rubia (Valencia, 1982), consistiendo el mismo en una serie de improvisaciones a partir de la proyección de la película Fausto (1926) de Friedrich W. Murnau.

Se registró el concierto y, con posterioridad, se invitó al propio De la Rubia y al coordinador del ciclo, el también organista José Luis Echechipía (Pamplona, 1966), a hablar y presentar algunas piezas de órgano que sirvieran para ilustrar ciertas características de la organística, como puedan ser las diferencias a grandes rasgos entre las escuelas alemana (barroca o romántica, muy fijada en la tonalidad y la estructura) y francesa (más tímbrica y especulativa, impresionista), la improvisación en el órgano litúrgico y de concierto, las diferencias con la improvisación en otros lenguajes musicales como el jazz, su función dentro de la música religiosa, etc. Además de esto, también hicieron una somera introducción a la historia del instrumento, hablaron de pedagogía y divulgación, e hicieron otra cosa muy importante, como es hablar de la situación laboral y profesional de los organistas. Esclarecedor.

La música es fabulosa, tanto los extractos del concierto de Juan de la Rubia como los fragmentos seleccionados por los invitados (y que son de los organistas germanos Stefan Schmidt y Wolfgang Seifen, del francés Thierry Escaich o de la norteamericana Kimberly Marshall interpretando piezas de distintas escuelas organísticas). El programa concluye con un pequeño guiño jazzístico, una interpretación del tema "I'll build a stairway to paradise" de George Gershwin interpretada al theatre organ (una variedad americana del órgano de tubos de la que hablaremos próximamente) por el organista Wayne Marshall.

Dos horas de programa más que recomendable para todos los aficionados al órgano.

Aquí podéis escuchar la emisión:

http://www.elclubdejazz.com/vocesdejazz/audios/de_la_rubia_echechipia_11_2011.mp3

Y aquí hay un pequeño clip que se filmó durante el ensayo previo al concierto de Juan de la Rubia: http://vimeo.com/31861873.

Y como complemento, un poco de jazz sacro. Un reportaje de la televisión francesa haciéndose eco de la premiere de la obra Jazz Praises de Michael Garrick (fallecido hace unos días), que tuvo lugar el 25 de octubre de 1968 en la Catedral de San Pablo de Londres.

El sexteto de Garrick, que aquí tocó el órgano, se completaba con Ian Carr (trompeta y fliscorno), Art Themen y Jim Philip (saxos, clarinete y flauta), Coleridge Goode (contrabajo) y John Marshall (batería).

Junto a ellos, el Coro de San Miguel Arcángel (Aldershot), junto a chicos de los coros de la Franborough Grammar School y la University Choir of St. Nicholas (Leicester), dirigidos por Peter Mound.

Charles Gayle - Han Bennink

2011-12-08T10:50:00.004-07:00

Mientras descanso unos minutos para tomar un café bien cargado, le echo un vistazo a un clip que acaba de colgar shuffleboil, del que hacía tiempo que no poníamos nada.
Se grabó el pasado 17 de noviembre en el londinense The Vortex.
Los protagonistas: Charles Gayle (saxo tenor) y Han Bennink (batería).
Como últimamente hemos puesto tantos dúos saxo/batería, pues no desentona nada.

Payton deliveries

2011-12-08T05:23:00.010-07:00

Como andamos atareados en otros menesteres vamos a hacer algo que solemos hacer cuando estamos ocupados y es recomendar el trabajo ajeno para mantener viva la llama del hogar en el hotel durante estos próximos días de asueto.
En el blog "Carlos crece", que aprovechamos para recomendar pues todos sus artículos son interesantes de leer, acaban de publicarse traducidas una serie de entradas que el trompetista Nicholas Payton ha escrito recientemente en su blog personal. Está muy bien que Carlos Pérez Cruz las haya puesto tal cual ya que, aunque Payton se las pasa dando vueltas a un tema que a algunos les puede aburrir un poco, como es la supuesta negritud del jazz y si esta palabra, jazz, es adecuada para definir lo que en realidad él cree que debería llamarse Black American Music; lo cierto es que es un tema que no deja de producir posicionamientos y argumentos, debates y broncas. Y por algo será.

Nicholas Payton en Carlos crece (todos los posts al respecto)

Y de trompetista a trompetista.

Aprovecho también para mencionar una vieja entrada de este mismo blog que era una entrevista a un joven trompetista que adoramos, Peter Evans.

También sobre Evans hay una buena semblanza de Pachi Tapiz en el actual número de Más Jazz (apuntar que "Más Jazz" es, junto a la catalana "Jaç", la única revista de su género que sigue publicándose en papel después de que hace un año dejará de hacerlo la decana "Cuadernos de Jazz"). No vamos a poner el texto de Pachi puesto que como apuntamos lo pueden encontrar ahora mismo en sus quioscos.

Desde la misma página de "Carlos crece" pueden acceder a un podcast con las últimas ediciones del programa de radio "El club de Jazz", espacio abierto y que también realiza Carlos.

Refresh en la historia de Suck Electrònic Enciclopèdic

2011-12-08T04:38:00.004-07:00

Anunciamos hace unas semanas el inicio de una serie de artículos de Juanjo S. en "la web sense nom" destinados a explicar la historia de la legendaria banda barcelonesa Suck Electrònic Enciclopèdic.
Desde entonces, Juanjo ha hecho algunas modificaciones y ha añadido cosas nuevas, tanto de texto como de material gráfico.
Eso es lo bueno de trabajar sobre blogs y formatos que se pueden actualizar constantemente.
Ahí va esa primera parte, corregida y aumentada.

http://www.lwsn.net/article/suck-electronic-enciclopedic-i

¡Salud!

El chisporroteante Jaap Blonk

2011-12-05T00:56:00.026-07:00

Hace unas semanas, en su penúltima remesa de ediciones, el netlabel Audition Records que comanda Julián Bonequi proponía un disco fabuloso. Bueno, casi todo lo que edita es como mínimo interesante, hay de todo, es verdad, y eso es bueno, y a veces unas cosas te pueden gustar más o menos. Nosotros tratamos de seguirlos un poco, lo que ocurre es que editan tanta cosa que no nos da tiempo. Y por descontado, imposible hacer un texto por cada edición, ni siquiera por remesa (¡llevan medio centenar de referencias en tan sólo un par de años!). Por eso tenemos un enlace permanente a su página a la derecha, en "actividades a seguir".

Decíamos que habían colgado un disco fabuloso, y añadiríamos que su música es fresca, surrealista, ecléctica y desprejuiciada, además de absurda. Es uno de los discos más divertidos que hemos oído en los últimos meses, y estos días lo estamos disfrutando como enanos. Se trata de una reedición de los dos primeros trabajos del holandés Jaap Blonk, The Splinks and BRAAXTAAL Recordings | 1993 (ar046).

Jaap Blonk es uno de esos personajes heterodoxos (y si esta palabra tiene sentido es con él) que el Royal Dutch Underground produce con bastante frecuencia. Es un tipo de intereses amplios, la música es uno, pero también la poesía, las vanguardias y, sobre todo, el humor. Su música está hecha con todo eso. Reconocemos en su trabajo la admiración que siente por el jazz, y especialmente por modelos jazzísticos como el cool, incluso en su acepción más ligera, que es el west coast, el mundo de los standards y el blues. Todo ello especialmente en las grabaciones de Splinks, mientras que en las del otro proyecto, BRAAXTAAL, es muy evidente la influencia de aquel tecno-pop de cuño centroeuropeo y surrealista de los años 80 que podía practicar gente como los alemanes Der Plan (basta con escuchar el tema que abre el presente disco, "Sememani Pt. I"). Por otra parte, la poesía fonética, Dada y, en general, las experiencias de las vanguardias históricas son cruciales en su trabajo, y es algo que se puede detectar fácilmente en el trabajo vocal que lleva a cabo, lleno de onomatopeyas, cacofonías y palabras imposibles (hace unos años hizo una adaptación de la Ursonate del alemán Kurt Schwitters, y antes había trabajado con poemas fonéticos de Hugo Ball). Naturalmente, la improvisación libre y los sonidos más abruptos también entran en su concepción (ha grabado discos con Mats Gustafsson, Michael Zerang, Fred Lonberg-Holm, Maja Ratkje, Ingar Zach, Ivar Grydeland, Phil Minton, Cor Fuhler). Incluso, la música de baile como terreno para la subversión es algo que también podemos encontrar en su discografía (en trabajos para el sello Staalplaat, en los que ha desarrollado un tecno muy particular, micro y mínimo, utilizando a veces únicamente la voz). Como ven, es de esa gente que le gusta rizar el rizo y al mismo tiempo divertirse. Un punto gamberro lo tiene.

Quizá estaría bien completar esta escueta presentación de Blonk diciendo que es un artista inconfundiblemente neerlandés. Que se inscribe plenamente dentro de una manera de ver y hacer las cosas que ha caracterizado el trabajo de muchos músicos underground o de la vanguardia en Holanda por distintos que fueran sus planteamientos. Por ejemplo, ese gusto y esa voluntad de introducir y alternar sonidos suaves, brillantes y un punto glamurosos, mainstream podríamos decir, es algo que comparte con otros miembros de la vanguardia holandesa. Una especie de ánimo subversivo que les permite trabajar sobre cosas muy standarizadas con toda naturalidad. También el humor entendido como un elemento central y no como un mero ingrediente es propio de esa amplia escena. Basta con ver la cantidad de matices con la que nos es presentado ese humor, que puede manifestarse de un modo absurdo o directo, críptico o explosivo. Aunque Blonk y Misha Mengelberg, Han Bennink, Ab Baars o Michiel Braam no hagan la misma cosa, hay algunos rasgos generales comunes en todos ellos.

The Splinks and BRAAXTAAL recordings que recientemente presentó Audition Records es en realidad una recopilación de los dos primeros discos que editó Jaap Blonk, con dos proyectos distintos y en su propio sello discográfico, Kontrans. Hay cuatro temas del disco homónimo de Splinks, grabado en el invierno de 1992 y publicado en 1993; y los seis restantes pertenecen al disco también homónimo del trío BRAAXTAAL, grabado en junio de 1991 y publicado en 1993.

A continuación el tema "Towaryszy Robotniczy", que pertenece al disco de Splinks y es un buen compendio de algunas de las características que hemos apuntado.
Splinks aquí era un septeto formado por Angelo Verploegen (trompeta, fliscorno, voz), Dieter Kuhlmann (trombón), Bart van der Putten (saxo alto), Jaap Blonk (voz, saxos alto y tenor), Lorand Sarna (guitarras), Jacko Schoonderwoerd (bajo) y Panc Daalder (batería y percusión).
Splinks -como BRAAXTAAL- ya no funciona. En la página de Audition, el propio Blonk explica qué eran Splinks: "fue el principal vehículo para mis composiciones en el campo del jazz moderno (entendido en un sentido amplio, desde luego) entre 1983 y 1999. Empezó como un cuarteto y fue ampliándose hasta culminar en un ensemble de 13 músicos."

Towaryszy Robotniczy by Jaap Blonk - Splinks on Grooveshark

Para más información, ahí va su web, www.jaapblonk.com,
y un enlace a la distribuidora holandesa de algunos de sus discos.

Ah, y vayan al enlace de Audition y descarguen el disco, y los que quieran, es gratis.
Bueno, bonito y barato, ¿qué más se puede pedir?

MISP II: Oriol Pons de Vall

2011-12-04T02:43:00.007-07:00

Barcelona, 30 de noviembre de 2011

Saxo alto Yamaha
Boquilla, Selmer C*
Caña, Vandoren 2½

Oriol Pons de Vall, antes llamado Ginger (Barcelona, 21 de noviembre de 1952)

Escena: Barcelona
Proyectos: Perucho's, microcançons
Discografía: Perucho's (Perucho's; Umyu, 1980/La Olla Expréss, 2011), Atlas (Naïf; Filobús records, 1982), Insultó, le multaron y dejó de comer (Oriol Perucho; G3G records, 1992), Zapping CD (Oriol Perucho; G3G records, 1994), Astarot Universdherba (Pau Riba & Perucho's; G3G records, 1998), The Freak Furnitures (Pidgins; G3G records, 2000)

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Cap sembrat VI

2011-12-03T13:06:00.006-07:00

Mañana tendrá lugar en la sala Moog de Barcelona la sexta edición de "Cap sembrat", que organizan Ozonokids y l'ull cec. Actuarán los suecos Enema Syringe, los asturianos Local Mode, EVOL y Anton Ignorant, de Barcelona, más los DJ's IVDB y Zero.
Arnau Sala, de Ozonokids, ha enviado por mail una presentación que a la vez es una invitación. Mucho mejor que cualquier nota de prensa que pudiera hacerse. Ahí va el cartel con el programa y el texto.

Hola a todos.
Quería compartir algo con vosotros.
En 2005, después de una larga temporada en Estados Unidos volví a Barcelona con mucha energía y ganas de empezar algo que para mi fuera diferente a lo que hasta ese momento había estado haciendo aquí. Un giro.
Como muchos sabréis (y otros tantos no sabréis) llevo muchos años trabajando en eventos y mezclándome en proyectos con conocidos y desconocidos, me doy cuenta de que hace mas de doce, lo cual me resulta chocante. Me gustaría explicaros, el como empezar el Cap Sembrat, significó tanto para mí debido a lo complicado / delicado del asunto. Para mi supuso aprender muchas cosas y llevarme muchos portazos hasta que conseguí definir un poco lo que quería hacer y cómo podía hacerlo. Asimismo también significó el hecho de que, a partir de ese primer Cap Sembrat ya hace seis años y medio, lo que me esperaba serían muchísimos mas portazos y una larguísima lista de complicaciones.
Pero no malpenséis, no me estoy quejando, sino todo lo contrario. He tenido muchísima suerte, la mayoría de las cosas que han ocurrido desde eso momento han superado con creces mis expectativas y las he vivido desde un sufrimiento que se ha compartido en puro placer. Todo este largo recorrido me ha servido para aprender mucho mas, portazo tras portazo, y altibajo tras altibajo, aprendiendo lo que es involucrarme en proyectos, cada vez técnicamente y creativamente mas complejos, además de todo lo que ello conlleva. El rechazo de una gran parte del público, el no poder llegar a suficiente gente muchísimas veces, perder a veces las esperanzas y volver a recupararlas... todos estos recursos que para nosotros son limitados debido a nuestras propias limitaciones.

Sea como sea el Cap Sembrat siguió y evolucionó, especialmente en el momento clave en el que el señor Sam Roig i l'ull cec formaron parte del juego. Desde ese momento el Cap Sembrat solo ha hecho que crecer en calidad, tanto en su programación como técnicamente. Obviamente seguimos siendo quien somos y haciendo las cosas como podemos, no lo podemos evitar ;-)

Este año nos hemos embarcado otra vez, después de mil problemas técnicos que parecía que no nos fueran a permitir hacerlo nunca posible, en la aventura del Cap Sembrat VI, el cual no es mas que un mini-evento. Hemos estado cerca de tirar la toalla pero creo que hemos conseguido poner en marcha un evento ciertamente especial para nosotros, que nos ayudará a definir lo que será el Cap Sembrat VII.
Este será un Cap Sembrat fugaz, en el cual esperamos encontraros otra vez, amantes de lo inesperado, y hacer que sea increible otra vez.

Dejadme daros las gracias a todos de antemano por todos los Cap Sembrats pasados y futuros, por hacerlo posible. Al público, y a todos los que habéis participado y ayudado. Gracias.

Si no queríais recibir esta información os pido disculpas.
Si queréis ayudarnos a promover esta información nos ayudaréis de verdad y os lo agradeceremos. Siempre necesitamos toda la ayuda que sea posible.

Fuerza.
Arnau Sala - www.capsembrat.info

Maqueta de Pidgins

2011-12-02T01:39:00.010-07:00

Los de Usted es un Colectivo han rescatado la maqueta que Pidgins hizo a finales de los 90, en algún momento entre 1998 y 2000. Pidgins era y es el proyecto del guitarrista Jorge C. Porter (El Maño para los amigos). Se inició aproximadamente en 1997, y al año siguiente se presentaron en el LEM en formato de dúo (Porter y Oriol Pons de Vall al saxo alto, a ver si sale a la luz esta grabación). En 2000 el sello G3G editó un primer cd de la formación, The Freak Furnitures, del que ya hablamos aquí hace unos meses. En la actualidad ya hay grabado lo que será el segundo disco de este proyecto que, esperemos, salga en breve.

Pidgins se mueve en un territorio sonoro etéreo y amable que va de lo progresivo al ambient, y que cultiva la electrónica sin olvidar el trabajo instrumental. En la música que promueve el grupo se pueden encontrar variadas esencias, que van desde aromas jazzeros hasta aceleradas secuencias rítmicas que pueden recordar a drum'n'bass, pasando por colores cósmicos.

Usted es un Colectivo ha recuperado esta grabación para anunciar que el próximo sábado 10 de diciembre, y dentro del ciclo "Músiques disperses" que ellos organizan en la sala Heliogàbal, se presentará un insólito trío de improvisación formado por Porter a la guitarra, más el samplerista Joan Saura y el zanfonista Marc Egea.

Seguidamente, el audio de la maqueta de Pidgins. Junto a Porter (guitarra eléctrica y efectos), estuvieron Oriol Pons de Vall (saxo alto), Jordi Carbó (saxo tenor), Xavi Contans y Xavi Capelles (sintetizadores), y Dácil López (voz).

Vayan al enlace de Usted es un Colectivo que anuncia otras interesantes actividades para este mes de diciembre dentro del ciclo "Músiques disperses".

Coltrane topics, vol. 4

2011-11-29T23:35:00.002-07:00

“I’d like to point out that during the last year of Coltrane’s life, he began to feel that there shouldn’t be liner notes written. He felt basically that everyone that wrote liners was really saying the same thing over and over again. How much more can you say and how much more can you try to educate the buyer as to what he was playin? He felt that all he wanted to do is play it, record it and issue it, and those that want to buy it, buy it. With no explanations...”

(declaración del productor Bob Thiele a la revista de jazz canadiense Coda en mayo de 1968; recogida por el periodista Frank Kofsky en sus liner notes para el disco de John Coltrane Selflessness featuring My Favorite Things, publicado por Impulse! en 1969.)

The Impulse! Albums: volume five

Povidona yodada, BCN, 26-XI-2011

2011-11-29T02:40:00.002-07:00

The show must go on.

Coltrane topics, vol. 3

2011-11-28T01:38:00.002-07:00

“I’d like to point out that during the last year of Coltrane’s life, he began to feel that there shouldn’t be liner notes written. He felt basically that everyone that wrote liners was really saying the same thing over and over again. How much more can you say and how much more can you try to educate the buyer as to what he was playin? He felt that all he wanted to do is play it, record it and issue it, and those that want to buy it, buy it. With no explanations...”

Chuveirinho, de Marc Egea

2011-11-28T00:04:00.007-07:00

Alrededor de cuatro años llevaba Marc Egea esperando que un sello discográfico editará su disco Chuveirinho, grabado en 2006. Chuveirinho era como una continuación de la fórmula de su anterior Melanocetus, que apareció en 2005 en el sello gallego Producciones Efímeras -de hecho, el sello que en un principio debía haber publicado Chuveirinho, pero dadas las dificultades por las que atravesaban más la actual coyuntura económica, les ha sido imposible hacerlo-. Y hemos dicho en la línea de Melanocetus porque en cierto modo se trataba de su continuación temática y de un trabajo en el que Egea en lugar de tocar solo estuvo acompañado de unos buenos amigos que también son buenos músicos, la percusionista Pilar Subirà, el contrabajista Franco Molinari y el baterista Enric Canada.

Aunque se trata de un trabajo con unos años a cuestas ya, y que ha pasado por algún momento de indiferencia por parte de Marc hacia él, ahora el autor ha decidido ponerlo en iTunes. No lo ha hecho en una netlabel suponemos que porque sus experiencias con alguna de ellas no han sido demasiado buenas. Por ejemplo, porque de golpe y porrazo desaparecen dejando como daño colateral un puñado de grabaciones también desaparecidas. Quizá en iTunes pueda mantenerse algo más de tiempo, eso dependerá de la gente que lo compre o compre alguno de los temas (esto funciona como todo, si los de la plataforma ven que merece la pena conservar el título, ergo si se ha vendido mínimamente, entonces lo conservan, y si no, pues no).

Aparte de todo esto, yo tuve una pequeña relación con este disco. Hace ya unos cuantos años, 3, tal vez 4, Marc me pidió que escribiera un texto para la carpetilla. Eso cuando parecía inminente que el disco vería la luz. Lo recuerdo bien porque fue la primera vez que alguien me hizo un encargo semejante. Después, y hasta hace poco, me lo han pedido unas cuantas veces más. Incluso, en algún caso, me han pedido cosas mucho más raras. En fin, que le tengo cariño a este disco, aparte de por ser una obra de Marc, por ese vínculo puntual que tuve con él.

Marc ha hecho una entrada en su blog donde ha colgado una portada que ha hecho ex profeso para esta nueva edición, donde están apuntados los créditos y en la que ha reproducido los textos que debían haber acompañado la edición original (incluido el mío, que aunque él dice que es una crítica, no lo hice con espíritu crítico, sino con el ánimo de hacer un perfil del músico, de sacar a relucir algunas de sus características que yo entendía como principales).
Desde la misma página también se puede acceder a itunes. Es un buen trabajo, de verdad. Ahí va el enlace

marcusegea.blogspot.com/2011/11/un-nou-disc-chuveirinho

¡¡¡Suerte, Marc!!!

MISP II: Olga Àbalos

2011-11-27T06:17:00.017-07:00

Barcelona, 14 de octubre de 2011

Saxo alto Conn Chu Berry 2nd edition
Boquilla, Meyer 8M
Caña, Rico Jazz 3M

Olga Àbalos (Terrassa, 17 de julio de 1978)

Otras cañas: girnata (clarinete turco)
Escena: Barcelona
En la red: El mètode Klose
Proyectos: IED8, Banda d'Improvisadors de Barcelona, Grus, Ferran Fages Ensemble, Giulia y los Tellarini, colaboraciones diversas (Manos de Topo, Fred i Son, etc.), trabajos de periodismo musical en diversos medios (Nativa.cat, Jaç, Bad Music Jazz)
Discografía: Les Cactus (Les Cactus; Condal Records, 2000), Eusebi (Giulia y los Tellarini; Sones, 2009), Live at 23 Robadors 25/03/10 (IED8; Audition Records, 2010), L'Arrabbiata (Giulia y los Tellarini; Maik Maier, 2011)

Bonus

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Komeda II

2011-11-26T12:11:00.013-07:00

El tema "Czarownica" (Brujas) fue grabado en noviembre de 1967 en Varsovia por el que sería el último quinteto de Krzysztof Komeda: él mismo al piano, Tomasz Stanko a la trompeta, Zbigniew Namyslowski al saxo alto, Roman 'Gucio' Dylag al contrabajo y Rune Carlsson a la batería.
A esa misma sesión pertenece también la célebre composición "Nightime, Daytime Requiem", que Komeda dedicó a Coltrane. Hubiéramos podido poner esta composición pero es muy larga, más de 20 minutos, y hemos preferido "Czarownica" porque en cierto modo recoge muy bien esa atmósfera oscura y angustiosa, enervante, que tenían los temas de la última época. El free y la improvisación libre ya se habían colado por completo en el jazz de Komeda. Seguía siendo, eso sí, una gran creador sonoro, de ambientes y con una poética muy determinada.
Porque uno de los grandes intereses de Komeda fue la poesía precisamente. Desde muy joven, desde sus primeros años como pianista a mediados de los 50, Komeda siempre participó en lecturas poéticas o bien compuso para poetas o musicó poemas, o bien se inspiró en poemas para escribir sus temas.
En mayo de 1967, Komeda y el crítico alemám Joachim E. Berendt produjeron en Colonia un álbum sobre jazz y poesía titulado Meine süße europäische Heimat (Oh, My sweet European Home). En dicho trabajo, Komeda escribió a partir de textos de algunos de los grandes poetas polacos del siglo XX: Milosz, Wierzynski, Szymborska, Wittlin, Czechowicz, Herbert, Grochowiak, Galczynski, Wazyk... y también Wladyslaw Sebyla, un poema del cual le sirvió como base para escribir "Czarownica".

Esto último lo dice Berendt, mientras que la ex mujer de Komeda, Zofya, en la información discográfica del sello Power Bros que ha reeditado algunos trabajos del pianista, dice que está basada en el poema "The Witch" de la poeta Kazimiera Illakowiczowna (sentimos no poder aclarar la duda, pero es que no llegamos a tanto).

Ahí tienen "Czarownica"

Esta versión -que es distinta a la grabada para el disco con Berendt- se publicó por primera vez en 1976 dentro del volumen tercero de la serie "Muzyka Krzystofa Komedy" del sello Poljazz. Ahora se puede encontrar en la serie de Power Bros Zofia Komeda presents, vol. 3: Nightime, Daytime Requiem.

Foto extraída de la web www.komeda.pl.

Festival LEM 2011

2011-11-25T00:06:00.002-07:00

El amigo Endemoniado Pacheco y yo mismo asistimos al LEM del presente año y hemos hecho una crónica de todo lo visto que pueden leer en Tomajazz.

LEM 2011 en Tomajazz

Grus, BCN, 19-XI-2011

2011-11-24T10:06:00.004-07:00

Ain't no business like show business.

Paul Motian (1931-2011)

2011-11-23T05:36:00.008-07:00

Sentados, Scott LaFaro, Bill Evans y Paul Motian

Otro histórico que se va, el gran batería Paul Motian, que empezó a ser conocido en la segunda mitad de los 50 como miembro del primer trío del pianista Bill Evans. De esa época nos quedan discos que son tesoros: New jazz conceptions, Everybody digs Bill Evans, Portrait in jazz, Explorations, o los extraidos de la estancia del trío en el Village Vanguard de Nueva York en 1961, Waltz for Debby y Sunday at the Village Vanguard, etcétera, etcétera. [Y menciono estos discos y no otros igual de buenos porque además estos tienen un valor especial para mi.]

Al mismo tiempo, participaba como sideman con gente tan dispar y grande como George Russell, Tony Scott, Al Cohn y Zoot Sims, Paul Bley, y aquí el etcétera es muy largo.

Y, como es lógico, serían incontables si incluyeramos colaboraciones puntuales, de sólo una noche o una sesión.
Una de estas últimas fue con Lennie Tristano. Se trata de una colaboración que no es tan conocida como otras y que tiene un punto intempestivo, inesperado, debido a la diferencia de estilos y mundos en los que ambos se movieron. [O a lo mejor no tanto.]
El encuentro tuvo lugar en octubre de 1958 en el club The Half Note de Nueva York, y fue dentro de un cuarteto del pianista. Un cuarteto, además, con otra sorpresa, como la presencia del contrabajista, entonces muy joven, Henry Grimes, alguien definitivamente muy alejado del pianista de Chicago. El cuarto miembro ya era más habitual, el saxofonista tenor Warne Marsh, un músico que siempre se mantuvo leal al credo tristaniano.
Afortunadamente, el concierto, o al menos una parte de él, fue grabado. Hoy lo podemos oír en el cd de Lennie Tristano Continuity, publicado por el sello Jazz Records.
Vamos a poner una pieza de ese disco en homenaje a Motian, a un Motian muy joven que contaba con 27 años entonces.
Se trata de "My baby", una composición de Tristano en la que ya lucen dos de las características que siempre tuvo Motian, la elegancia y el buen drive. [Con el tiempo irían añadiéndose otras virtudes.]

My baby by Lennie Tristano Quartet on Grooveshark

Naturalmente, aún le quedaban muchos años de carrera, hasta prácticamente anteayer. De una carrera larga en la que siguió colaborando con los mejores jazzman y desarrollando sus propios proyectos, unos más origianles que otros, también hay que decirlo.
Aquí he querido rendir homenaje al Motian joven y mostrar que él también fue un young lion.
Paul Motian, creo que no conozco a nadie al que no le guste mucho o bastante su manera de tocar. Y eso no se puede decir de todo el mundo.

Nació el 25 de marzo de 1931 en Providence, Rhode Island.

Falleció, con 80 años, el 22 de noviembre de 2011 en Nueva York.
Descanse en paz.

Giant Steps soundpicture, por Pelayo Arrizabalaga

2011-11-23T00:46:00.002-07:00

El pasado mes de julio, tras grabar su clip para la serie MISP II, Pelayo Arrizabalaga nos obsequió con una interpretación más.
Se trata de una improvisación hecha a partir de una partitura gráfica basada en "Giant steps" de John Coltrane. Este tipo de partituras que lleva tiempo haciendo le permiten improvisar con una especie de guía sobre los temas elegidos.
Como nos contó el propio Pelayo, esta pieza de Coltrane tiene una significación muy especial para él. La imagen que ponemos a continuación sería, en sus propias palabras, "una transcripción a formas y colores del tema y estructura armónica de esta composición".

Pelayo hace mucho tiempo que trabaja con partituras gráficas y preguntándose por las relaciones entre los lenguajes musical y plástico. Escribió un artículo muy recomendable para el número 21 de Oro Molido, revista sobre improvisación y nuevas músicas. Ponemos aquí debajo un enlace a una página desde la que ver o descargar un pdf del mismo

"Acerca de la notación gráfica. Mi experiencia personal" - Pelayo Fernández Arrizabalaga (Oro Molido nº 21)

ugEXPLODE blog

2011-11-22T15:11:00.010-07:00

El brutote de Weasel Walter inició el mes pasado un blog con el mismo nombre que su sello y en el que va poniendo información sobre conciertos, giras y ediciones o reediciones discográficas. Pero, y eso es la noticia, cuando tiene tiempo escribe entradas sobre músicos que le gustan. De momento ha hecho posts sobre un par de grupos norteamericanos de los 70 que son básicos. Por un lado, Electric Eels, una banda del mid west, instalada en Cleveland, y por la que pasó gente que después estaría en Pere Ubu, Golden Palominos o The Cramps. Su sonido era crudo como pocos, sus canciones delirantes, y si están buscando unos "padres del punk", al menos del punk neoyorquino, esos sin duda son Electric Eels (los chicos de The Dead Boys debían conocerlos bien). La verdad es que me ha enternecido leer un dato sobre ellos como que entre 1972 y 1975 tan solo actuaron en directo cinco veces. ¡Joder!, he pensado, ni nuestros Perucho's. Pero, lean, lean...

Electric Eels en ugEXPLODE blog

El otro grupo al que ha dedicado tiempo y espacio es The Contortions. Nada menos que cinco entradas para contar su la historia de sus inicios, sólo dos años, entre 1977 y 1979. No es de extrañar lo de Contortions, pues si algo le chifla a Walter es la "no wave" neoyorquina. Las entradas, en inglés, están bien escritas, tienen abundantes datos, anécdotas más o menos curiosas y algunas fotos inéditas.

Contortions en ugEXPLODE (1)

Contortions en ugEXPLODE (2)

Contortions en ugEXPLODE (3)

Contortions en ugEXPLODE (4)

Contortions en ugEXPLODE (5)

Pero no solo de Contortions o Electric Eels vive el buen hombre, hay un artículo dedicado a sus temas preferidos de Roxy Music, semblanzas de Milford Graves en los 70 o de los Mars de Mark Cunningham, un recordatorio del gran guitarrista japonés de free Masayuki Takayanagi, y hasta una reseña de un concierto de Borbetomagus, entre otras cosas. ¡Menudo elemento está hecho! Y esto sólo es el principio, promete mucho más. Así que ahí va un vínculo a la cabecera del blog

ugEXPLODE blog, el blog de Weasel Walter

The night has a thousand eyes, de McCoy Tyner

2011-11-22T00:47:00.013-07:00

Y ahora un tema del LP Song for my lady, "The night has a thousand eyes", que Bernier y Brainin escribieron para la película homónima. Es la única versión del disco, los otros cuatro temas son originales de Tyner. La formación en este tema es de quinteto, con Tyner al piano, Sonny Fortune al saxo tenor, Michael White al violín, Calvin Hill al bajo y Alphonse Mouzon a la batería (sólo en dos de los temas del disco se añadieron Charles Tolliver al flugel y Mtume a la percusión). Según una reseña del disco que hizo Eugene Chadbourne en Allmusic, "es una gran colección de temas y uno de los seis mejores discos de Tyner".

The Night Has A Thousand Eyes by McCoy Tyner on Grooveshark

Podía haber puesto cualquiera de los cinco temas del disco, pero hoy me ha dado por este.
Me encanta la electricidad que desprendían los solos de Fortune, y este no es una excepción. También el bajo de Hill, que hace uno de esos sostenes rítmicos extenuantes. Y esas notas concisas y percutidas por Tyner en la melodía.
Se me ocurre que normalmente se tiene una imagen del jazz-rock de los 70 muy restrictiva. Todo el mundo piensa en la Mahavishnu o en Corea o cosas así. Pero el jazz-rock no era una fórmula acabada, sino que podía responder a distintas dosificaciones.
La música de Song for my lady es toda ella jazz, pero tiene elementos que son muy de su tiempo, que eran los tiempos del adevenimiento definitivo del rock. Y la energía que trasluce viene de ahí.
Así que si decimos que es un jazz de los tiempos del rock y seguidamente despejamos palabras, ¿obtendríamos un jazz-rock?
Seguramente no, pero sí se nota que el rock incidió de algún modo en esta música.

Charles Tolliver Music Inc. & Big Band

2011-11-21T13:17:00.009-07:00

La primera vez que escuche al trompetista Charles Tolliver fue en un disco de McCoy Tyner, Song for my lady (1972). Ese disco fue de los primeros que recuerdo que me gustaron cuando, después ya de haber oído a Davis y Coltrane, comencé a interesarme en el jazz. Y aunque sólo tocaba en dos temas del disco, Tolliver me encantó.

Por aquellos primeros 70 Tolliver hizo un par de cosas importantes, además de tocar muy bien. Una fue poner en marcha junto a su amigo Stanley Cowell la editora Strata-East, un sello independiente y personal en el que siempre favorecieron los blendeds con la mejor música negra, con jazz, funky, gospel, blues, bop, afro y la vanguardia de aquellos años, que era tan enérgica y excitante. En total, una sesentena de discos. La otra cosa que hizo fue poner en marcha el cuarteto Music Inc., también con Cowell, un grupo que en los 70 despacharía un puñado de álbums llenos de punch para Strata-East.

Aquí tienen un tema del LP Music Inc. & Big Band, de 1971, llamado "Abscretions":

Music Inc.
Charles Tolliver - trompeta
Stanley Cowell - piano
Cecil McBee - contrabajo
Jimmy Hopps - batería

& Big Band
Trompetas: Richard Williams, Virgil Jones, Larry Greenwich, Danny Moore
Trombones: Garnett Brown, Curtis Fuller, John Gordon, Dick Griffin
Tuba y saxo barítono: Howard Johnson
Saxos y flautas: Jimmy Heath, Clifford Jordan, Wilbur Brown, Bobby Brown

Arreglos de Charles Tolliver y Stanley Cowell.

Abscretions by Charles Tolliver on Grooveshark

Coltrane topics, vol. 2

2011-11-21T00:48:00.001-07:00

“I’d like to point out that during the last year of Coltrane’s life, he began to feel that there shouldn’t be liner notes written. He felt basically that everyone that wrote liners was really saying the same thing over and over again. How much more can you say and how much more can you try to educate the buyer as to what he was playin? He felt that all he wanted to do is play it, record it and issue it, and those that want to buy it, buy it. With no explanations...”

MISP II: Tere Gómez

2011-11-20T03:55:00.005-07:00

Badalona, 30 de septiembre de 2011

Saxo soprano Selmer Series III
Boquilla, Vandoren S15
Caña, Vandoren 3

Tere Muñoz (Badalona, 21 de julio de 1983)

Otras cañas: saxos alto, tenor y barítono
Escena: Badalona, Barcelona
Proyectos: Crossing Lines (ensemble de música contemporánea), interpretación con saxo solo

Entrada etiquetada como MISP II.

Coltrane topics, vol. 1

2011-11-18T10:00:00.003-07:00

“I’d like to point out that during the last year of Coltrane’s life, he began to feel that there shouldn’t be liner notes written. He felt basically that everyone that wrote liners was really saying the same thing over and over again. How much more can you say and how much more can you try to educate the buyer as to what he was playin? He felt that all he wanted to do is play it, record it and issue it, and those that want to buy it, buy it. With no explanations...”

The murder of Fred Hampton

2011-11-16T00:33:00.019-07:00

"Era un documental sobre este tipo llamado Fred Hampton, que era un líder de los Panteras Negras de Chicago y que organizaba desayunos para los niños. Fue cazado por sorpresa una noche en su cama: la policía disparó a través de las paredes, y lo asesinó así, a través de la pared. Mientras la cámara recorría la habitación del tiroteo, debajo de la cama se veían unos cuantos discos. El primero del montón, tío, manchado de sangre, era Out to lunch!, de Dolphy. En ese momento relacioné que lo que esos tíos estaban diciendo y la música que escuchaban había salido de las mismas cabezas (lo llevaban en el cuerpo, en el caminar, en el aire)."

Declaración del saxofonista Frank Lowe recogida en el libro A Love Supreme y John Coltrane. La historia de un álbum emblemático, de Ashley Kahn.

Vi The murder of Fred Hampton (1971), de Howard Alk, a mediados de los 80 en la Filmoteca de Barcelona dentro del extenso y riguroso ciclo "Nicholas Ray y su tiempo" que Víctor Erice y Jos Oliver montaron sobre el cineasta norteamericano, no sólo con sus films sino con trabajos vinculados directa o indirectamente con él y con su obra.
La relación de Ray con este sobrecogedor documental fue a través de la productora The Film Group de Chicago.
A finales de los años 60, desencantado definitivamente con la manera standard de producir películas, Ray se había ido acercando a métodos de producción más flexibles, directos y livianos, como también haría Elia Kazan y algún que otro director más de su misma generación.
El empleo de las ligeras cámaras de 16 mm y de los magnetófonos portátiles le permitiría hacer sus primeros pinitos como documentalista. En aquellos airados y revueltos tiempos, en los que siempre pasaba algo digno de ser filmado en cualquier parte, Ray se acercó a Chicago para seguir la célebre Convención Nacional Demócrata de 1968, muy conocida porque acabó como el rosario de la aurora, con manifestaciones, disturbios, represión policial, detenidos y encausados. A raíz de esos acontecimientos, dos años más tarde varios "agitadores" serían juzgados por conspiración para la violencia, aunque finalmente la causa sería sobreseída. Entre ellos estaban los yippies (del Youth International Party) Abbie Hoffman y Jerry Rubin, o Bobby Seale, un importante dirigente del Black Panther Party. Graham Nash dedicó una de sus canciones más famosas ("Chicago") a los hechos que se produjeron durante la celebración de la Convención.

La mayoría del material que en aquellos años filmó Ray, de contenido bastante político y también personal, como el que hizo durante la Convención Demócrata, ha quedado inédito. Una pequeña parte puede verse en su largometraje independiente, ensayístico y autobiográfico We can't go home again (1973-1979).

Volviendo a la relación de Ray con The murder of Fred Hampton, y aunque no figure en los créditos, esta se concretó en que Ray prestó parte de su material de rodaje al grupo que en aquel entonces estaba rodando, simplemente, un documental sobre el Black Panther Party y sus actividades en la ciudad de Chicago y suburbios.
Al iniciarse la filmación de la película, nadie del equipo sabía que lamentablemente serían testigos del asedio policial al domicilio de Hampton y que acabarían filmando el asesinato del líder negro.

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A Love Supreme y John Coltrane. La historia de un álbum emblemático, con copyright de Ashley Kahn de 2002, fue publicado en 2004 en España por Alba Editorial, con traducción de Marc Rosich.

En fricció, de Octavi Rumbau

2011-11-15T01:09:00.007-07:00

Ayer se presentó en Barcelona la pieza de Octavi Rumbau "En fricció" para saxofón soprano y dispositivo electrónico. Compuesta en 2010, ya había sido ejecutada en junio del mismo año en París por los mismos intérpretes, Miguel Ángel Lorente al saxo y el propio Rumbau a la electrónica.
Fue dentro del ciclo ArtsSònica 2011 que comisaría Lluís Nacenta en el Centre d'Art Santa Mònica de Barcelona.
Es una pieza muy sugestiva y para cuya explicación nos remitiremos a la anotación escrita en el programa de mano:

"En acústica, es un hecho conocido que la interferencia entre dos sonidos de frecuencias muy próximas produce pulsaciones audibles. Cuando dos notas se acercan al unísono, la pulsación se hace cada vez más lenta, hasta que desaparece. Este fenómeno acústico constituye el leitmotiv evocador de la obra, y afecta desde el mínimo contacto entre dos notas hasta la interrelación de texturas y grandes secciones. En fricció fue un encargo de Miguel Ángel Lorente, que estrenó la obra en 2010 en París, y con quien Octavi Rumbau compartió numerosos ensayos durante el proceso de creación."

Aquí tienen un clip de la actuación, que lamentablemente no tiene la calidad técnica que la obra merecería. No obstante, les recomendamos que la escuchen en un audio que hay en el blog de Rumbau.

Como se ha dicho, esto tuvo lugar dentro del ciclo ArtsSònica, en lo que era el segundo concierto de este curso, y que estaba formado por 3 composiciones de Rumbau y otras tres del chileno Tomás Koljatic. La temática del concierto se sustentaba en, como se apuntaba en el programa, "Nuevos instrumentos electroacústicos: el arpa MIDI Camac", un ingenio complejo, sofisticado y con muchas y nuevas posibilidades armónicas y expresivas.
Ambos compositores dedicaron una pieza cada uno a la exploración de este nuevo instrumento ("Étude pour l'effet Larsen" de Rumbau y "La lira quebrada" de Koljatic).
El resto de composiciones fueron realizadas mediante dispositivos electrónicos ("Sleighbell" de Rumbau; "Season's Greetings" y "Pleather" de Koljatic).

Sólo hicimos grabación de "En fricció". Dada la calidad de esta cámara fotográfica que usamos para hacer los vídeos, no valia la pena ni siquiera intentar recoger las sutilezas y matices, a veces en el borde de la percepción cuando no inaudibles, de las piezas electrónicas.
Y con respecto a las dos piezas del arpa MIDI, el problema estaba en que su duración excedía lo que permite grabar esta cámara en modalidad de vídeo. Cortarlas no hubiera sido procedente.

Leyendo las notas del programa de mano se podía apreciar las diferencias temáticas y conceptuales entre los temas de ambos compositores. Mientras las piezas de Tomás Koljatic ("Season's Greetings", "La lira quebrada" y "Pleather") son más abstractas y surgen a partir de ideas o planteamientos más matemáticos; las de Octavi Rumbau ("Sleighbell", "En fricció" y "Étude pour l'effet Larsen") resultaban más próximas, inspiradas todas en determinadas características físicas del sonido y en su percepción.

Subcrónica: con las composiciones de Koljatic tuve la sensación de recorrer el camino más largo para llegar a un punto; en cambio en las obras de Rumbau se detectaba una cierta poética.

MISP II: Ernie Orts

2011-11-13T03:09:00.005-07:00

Barcelona, 5 de septiembre de 2011

Saxo tenor B&S Series 2000
Boquilla, Meyer Metal 9J
Caña, Vandoren trad. No.3

Ernest Orts (Castelló de la Plana, 24 de febrero de 1978)

Otras cañas: saxos soprano y alto
Escena: Barcelona
En la red: myspace.com/ernieortsgroup
Proyectos: Ernie Orts Group, Afrodisax, About Coltrane, Lechowski & Jazz Band...
Discografía: El Pequeño Rugier (Grupo instrumental «Amigos de Rugier»; Free records, 1996), Sax 13 (Saxofons de Barcelona; Ars Harmonica, 2000), Fase.01. A Loom Music Club Compilation (Loom Music Club, 2003), Català Contemporani (Quartet Afrodisax; Anacrusi-Fermata Contemporània, 2003), Aluap (Ernie Orts 4t; Jazz Spain-Omix records, 2003), Música para saxofones 3ª parte (Iñaki Askunze; autoedición, 2005), Canya al ball (Xarop de canya; Temps Record, 2005), The Zeemann Effect (The Zeemann Effect; autoedición, 2005), Wait Walking (Ernie Orts 4t; Jazz Spain-Omix records, 2008), About Coltrane (saxo solo; demestres.es, 2007)

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Arnau Sala, Barcelona, 11-XI-2011

2011-11-12T09:05:00.013-07:00

Asistimos al anunciado concierto-performance y conclusión del proyecto "11.11.11" que Arnau Sala presentaba en un amplio estudio a las puertas del barrio barcelonés de Poblenou, la vieja zona industrial a la que se denominaba "la Manchester catalana" debido a la profusión de fábricas instaladas en su territorio.

Aunque sea por ese bagaje histórico, pues ya queda bien poco de todo aquello, el emplazamiento era idóneo para una sesión de música industrial.

Lo organizó la asociación l'ull cec, que también trabaja mucho en Berlín, y precisamente de la ciudad alemana trataron de traer un cierto "savoir faire". El local estaba casi abarrotado de gente de lo más variopinto. Algo extraño para el tipo de música que a priori se iba a oír, aunque suponemos que concibieron el acto en la forma en que se suele hacer en Berlín: congregando mucha gente gracias a presentarlo de un modo más lúdico, o al menos no tan severo, como se suelen presentar este tipo de actos. Incluso, antes de la performance de Arnau Sala, el DJ Zero pinchó música movida como para "calentar" a la audiencia. En principio nada que objetar, al contrario, para dar vitalidad a estos encuentros tal vez sea necesario plantearlos de un modo más imaginativo. Tal vez el único pero a hacer vendría no tanto por el planteamiento como por el público asistente. Uno tenía la impresión de que a un porcentaje importante de la asistencia todo aquello que proponía Arnau le importaba más bien poco.

Pero, dejemos esto, ya que tal vez se parece demasiado a un juicio de valor, cosa que no nos gusta hacer.

El concierto fue breve. No llegó a la hora. Arnau Sala estaba rodeado de un dispositivo compuesto por 11 tocadiscos, agrupados en tres mesas distintas, y con un mezclador en cada mesa.
Propuso tres piezas.
La primera me pareció algo floja. Quizá para situarse. Las partes rítmicas no me convencían. Demasiado cerca en el tiempo del deejay anterior.
La segunda, en cambio, lo corrigió todo. Apareció ruido blanco en diversas capas (y eso siempre es positivo). Se jugo también con la modificación de las señales, y si se escuchaba con atención se advertían numerosos efectos ilusorios. Los ritmos dejaron de ser evidentes. Eran más cerrados y no estaban tan marcados. Recordaban a las buenas secuencias industriales de antaño.
La tercera y última parecía una síntesis de las dos anteriores, pero afortunadamente en el resultado caía del lado de la segunda. Fue la menos "centrada" y la más variada de las 3. Sonidos lanzados al vuelo. El ritmo como efecto. La situación como elipsis e ilusión.

Ahí va el minuto final, nada más. Es lo único que grabamos. Preferimos estar escuchando. Pero, puede ayudar a hacerse una idea de lo aquí contado. Vimos micrófonos y muchas cámaras, así que es de esperar que algún día veamos o escuchemos la totalidad del concierto.

Low, low, blowers (això és gravíssim), Badalona, 11-XI-2011

2011-11-12T04:54:00.015-07:00

El trío Low, Low, Blowers (això és gravíssim) amenizando la velada poética "Price i cia..." organizada por la asociación poética "Pont del petroli" en el Espai Betúlia, Badalona, 11 de noviembre de 2011.

Ferran Besalduch, saxo bajo; Joan Palacio, trombón contrabajo; David Parras, tuba.

Entre bloque y bloque de intervenciones de poetas, este trío grave aportó algo de patafísica a la atmósfera del evento.

Como le dijo una chica a uno de los músicos, "de colocón".

El extraño exterior del Espai Betúlia

Jo's delight, de Jo Krause Quartet

2011-11-10T13:20:00.043-07:00

Normalmente, en el hotel recibimos discos de músicos que conocemos, o no, y que nos los envían porque suponemos que esperan que hagamos algo con ellos. Algo más aparte de escucharlos, claro, como por ejemplo dedicarles una entrada. Es algo que nos gusta además, así que miel sobre hojuelas.
Hemos de admitir, no obstante, que llevamos un retraso importante. Se nos ha hecho un buen tapón de discos. Tenemos algunos, incluso, que nos han enviado hace meses, y ahí están, criando polvo. Imperdonable, desde luego. Lo único que podemos decir en nuestro descargo es que la del hotel es una ATP (actividad a tiempo parcial, muy parcial, incluso).
Es cierto que a ciertos discos les damos salida en algún que otro medio, pero no con todos podemos hacerlo. De todos modos, vamos a tratar de ir solventando esta situación, y vamos a empezar por un disco que recibimos hace unas semanas. Se trata del primer y único disco por el momento del cuarteto del batería alemán Jo Krause, que se titula Jo's delight ( 2011).

Con frecuencia, los que escribimos de música, especialmente cuando hay prisa por entregar, utilizamos expresiones que después, meditadas, no resultan del todo convenientes. Por ejemplo, "sólido". Algo es sólido o tiene "solidez". A veces se dan contrasentidos evidentes, como referirse a una sección de ritmo de jazz en términos de solidez. Pero, ¿qué es lo sólido? ¿Qué queremos decir cuando decimos que una sección rítmica es sólida? ¿Que los músicos están bien sujetos al suelo? ¿Que son corpulentos? Piensen por un momento en dos ideas, dos palabras: "sólido" y "walk", palabra inglesa que además de andar se usa para referirse a cuando una banda de jazz está haciendo bien las cosas. Es obvio y lógico, cuando marchan bien las cosas = good walk.

Así pues, sólido no es buen término para calificar un buen disco de jazz como es este. ¿Qué palabra podríamos usar en su lugar? Sería bueno que fuera una palabra sin demasiada «voluntad de poder», una palabra que más que definir lo que hiciera fuera dar a entender algo. Una palabra más leve, si quieren.

Estuve pensando en qué es lo que me gustaba del jazz o, mejor dicho -ya que pueden ser muchas las cosas que a uno le gusten de un jazzman, una banda o un disco-, algo que estuviera siempre presente en aquellas sesiones que me gustaban. Y que fuera una palabra universal y lo más abierta posible en cuanto a sus significados, y no de dominio interno de la técnica musical.

Naturalidad. Eso es lo que pensé que tiene, entre otras cosas, el jazz que me gusta. Como el de Jo's delight. La naturalidad nos remite a un montón de ideas/palabras interesantes, como fluidez, desenvoltura y familiaridad (interesante este término si pensamos en el contexto de los músicos de jazz y en la relación que establecen cuando tocan, en eso que en inglés se llama interplay).

Bien, habrán podido comprobar que esto no es una crítica del disco de Jo Krause, sino más bien un comentario personal en el que, desde luego, sí estoy hablando de Jo's delight. Lo que pasa es que en el hotel tenemos una manera muy rara de decir las cosas. En fin, es la comodidad que da el andar con ropa de estar por casa.

Un detalle final. Cuando Krause tenía 16 años recibió clases particulares del gran Art Taylor, toda una figura del jazz. De algún modo, parece que con este Jo's delight Krause ha querido homenajear a Taylor citando uno de los discos más importantes que hizo como líder el norteamericano, A.T.'s delight (Blue Note, 1960).

Por eso, por la relación con Taylor, he elegido para ilustrar esta entrada la versión de "United blues" de Ron Carter que hacen en Jo's delight, ya que además me recuerda mucho al aire que tiene A.T.'s delight.

PS.- No había oído nunca al saxofonista Vicent Macian, y hay unas cosas de él en el disco que me han encantado. Tampoco había oído nunca un proyecto de Krause como líder, a pesar de que lleva instalado entre nosotros casi 20 años; aunque sí había disfrutado de su buen hacer en discos como Draco (dúo con Agustí Fernández) o Lonely woman (del cuarteto de Agustí Fernández).

Jo's delight
Jo Krause Quartet: Jo Krause (batería), Roger Mas (piano), Vicent Macian (saxo tenor), Deejay Foster (contrabajo).
Grabado en Girona, el 13 de junio de 2011.
[Anacrusi AC 078]

Joseba Irazoki, BCN, 9-XI-2011

2011-11-10T04:51:00.021-07:00

Dentro del marco del festival "Euskal Herria sona 2011", Joseba Irazoki se presentó en actuó en la sala Heliogàbal, el 9 de noviembre de 2011.

Esperábamos una música más terrosa y relajada, en la línea de su proyecto Do o de sus últimas entregas en solitario (de hecho, el concierto se anunció como la presentación de su disco Euria ari du, al que ya dedicamos entradas en su momento, aquí y aquí), y en cambio desde el principio se nos puso en plan bluesman desquiciado. Vean sino esta breve muestra...

De todos modos, poco a poco el agua fue tornando a su cauce y tocó temas, tanto suyos como versiones (de Sun City Girls, del Eureka de Jim O'Rourke...), más en consonancia con la imagen que uno tiene de su trabajo. Este nuevo repertorio quiere interpretarlo y grabarlo junto a un batería.

A pesar de todo, la clave general del concierto siguió siendo la energía y el distendimiento.

El tema de Sir Richard Bishop.

Siempre con regusto a blues o americana, por más que primarios.

Agradable, como todo lo que hace el de Bera.

Para escuchar Euria ari du: moonpalacerecords.bandcamp.com/album/mr018-euria-ari-du

11.11.11., una performance de Arnau Sala

2011-11-08T00:04:00.066-07:00

En el hotel nos interesa casi más todo aquello que genera problemas que lo que tiene como destino el resolverlos. Formaría parte de una determinada tradición del pensamiento que podemos encontrar en diversas disciplinas, ya sea la filosofía, la historia, la teoría y la praxis artística...

Hace unos días Sam Roig de l'ull cec enviaba un dossier que contenía un proyecto sonoro de Arnau Sala.
Se trata de un proyecto sonoro que parte de una idea previa. Esta idea tiene que ver con el número 11, con el azar, con la superstición que para el propio Arnau se desprende de dicha cifra, y, en última instancia, con su propia vida (subyace tras todo ello una telaraña de datos biográficos que tienen que ver con su padre, sus aniversarios y la caida del muro de Berlín).

La asociación l'ull cec, establecida en Barcelona y Berlín, invitó el pasado mes de abril a Arnau Sala a la capital alemana para hacer una residencia con el fin de desarrollar y realizar el proyecto, el resultado final del cual debía materializarse en forma de registro sonoro y de actuación en directo (esto supondría la etapa final del proyecto).

En líneas generales, el planteamiento de Arnau Sala consistía en que el 11 estuviera en el centro del proceso creativo, fuera su motor y ligara los restantes elementos que entraban en juego.
Para ello, se basó en una numerología autodidacta, casera, que el propio Arnau define como "numerología intuitiva".
La idea era la de trabajar con 11 loops creados por él y que serían cortados directamente sobre discos de vinilo.
El día de la actuación, la conclusión del proyecto, estos 11 loops en otros tantos discos serían reproducidos a la vez en 11 platos.

Al leer el breve y escueto dossier de Arnau Sala me atrapó enseguida la sucesión de problemas que le van surgiendo al paso, conformando una gradación excelente.
Al margen del interés acústico del planteamiento, me llamó la atención esa especie de "historia interna" en la que se convirtió todo el proceso.
Personalmente, disfruto tanto con los resultados como con las vicisitudes que acompañan su realización. Por lo general, cuando me atrae un proceso de creación por sí mismo me suele gustar también la cosa ya acabada.
Por eso les recomiendo que echen un vistazo a ese pequeño relato que es el dossier.
Tal vez les pasé como a mí, y después de hacerlo tengan ganas de asistir a esa última escena.

El proyecto en el blog de Arnau Sala (en inglés):

exotericcontinent.wordpress.com/2011/11/05/11-11-11-part-one/
exotericcontinent.wordpress.com/2011/11/07/11-11-11-part-2/

En castellano (PDF):

lullcec.org/lullcec/residencies/2011/arnau_sala/documents/2011-arnau_sala-11.11.11-descripcion_proyecto.pdf

11.11.11., una performance de Arnau Sala
11 loops - 11 discos - 11 tocadiscos
Viernes 11 de noviembre, a las 11 de la noche
Apertura de puertas: 22 h con el DJ Zero
calle Almogàvers 68-70, 8ª planta
(Metro: Marina)
Barcelona
Entrada libre

(Tanto la ilustración como los cuadernos de las fotos son de Arnau Sala).

Apología de Raymond Douglas Davies

2011-11-07T04:42:00.041-07:00

"Sin la gente, nadie podría escribir nada".

Esto lo dice Ray Davies de The Kinks en el documental que Julien Temple le dedicó el año pasado, Imaginary Man, y que pudimos ver ayer en el festival In-edit.

Siempre que tengo la ocasión y sale el tema, no dejo pasar la oportunidad de hacer proselitismo con la singular obra de Davies. Es una debilidad absoluta. Pero nunca sé como explicar por qué me parece tan condenadamente bueno. Supongo que se trata de algo que tiene que ver con el «término medio» aristotélico en el sentido de que reúne dos facetas que me fascinan por igual: la del storyteller y la del artesano creador de atmósferas (esto último, si quieren, en una dimensión no tan espectacular como en otros de sus contemporáneos, en una dimensión, digamos, más de barrio).
Bien, pues al oír esa frase todo cobró sentido, el puzzle se armó, y yo descansé por la eternidad (al menos en lo tocante a Davies: a partir de ahora, la esgrimiré sin miramientos y sabiéndome ganador de antemano).

"Sin la gente, nadie podría escribir nada". En efecto, de lo que nos habla es de él, no la entiendan como un axioma o un verbo. Sencillamente, enciende una luz e ilumina lo que él entiende como creación.
Davies ha sido y es un tipo curioso. Siempre ha vivido en el mismo barrio en que nació. Primero compró una casa normal y corriente. Cuando ganó algo más dinero se mudó a otra más suntuosa (siempre en la misma zona, su mítico North London). Al cabo de poco tiempo, no se sentía bien en ella y decidió regresar a la primera. Y todo esto en una época en la que la mayoría de sus colegas rockeros que tenían éxito se iban a vivir a mansiones y/o a lugares exóticos.
Pero él, no. Él prefería estar con los "suyos", no por una cuestión de clase ni nada por el estilo, sino por comodidad. Por comodidad y porque ese era el mundo que reflejaban sus canciones.
Davies tiene un mundo. O, mejor, ha desarrollado un mundo propio anotándolo en los márgenes de las páginas de la Historia. Siempre he pensado que de dar clases de historia contemporánea de Inglaterra les diría a mis alumnos que en lo tocante a la posguerra en adelante se hicieran con los discos de The Kinks, escucharan la música y oyeran sus letras con calma. Casi mejor que cualquier novela. En serio. Todos los cambios, o al menos los más importantes, que experimentó ese territorio están presentes en sus historias. Pasados por su visión, naturalmente, que realiza con una mirada llena de ironía, ternura, afecto, y también malestar y contestación.
La Historia es tanto la que se escribe con mayúsculas como la que se compone de muchas historias, la «pequeña historia».

Musicalmente, tal vez The Kinks no hicieran ningún álbum de esos de relumbrón, pero cada una de sus incontables canciones está tallada del modo que precisa la letra. Ni más, ni menos. Él lo llamaba «lechos de sonido», que eran como emociones que tenían que recrear una determinada atmósfera en la que él había pensado para ilustrar el tema. Como el color de fondo. Como una especie de dioramas sonoros. Entonces, Davies tomaba sus personajes y los podía situar envueltos en una determinada luz.
El conjunto de ambas cosas, la letra y esos «lechos de sonido», conformaba la historia que nos quería contar.
La virtud que tienen las canciones de The Kinks (o al menos la mayor parte de ellas) es que son como pequeños enigmas, no tanto por lo que cuentan como por la manera en que han sido urdidas. Por su engañosa simplicidad.

Davies también era un rockero de chistera, un dickensiano que encontró en la observación y el comentario la máxima inspiración a la hora de componer canciones. Su galería de personajes es tan amplia y rica que pienso que sería de justicia que un día le dieran algún premio literario importante (como ocurre con Dylan, por ejemplo).
También dice, en el documental, que Dickens en los tiempos actuales se divertiría mucho escribiendo, pues muchas cosas que él conoció y sobre las que escribió siguen estando ahí. Con otra forma, encarnadas o plasmadas de otra manera, pero ahí mismo.
¡Pardiez, si tiene razón!
Para él, transmitir ideas es algo muy loable, y es lo que en el fondo siempre le ha movido a hacer cosas, a escribir canciones. ("Hacer una canción que dé que pensar, ¿qué más se puede pedir?", dice).
No entiende el rock de un modo lúdico, por más que escuchar sus canciones sea de lo más placentero - una cosa no quita la otra.
Su manera de escribir canciones acrisola una serie de tradiciones que van desde el teatro de variedades y el vodevil, hasta el trad-jazz, el blues y, por supuesto, el rock'n'roll. Y como ya he dicho, también la literatura.

Entiendo que a los más jóvenes les resulté menos atractivo como personaje que Jagger o Lennon. Sí, lo entiendo. Pero, con el tiempo, con la perspectiva que nos da, cada día lo prefiero más a él.
Bueno, no, lo prefiero más a él que a los otros 9 juntos. Es así.
Sí, no tiene glamour pasear por tu barrio de siempre, imitar los andares de los otros, tomarse una pinta en el pub de la esquina e iniciar una conversación intrascendente con tu compañero de barra. ¿Y?
Con el tiempo, con lo que nos quedamos es con la obra hecha. Lo que nos ha sido propuesto durante años, que en el caso de Davies no es poco.

No, la creatividad no hay que ir a buscarla a las Bahamas, ni a la India, ni a Marruecos, ni a ninguna parte. Si uno no puede levantar algo que valga la pena con lo que ve a diario, mejor que lo deje. O mejor que se le ponga en su sitio.
Lo que él hizo con el norte de Londres es magnífico porque fue universalizarlo. Poner en contacto experiencias y estados de ánimo que cualquier persona de cualquier otra parte del mundo puede reconocer de inmediato.
Y eso pasa de vez en cuando: de tan británico es universal. O, si se prefiere, es porque tiene una mente muy abierta que ha podido retratar con tanto esmero y cariño las circunstancias de sus canciones.

También podríamos hablar de su lucidez a la hora de detectar, antes que nadie en el mundo del rock, que "la moda y la cultura pop muchas veces camuflan lo que ocurre". (Y aquí no añado nada, sólo sonrío maliciosamente).

Finalmente, decir que Ray Davies se pasa casi todo el documental de algo más de una hora hablando. Y, ¿saben qué? Que se hizo corto. Que hubiera querido seguir oyéndolo durante otras dos o tres horas. Por su inteligencia, sentido del humor, agudeza y finura, su total carencia de cinismo, y por su amor hacia sus personajes, sea la que sea la circunstancia que los llevó a serlo.

Díganme ahora, con franqueza, ¿a qué otra rock star -por decirlo de algún modo- oirían durante, no ya una hora sino tan solo 10 minutos?

This week (3) Low, low, blowers (això és gravíssim)

2011-11-07T03:31:00.014-07:00

Tercera recomendación para esta semana, un nuevo proyecto del siempre sorprendente Ferran Besalduch. Dentro de su conocida línea de exploración de las tesituras más graves y densas, Besalduch propone ahora un trío peculiar: él mismo al saxo bajo, Joan Palacio al trombón contrabajo y David Parras a la tuba. El nombre, genial, Low, low, blowers (això és gravíssim).
La intervención que realizarán este próximo viernes en Badalona no será propiamente un concierto sino que amenizarán con sus improvisaciones los interludios de una larga velada poética que estará dedicada a la sala Gran Price de Barcelona, fundada en 1934, un lugar ya desaparecido en el que además de circo, baile, mitings políticos, boxeo, espectáculos de variedades, conciertos de música progresiva, etcétera, también se hizo alguna velada poética. Un lugar lleno de variada simbología, sin duda.
Y, este viernes, un nutrido grupo de poetas catalanes rendirá homenaje a aquellas veladas con un recital que se llamará Price i cia...

Recital Price i cia...
Viernes 11 de noviembre a las 19 h.
Espai Betúlia
calle Enric Borràs, 43-47
Badalona.
Entrada libre.

This week (2) Si no fossis tu, seria jo

2011-11-07T02:38:00.010-07:00

Bien, como ven esta semana va a haber algo de jaleo. Mireia Tejero, junto a Adele Madau, y bajo el nombre del proyecto Las Reinas, presentarán en el Antic Teatre de Barcelona el "espectáculo" Si no fossis tu, seria jo. Entrecomillamos lo de espectáculo ya que se trata de una experiencia mixta en la que música, teatro y performance se presentan juntos. Pero, no en forma de un pegote de una cosa aquí y otro allí. Sino que en la misma concepción del espectáculo se ha tenido en cuenta ese carácter multidisciplinar. Mireia Tejero lo define como un "concierto/performance".
Hicieron una presentación previa hace unas semanas en el LEM, de la que ya hablaremos en su momento. Ahora tan sólo decir que la presentación que harán esta semana, entre el jueves y el domingo, estará más elaborada por lo que respecta a cuestiones escenográficas, iluminación, inclusión de audiovisuales. En fin, como decimos, un espectáculo.
Ahora nos gustaría poner un texto de la propia Mireia que da algunas claves sobre Si no fossis tu, seria jo.

Sinopsi:
Només dues càmeres de vídeo vigilància i l’espectador observen la quotidianitat absurda d’aquestes dues dones. Més enllà de la càmera, una solitud creixent va deteriorant les seves constants vitals i emocionals, però és des de aquesta solitud que intueixen l’existència de l’altre i és des de la incomunicació i reducció que descobreixen les complicitats i les diferències amb l’altre, en una relació de poder que acaba transformant-se en una amenaça a la seva integritat. La realitat i la ficció entren en conflicte; la violència, la desesperança i el temor esdevé protagonista de les seves vides i de la seva música.

Si no fossis tu, seria jo, con Mireia Tejero/Adele Madau/Las Reinas
10, 11 y 12 de noviembre a las 21 h.
13 de noviembre a las 20 h.
Antic Teatre
calle Verdaguer i Callís, 12
Barcelona.
Precio: 10 €

Mireia Tejero y Adele Madau

This week (1) Agustí Fernández, Míriam Félix y Tom Chant

2011-11-07T02:22:00.008-07:00

Dentro de la "carta blanca" que los de la sala Círcol Maldà han dado a Agustí Fernández, y que consiste en que programe tres conciertos en los que el pianista se haga acompañar de quien quiera, este próximo jueves habrá un trío absolutamente inédito y del que cabe esperar mucho.

Agustí Fernández, que arrastra una racha de inspiración que ya dura unos años, tocará junto a la cellista Míriam Félix y el saxofonista inglés Tom Chant.
De Félix no sabemos nada, en cambio sí conocemos bien a Chant. Hemos hablado aquí y en otras partes de él, de lo mucho que nos gusta y de algunas de sus virtudes, así que no insistiremos en el particular.

Simplemente, esto es un anuncio. El encuentro tendrá lugar este próximo jueves 10 de noviembre a las 22:30 h.
Será en el Círcol Maldà
calle del Pi, 5, escalera derecha
Barcelona.
Precio: 10 €

Freeneètics, BCN, 29-X-2011

2011-11-06T16:44:00.003-07:00

This is business not personal.

MISP II: Pelayo Arrizabalaga

2011-11-06T01:16:00.008-06:00

Barcelona, 19 de julio de 2011

Saxo alto Conn 1957
Boquilla, Claude Lakey 7* 3
Caña, Rico Reserve 2 ½

Pelayo Fernández Arrizabalaga (Laredo, Santander, 18 de febrero de 1949)

Otras cañas: clarinete bajo
Escena: Suiza, Madrid, Barcelona
En la red: www.ubu.com/sound/arrizabalaga, myspace.com/pelayoarrizabalaga, pelayoarrizabalaga.mydocumenta.com
Proyectos: explorar la interacción entre los lenguajes musical y plástico, Tapestry in Sound (quinteto), dúos con Hildegard Kleeb, Agustí Martínez y Víctor Vázquez, colaboraciones diversas
Discografía seleccionada: Donostiako XVI Jazz-Aldia (con Orgón; IZ records, 1981), Soy tu amigo (José Antonio Galicia sextet; Caskabel, 1983), Aspetti diversi (Clónicos; Linterna música, 1985), Figuras españolas (Clónicos; GASA, 1988), Copa de veneno (Clónicos; Ediciones cúbicas, 1990), Galvana (Pelayo-Nubla; Sculptured sounds, 1992), Esquizodelia (Clónicos; Triquinoise, 1995), Live at Metronom (FMOL trio; Hazard records, 2000), Night in the Chapel (FMOL trio; Hazard records, 2002), Concert for Kowald (Breuss-Arrizabalaga Quintet; Hazard records, 2003), Nfamoudou-Boudougou (Breuss-Arrizabalaga quintet; Hazard records, 2004); Contenido (P. Arrizabalaga / Antonio Bravo / Merran Laginestra / Baldo Martínez; Hazard records, 2005), "am(vr)ee" (Hildegard Kleeb & Pelayo Arrizabalaga; Everest records, 2007)

Entrada etiquetada como MISP II.

Sobre el respeto

2011-11-05T13:09:00.008-06:00

Viendo un documental sobre Peter Brötzmann, viendo el modo en que se relaciona con la gente joven que toca con él, y al mismo tiempo como estos jóvenes le respetan, pensé que en la transmisión cultural el respeto hacia los mayores no se da por el hecho de que lo sean sino porque se es consciente de con lo que se está trabajando (el legado, las influencias, las referencias, la cita).
Al mismo tiempo, que también hay que desconfiar de esa veteranía que desdeña sistemáticamente la juventud, sus inquietudes, sus dudas, su búsqueda.
Pero, en ese juego de espejos constante hay que tener bien claro que la corriente de responsabilidad siempre irá en sentido descendente.

Año dos (tb Guitarrowing)

2011-11-05T02:29:00.020-06:00

Hoy se cumple el segundo aniversario del hotel.
Visto en perspectiva no hemos aportado gran cosa pero ha sido una buena experiencia.
En aquel ya lejano 5 de noviembre de 2009 decidimos abrir nuestro establecimiento con una entrada sobre Ferran Fages.

Ahora se nos ocurrió hacer otra entrada con él.
Le pedimos a Ferran que eligiera por nosotros una pieza de alguno de sus discos de guitarra, para así aprovechar y hacer también una nueva entrega de la serie Guitarrowing que tenemos un tanto abandonada (no es que sea algo importante esto, pero...).

Ferran nos sugirió un par de posibilidades. De entre ambas, nos hemos quedado con una que, escuchándola varias veces, nos ha parecido fantástica para poner en esta entrada de celebración - aunque de celebración a medias dada la precaria situación en la que cada vez se encuentra más gente.
Está bien -la pieza- porque transmite -nos lo parece- irritación, nerviosismo, exasperación, pero sin cargar las tintas. Con sutileza. "Més ràpid que l'ull", se llama, que significa "más rápido que el ojo". Pertenece al disco Cançons per a un lent retard (Etude records, 2007). Un disco sobre el consuelo y la pérdida. (Ayer, en un documental sobre Peter Brötzmann que vimos, el saxofonista alemán recordaba unas palabras que había leído sobre el blues y que venían a decir algo así como que el blues no describía la miseria en la que vivía la gente, sino que describía el intento de salir de ella).

Foto: Walker Evans, del libro Elogiemos ahora a hombres famosos.

Krzysztof Komeda

2011-11-04T02:45:00.012-06:00

Hace unos días, dentro del festival In-edit de cine documental musical de Barcelona, pudimos ver la producción Komeda. A soundtrack for a life, de la realizadora Claudia Buthenhoff-Duffy sobre el pianista y compositor polaco Krzysztof Komeda. Se trata de una producción televisiva correcta, pasable, en la que como es habitual en este género de producciones, lo más destacado es el material de archivo rescatado. La cinta incide especialmente en el trabajo de Komeda como compositor de música para cine, un campo en el que ciertamente fue extraordinario. Sin embargo, se pasa por alto su faceta de jazzman, cosa que hasta cierto punto nos duele. Y nos duele porque era un jazzman fabuloso también: original, sensible, siempre a la búsqueda de una identidad musical, y muy cercano a la vanguardia de aquellos años (al morir Coltrane en 1967 le dedicó uno de sus temas más representativos, "Nightime, Daytime Requiem", con un lenguaje muy cercano al del último período del saxofonista). Es decir, Komeda tenía todo aquello que disgusta a la caverna del jazz. Su ninguneo por parte de popes como Leonard Feather, que no lo añadió en su famosa enciclopedia, ha hecho que la percepción que se tiene de él sea básicamente la de un gran compositor de bandas sonoras -que lo era, por descontado- y no tanto la de un excelente músico de jazz. Es más, como bien sabrán los que conzocan su obra, una faceta y otra son hasta cierto punto indisociables.

Ya hablaremos de esta producción germano-polaca en un próximo artículo sobre el festival In-edit. Por el momento, querríamos poner el acento en ese Komeda más puramente jazzístico con tres ejemplos.

En primer lugar, "Ballad for Bernt", que tiene una de las melodías mas preciosas y fragiles que he escuchado. Esta pieza fue utilizada en el primer largometraje de Roman Polanski, El cuchillo en el agua, así que a muchos tal vez les sonará. Se grabó en 1961, y junto al trío que en aquellos años tenía el pianista (Roman Dylag al contrabajo y Leszek Dudziak a la batería), estaba el saxofonista tenor sueco Bernt Rosengren (que le devolvía a Komeda el detalle de la dedicatoria con una interpretación exquisita).

A continuación vamos a poner uno de sus temas más versionados con posterioridad por otros músicos que le han dedicado discos o proyectos. Se trata de "Roman II", también llamada "II" o "Dwójka rzymska". De este tema existen varias versiones dentro de la discografía de Komeda, pues fue escrito a principios de los 60. Pero esta que ponemos aquí, grabada en 1964 durante una sesión en la televisión polaca, tal vez sea la canónica. Fue con el quinteto con Tomasz Stanko (trompeta), Michal Urbaniak (saxos soprano y tenor), Jacek Ostaszewski (contrabajo) y Czeslaw Bartkowski (batería).
Nos gusta mucho como se introduce el tema: primero la línea principal con el piano, después la trompeta y el soprano la amplian introduciendo elementos de la melodía y, finalmente y antes de entrar todos, el contrabajo presenta el sostén rítmico que va a mantener. La pieza tiene un gancho fantástico.

Y para finalizar, un tema que sí fue compuesto especialmente para la película Cul-de-sac (1966), de Polanski. Es un tema que gustará a todos los amantes del mainstream de los 60 y del easy listening, desde luego, pero hay que fijarse en la interpretación porque es un lujo. Es un easy listening de mucha calidad.

Los tres temas los pueden encontrar recopilados conjuntamente en The complete recordings of Krzysztof Komeda, vol. 13 - Matnia, del sello Polonia Records (1997).
Si quieren saber más sobre él, les recomendamos que visiten la web www.komeda.pl, que además de en polaco también está en inglés. (Por cierto, la foto procede de esta web).

Rudresh Mahanthappa 'Samdhi', BCN, 28-X-2011

2011-11-01T14:37:00.002-06:00

La cronaca, ci.

Grabación en directo de Bandalix

2011-11-01T09:43:00.009-06:00

Los próximos días 5 y 6 de noviembre se grabará en directo el que será el tercer disco de Bandalix, formación liderada por el trompetista Néstor Munt y con más de 10 años de trayectoria.
Será en El Siglo, en Sant Cugat del Vallés (avenida Rius i Taulet, 120), a las 12:30 del mediodía (ambos conciertos, tanto el del sábado como el del domingo).

Néstor Munt ha lanzado este aviso para que todo aquel que quiera pueda ir y contribuir a la debida atmósfera (que sin duda debe tener todo disco en directo).

Un día hablaremos con más detenimiento de la interesante Bandalix. De momento, ahí va el tema "Dejeme que le cuente", compuesto por el propio Néstor Munt y con arreglos de Jordi Riera, y perteneciente al primer disco de la banda, Carpe diem. Un tema de claro aroma mediterráneo. Ninorrotesco.
En el tema tocaron los siguientes músicos:

Tuba: David Parras.
Trombones: Tom Johnson, Pere Bono.
Fliscornos: Néstor Munt, Ivo Oller.
Saxos: Carles Pineda, Xavier Maristany, Santi Caballero.
Batería: Pablo Posa.
Los solos son de Néstor Munt (el de fliscorno) y Xavier Maristany (el de saxo soprano).

Breaking news! Ilios y Cremaster mañana en BCN

2011-10-31T13:39:00.005-06:00

Los de l'ull cec han organizado para mañana un doble concierto sorpresa.

De un lado, el griego Ilios, que traerá su particular arte sonoro, en el que el espacio deviene una variable más.

Del otro, el dúo de improvisación electrónica Cremaster, formado por Ferran Fages y Alfredo Costa Monteiro. Ya veteranos, sus directos nunca dejan indiferente.

Todo esto será mañana, martes 1 de noviembre, a las 20:30 h.
Lugar: calle Almogàvers, 68-70, 8ª planta
Metro: Marina
Precio: 7 €

Para más información,

http://lullcec.org/es/2011/concerts/ilios-cremaster/

Esto ya no es una cafetería (y está lloviendo), por Sin Anestesia

2011-10-31T08:01:00.005-06:00

El concierto de Sin Anestesia en el LEM 2011 ya está disponible con un buen audio.

Página de Discordian Records Sin Anestesia En Directo!

http://discordianrecords.blogspot.com/2011/10/sin-anestesia-live.html

Para descargar en formato AIFF desde Soundcloud

http://soundcloud.com/elpricto/esto-ya-no-es-una-cafeter-a-y

Bloguear no es escribir, es un grafiti con signos de puntuación

2011-10-31T04:36:00.005-06:00

Ayer fuí a ver Contagio, la película dirigida por Steven Soderbergh. De los diálogos del film proviene el título de esta entrada. El doctor Sussman, un especialista en virus que interpreta Elliott Gould, se lo suelta a un periodista sin periódico, esto es, un bloguero díscolo (Jude Law).

Soderbergh es un tipo interesante. Combina la realización de películas alimenticias con otras que valen la pena (incluso tiene una obra maravillosa, El halcón inglés), o que como mínimo contienen elementos que llevan un poco más allá a lo que podría ser un film de género del montón. Contagio podría ser uno de esos telefilms que los domingos por la tarde emiten las cadenas de televisión, sin duda con el loable objetivo de que los espectadores se echen unas buenas siestas, pero es más que eso.

Aunque sin ser la reostia, hay algunas cosas apreciables en esta película. Por ejemplo, como subraya negativamente el que un alto cargo del departamento de control de epidemias de EE UU utilice la información privilegiada de que dispone para salvar a un miembro de su familia, mientras el resto de la población vive en la inopia. Este hecho suele verse con frecuencia en el tipo de telefilms ya mencionados, y además suele verse como un hecho absolutamente normal, incontestable: "si es su esposa, cómo no la va a salvar". No es que en la película de Soderbergh se moralice estérilmente al respecto sino que de un modo muy realista se plantea en términos éticos: aunque es difícil que alguien pueda luchar contra sus sentimientos, eso no significa que no se pueda y deba hacer una lectura ética -negativa, en este caso.

La historia es bastante coral, cosa que creo imprescindible para hacer un trabajo sobre una pandemia. Y aún podría serlo más, pero mantiene todavía los consabidos personajes que suelen hacer de anclaje para la historia (aunque también hay que decir que a algunos los mata rápido). Y me parece que para hacer un film sobrecogedor sobre un tema así aún habría que ir más lejos. Hasta Eisenstein y su cine con, de y para masas. Un Octubre del cine apocalíptico. También debería ser una película que ofreciera un recorrido por distintas partes del mundo. Algo de esto también hay en Contagio, pero no es suficiente.

La historia del virus que expone Contagio tiene relación con el virus Hendra, una extraña zoonosis (hoy por hoy, tal vez la amenaza más temida, el que una infección potente pueda pasar de animales a humanos) descubierta en Australia en 1994. El huésped natural es un murciélago y antes de pasar a los humanos hay un paso por un huésped intermedio (en el caso del Hendra, el caballo; en el de la película, el cerdo).

El supuesto film ideal podría iniciarse con las evoluciones reales de unos virus vistos al microscopio. No recreaciones infográficas. Y como el daño no lo oímos, pero sabemos de él y de su funcionamiento, que mejor que una música taladrante y amenazadora.

Esto que han oído es una pieza de los primeros Einstürzende Neubauten, no de la película. Sin embargo, la música de la película no está nada mal. Es básicamente electrónica y es de Cliff Martinez, que ha firmado casi todas las bandas sonoras de los films de Soderbergh y que, como dato curioso, diremos que fue batería en la última Magic Band del Captain Beefheart.

Es bueno eso del grafiti con signos de puntuación. De verdad. Y todo un honor. En el libro de Adorno Teoría estética había un capítulo muy cortito que se llamaba "La imaginación del signo" y que trataba justamente de todas las posibilidades que nos ofrece la puntuación: la coma, los varios puntos, el guión y el paréntesis...

Como los tags que proliferan por las paredes de las ciudades, bloguear es algo vírico.

MISP II: Mireia Tejero

2011-10-30T03:27:00.008-06:00

Barcelona, 16 de julio de 2011

Saxo barítono Yanagisawa
Boquilla, Berg Larsen 100 2 SMS
Caña, Rico 3

Mireia Tejero (Barcelona, 25 de diciembre de 1960)

Otras cañas: saxo alto
Escena: Barcelona
En la red: mireiatejero.com
Proyectos: Metus (recorrido musical a través del miedo; espectáculo multidisciplinar), Si no fossis tu, seria jo (dúo con la violinista Adele Madau), compositora de la compañía de danza de Sol Picó, parafernalia de actividades diversas
Discografía seleccionada: Mirando a la Meca (Alius; Picap, 1996), Alius suda (Alius; 1999), A veces me pica un pie (Las gambas; Zanfonia, 1999), Los abuelos bailan (Disolvente Tejero; 2000), Bocks & kabretes. BSO de "El llac de les mosques" (Sunpico's Band; Tot sona records, 2010)

Entrada etiquetada como MISP II.

Eugene Chadbourne por aquí

2011-10-29T01:29:00.018-06:00

El próximo lunes 31 de octubre nos visitará en Barcelona, en el señorial Círcol Maldà, el doctor Eugene Chadbourne. Hoy mismo pueden verlo en el auditorio del Palacio de Congresos de Huesca dentro del Periferias 2011.
Suponemos que muchos de ustedes ya sabrán de él. Es un pieza de cuidado. Y un pieza con frecuencia genial.
Improvisador, folk-singer, cantautor anarquico y lisérgico. Empezó en los años 70 con John Zorn. De esa época nos quedan unas grabaciones que oídas hoy están llenas de frescura, innovaciones y descaro.
Visto en perspectiva, formaría parte de esa gran corrientes de la música popular norteamericana que se caracteriza por el humor, la mala educación, la absurdidad y... mmmm, bueno, no sé que más.
Le gusta tanto el jazz de los años 20 y 30 o los viejos blues, como le gustan el country and western, el punk, o la improvisación libre más quejosa.
Y muchas cosas más que nos dejamos, pero es que hoy es sábado, ¿entienden?
Muchas veces hecha mano de su vena satírica y reivindicativa y despacha trabajos de corte político. Presumiblemente, lo que veremos estos días en Huesca y Barcelona irá por ahí. No está el horno para bollos, que diría el sabio.

Sergio Merino de Arco y Flecha, que son quienes le organizarán lo de Barcelona, nos recomendó que pusiéramos uno de sus últimos hits, llamado "Roll over Berlusconi".
Y hemos encontrado en YouTube una excelente versión de este tema interpretado por Chadbourne en solitario (que es como lo veremos por aquí, ya que el tema lo grabó con The Arbe Garbe Band). Ahí va (ah, y a partir del minuto 3 cambia y pueden verlo en otro de sus registros, improvisando con el banjo)

Eugene Chadbourne (guitarra, banjo, dobro, o lo que le dé la gana)
Será este lunes, 31 de octubre, a las 20 horas.
Círcol Maldà
calle del Pi, 5
Barcelona
Y por sólo 13 leiros.

Para despedirnos, un viejo tema que grabó en un disco conjunto con Sun City Girls (otros volaos) y Elliott Sharp. El disco se llamaba Country Music in the World of Islam Volume XV, y es una (peculiar) versión de "I cover the waterfront".

Vijay Iyer Trio, BCN, 24-X-2011

2011-10-29T01:20:00.001-06:00

La cronaca, qui.

Sin Anestesia, BCN, 27-X-2011

2011-10-28T09:33:00.008-06:00

Como ya anunciamos, Sin Anestesia actúo ayer en formato noneto dentro del LEM 2011. Fue en el Centro Cívico El Coll - La Bruguera.
Los miembros para la ocasión fueron:

Pep, Ferran, Lluís, Pintxo, Pricto, Liba, Agustí, Alfonso y Tom.

saxos soprano: Liba Villavecchia / Tom Chant
saxos altos: El Pricto / Agustí Martínez
saxos tenores: Miguel Villar 'Pintxo' / Pep Pascual
saxos barítonos: Don Malfon / Lluís Vallès
saxo bajo: Ferran Besalduch

Dispuestos en V y, teóricamente, rodeando al público (decimos teóricamente porque creemos que sólo se puso un espectador en el centro), ejecutaron una pieza de El Pricto titulada "Esto ya no es una cafetería (y está lloviendo)".
Como en sus dos anteriores intervenciones públicas, El Pricto volvió a plantear un tema ad hoc, de fácil preparación pero que al mismo tiempo tenía la virtud de dejar abiertas las puertas necesarias para que la propia evolución de la pieza y las partes improvisadas que ejecutaba cada saxofonista, enriqueciera y acabara dándole la forma final.

Me gusta pensar en las posibilidades que tiene esta formación a todos los níveles. Formato, miembros, tipo de obras, adecuación a espacios variados, etc. La flexibilidad ha devenido en una de las características definitorias de Sin Anestesia. Ya hablaremos del concierto en una próxima reseña sobre el LEM de este año, de momento ahí van dos clips con la totalidad del concierto (por cuestiones de la cámara la primera toma se interrumpió a unos minutos del final, pero reemprendimos con la segunda muy rápidamente).

Tod@ saxofonista lleva un pequeño hortera dentro

2011-10-26T00:55:00.013-06:00

¡¡¡Uyyy, señores míos, cuando la otra noche les solté esta mi teoría a un puñado de los miembros de Sin Anestesia!!!
Excepto uno que lo admitió (no diré nombres), el resto comenzó a biliar por la boca en un incomprensible galimatías.
Bien, les digo yo a tan airados saxofonistas, mañana tendréis la oportunidad de resarciros y restregarme por la cara mi infame teoría.

Sin Anestesia, con pequeños cambios. Faltarán Albert Cirera y Xavier Díaz Herrera, y en su lugar vendrá un saxofonista de la segunda serie MISP, Miguel Villar 'Pintxo'. Así pues, el line up será el siguiente:

Ferran Besalduch (saxo bajo)
Tom Chant (saxo soprano)
Don Malfon (saxo barítono)
Agustí Martínez (saxo alto)
Pep Pascual (saxo tenor)
El Pricto (saxo alto)
Lluís Vallès (saxo barítono)
Miguel Villar 'Pintxo' (saxo tenor)
Liba Villavecchia (saxo soprano)

Será dentro de la programación del LEM 2011.
Jueves 27 de octubre.
Será prontito, a las 18 horas (la hora del chocolate con churros para los menores y de los coñacs para los adultos).
Lugar:
Centro Cívico El Coll - La Bruguera
calle Aldea, 15

Que yo sepa quedan cerca paradas de los autobuses 28 y 87.
Y, un poco más lejos, de las líneas de metro 5 (estación El Coll/La Teixonera) y 3 (estación Vallcarca).

En el siguiente enlace encontraréis la manera de llegar. Sólo tenéis que poner el origen

http://w10.bcn.es/APPS/ComAnar

¿Por qué me gusta Mas Falgars?

2011-10-25T09:41:00.002-06:00

¿Por qué me gusta "Mas Falgars", el tema de Paul Stouthamer al que ya hemos dedicado alguna entrada? Creo que estoy en disposición de explicarlo. Begin at the beginning. Al salir del concierto que la otra noche ofreció el Libas Traum Trio en el Festival LEM, coincidí con el amigo Rafa Zaragoza y nos fuímos a tomar algo. Rafa está pasando ahora por una circunstancia personal que me apena mucho, y de la que espero salga lo antes posible. La cuestión es que, como siempre que habló con él, me sorprende por la capacidad que tiene de explicar con mucha sencillez las virtudes de un músico o una música. Es un buen pedagogo.

En el bar surgió la cuestión de un documental de Jordi Turtós sobre la movida layetana que se va a estrenar en breve en el festival In-edit. El documental se llama como un famoso tema de la Orquestra Mirasol, "To de re per a mandolina i clarinet", que fue escrito por Xavier Batllés. Es un tema que Rafa conoce bien porque ya lo tocó en la época, y del que ya hemos hablado aquí. Así que de un modo fluido nos volvimos a encontrar hablando de este tema (para variar). Rafa expuso sintéticamente cuáles eran las principales cualidades de esta canción. Cómo a partir de una base rítmica muy simple, en realidad como un rhythm and blues de dominio público, va creciendo la pieza como una enredadera mostrándonos toda una serie de influencias, desde mediterráneas hasta brasileñas.

Al cabo de un rato se me ocurrió que a "Mas Falgars" le pasaba lo mismo. Vampirizando su teoría sobre el "To de re", traté de explicarle y explicarme por qué me gustaba. Y había algunas coincidencias importantes. Primero, la sencillez de ambas, aunque usen un patrón rítmico bien distinto. Después, el modo en que las dos piezas van 'llamando', si así se me permite decirlo, a todas esas influencias y aromas mediterráneos hacia el tronco del tema. Tal vez no sea nada nuevo resituar esa especie de bajo continuo que Stouthamer hace con el cello en un contetxo de pseudo música minimalista, o repetitiva, pero sí lo es el haber impregnado todo ello con esencias tan mediterráneas. Y eso es lo que a la postre me gusta de "Mas Falgars".

Una final

2011-10-24T04:47:00.024-06:00

Los neozelandeses haciendo su haka
frente a unos desafiantes franceses.
Prolegómenos de un gran encuentro.

Desde hace tres años, nuestro hijo D. juega a rugby. No somos una familia muy "deportiva" que digamos, pero esta circunstancia ha hecho que inevitablemente nos hayamos aficionado un poco a este deporte. Bueno, también vemos partidos de fútbol de vez en cuando, especialmente las finales o los considerados como "grandes citas", pero, entre nosotros, hemos de decir que no tenemos al fútbol como un deporte sino como un juego de patio de colegio.

Bach to rugby. Ayer finalizó la 7ª Rugby World Cup, o más comúnmente llamado "mundial de rugby". Y lo hizo con un partido espectacular: Nueva Zelanda (que jugaba como anfitriona) contra Francia (la eterna aspirante). Además de la tensión e importancia por ser una final, el partido iba a ser apasionante porque ambas selecciones se tienen cuentas pendientes. Son dos de las escuadras que practican un juego más excelso. Sus partidos son siempre choques bestiales. Y había un precedente anterior, la final jugada por ambos en el primer mundial, en 1987, que también se disputó en Auckland y que acabó con la victoria de los all blacks (como se llama a los neozelandeses). Así que iba a ser un partido con todos los ingredientes.

Y, en efecto, lo fue. Ganó Nueva Zelanda con un ajustado 8 a 7. El último tramo del encuentro fue agónico para los neozelandeses. Francia, ayer, desplegó un juego mejor y tuvo a los all blacks contra las cuerdas durante casi todo el partido. Llegaron a descentrar por completo a Piri Weepu, el medio melé titular de los all blacks, que hasta ese momento había realizado un mundial extraordinario. Un golpe de castigo frente a palos daría el triunfo a los anfitriones, ya que ambas selecciones sólo hicieron un ensayo cada una.

La trayectoria de ambos equipos durante el torneo ha sido bien distinta. Mientras Nueva Zelanda ha pasado por el mundial con un juego agresivo, de ataque y, más o menos, vapuleando a todos sus adversarios; la selección francesa ha ido de menos más. En la fase de grupos, jugaron casi todos los partidos con alineaciones no titulares, lo que casi les cuesta el paso a cuartos y lo que puso al entrenador, Marc Lièvremont, en el centro de todas las críticas. En cuartos de final la cosa cambió. Ya con el equipo 'A', por decirlo de algún modo, aplicaron un severo correctivo a Inglaterra y, aunque con algunos problemas, se desembarazaron de una de las revelaciones de este mundial, la joven y renovada selección de Gales.

No obstante la trayectoria ascendente de Francia, aún no habíamos visto de lo que en verdad son capaces (excepción hecha, quizá, del primer tiempo contra Inglaterra). Pero, los favoritos, por el rugby que habían practicado y por jugar en casa, seguían siendo los neozelandeses. Aunque, ya lo dicen los que entienden de esto, si alguien podía aguar la fiesta a Nueva Zelanda esos eran los franceses.

Finalmente se impuso la lógica y se llevó el mundial, merecidamente, Nueva Zelanda, por más que ayer jugará mucho mejor Francia. Cosas del deporte, ya saben.

Ni que decir se tiene que en casa íbamos con Francia.

Al margen de todo esto, queríamos decirles que el tema de los comentaristas deportivos es crítico en cualquier deporte, no es cosa sólo del fútbol. Hablan por hablar y a duras penas, también se equivocan, son parciales, etc. etc. Así que ayer decidimos disfrutar el match con el único comentario de "La pasión según San Juan", de Bach, en la espléndida versión grabada por John Eliot Gardiner, The Monteverdi Choir y The English Baroque Soloists para el sello Archiv Produktion.

Ahí va el aria "Es ist vollbracht!"...

MISP II: Don Malfon

2011-10-23T05:44:00.005-06:00

Barcelona, 12 de julio de 2011

Saxo barítono Selmer Mark 6
Boquilla, Berg Larsen 110
Caña, Rico Plasticover 3 ½

Don Malfon, aka Alfonso Muñoz (Hospitalet de Llobregat, 23 de marzo de 1978)

Otras cañas: saxos alto y soprano
Escena: Barcelona
En la red: donmalfon.wordpress.com
Proyectos: Filthy Habits Ensemble, IED8, Banda de improvisadores de Barcelona (BIB), Planeta imaginario, Sin anestesia, etc
Discografía: Unmatched Series - Zappa tributos Vol. 11: King Kong (Filthy Habits Ensemble; Hall of Fame Records, 2010), Live at 23 Robadors 25/03/2010 (IED8; Audition Records, 2010), Optical delusions (Planeta imaginario; Cuneiform, 2011), Saturnal (October equus; Altrock, 2011), Intervención mecánica (Sin anestesia; Discordian records, 2011)

Entrada etiquetada como MISP II.

La historia de Suck Electrònic Enciclopèdic

2011-10-22T06:41:00.011-06:00

Por fin Juanjo Sánchez comienza a publicar su anunciada historia sobre la banda de Barcelona Suck Electrònic Enciclopèdic, una formación experimental, poco conocida, con un aura de misterio alrededor de ella, y que funcionó entre mediados de los años 70 y mediados de los 80. Hace unos meses anunciamos aquí una interesante entrevista que el mismo Juanjo había hecho a Jordi García, fundador y líder de la banda. Ya entonces, Juanjo se despedía anunciando esta historia que es el resultado de haber hablado con muchos de los ex miembros o bien implicados en diferente modo con el grupo. He leído esta primera parte, y les puedo asegurar que contiene todos los elementos de uno de esos relatos que tanto nos gusta en el hotel, con toques de surrealismo ibérico, humor, y apuntes sociológicos y del "rollo" de la época.

Es en La web sense nom y se publicará por entregas, como los folletínes de Dickens. Ahí va la primera...

Libas Traum Trio, BCN, 20-X-2011

2011-10-21T02:07:00.004-06:00

Libas Traum Trio: Liba Villavecchia, saxos; Paul Stouthamer, cello; Caspar Hodgkinson St. Charles, batería.
20 de octubre de 2011, en La Fontana de Gràcia.
16º Festival Internacional de Música Experimental LEM.

Dos instantes. Cada vez mejores.

Duot, BCN, 19-X-2011

2011-10-20T09:42:00.006-06:00

Ayer empezó el LEM 2011, con menos días que en anteriores ediciones. Una tendencia constante, y preocupante, a la baja: este año sólo habrá 10 días de programación, mientras que en los dos anteriores (2010 y 2009) hubo 17, y en 2008 fueron 24 los días en que hubo propuestas del festival. Cosa de la condenada crisis, claro.

Duot (Albert Cirera, saxo tenor, y Ramon Prats, batería), en el Espai E^art, y dentro de la programación del 16º Festival Internacional de Música Experimental LEM, Barcelona, 19 de octubre de 2011.

Tres breves clips (ya habrá reseña de lo visto en todo el festival).

Perucho's, BCN, 15-X-2011

2011-10-19T06:30:00.005-06:00

Business is business and progress is progress.

Una tarde ajetreadamente bíblica

2011-10-18T14:28:00.019-06:00

La tarde de ayer fue encantadora. La pasamos junto a los ex miembros de Moisés Moisés en casa de uno de ellos, Pep Pascual.
La razón era la preparación de un nuevo trabajo sobre este poco conocido e indispensable grupo barcelonés que aparecerá dentro de la serie BDM (Barcelona Documentos Musicales) del sello La Olla Expréss. No hace ni medio año que terminamos con la reedición del disco de Perucho's, que inauguraba los BDM, y la infatigable Eli Gras ya nos ha puesto a todos a trabajar de nuevo (estaba también en representación del sello Serapi Soler). Y no me extraña, pues el anterior nos lo ha pedido hasta la Library of Congress.

Moisés Moisés, a los que ya dedicamos una breve entrada, fue un grupo (un trío, en esencia) que funcionó durante unos 4 años, aproximadamente entre junio de 1987 y agosto de 1991, fecha en la que un accidente acabó prematuramente con la vida del fundador, Conrado T. Costa.
Ya hablaremos de ellos lo que haga falta en la edición, pero de momento querríamos poner unas fotos de la reunión de ayer. Una reunión que, insistimos, fue entrañable (ver el reencuentro de amigos siempre lo es, por más que algunos de ellos se sigan viendo con asiduidad) y divertido (un capazo de anécdotas, algunas de ellas de rechupete).

Para situar a los clientes del hotel, haremos una cronología de las formaciones (las fechas son aproximadas):

Verano 87 / verano 89: Conrado T. Costa (guitarra), Pep Pacual (saxos alto y soprano y clarinete), Oriol Perucho (batería).

Verano 89 / verano 90: Conrado T. Costa, Pep Pascual, Jordi Golmayo (batería).

Verano 90 / verano 91: Conrado T. Costa, Eduard Altaba (contrabajo), Quicu Samsó (batería), y colaboraciones puntuales de Pep Pascual y, tal vez, de Benet Palet (trompeta).

Su técnico de sonido oficial y oficioso fue Paco Pi.

Y ahí van las fotos:

Primera y segunda: Jordi, Oriol, Pep y Paco.

En el estudio, oyendo directos: Pep, Jordi, Paco (sentado) y Eduard.

En animada charla: Jordi, Paco, Eduard, Pep (al fondo) y Oriol.

La jefa de la Olla, Eli Gras, con Quicu y Oriol.

Los tres baterías, que no saben ni como entraron: Quicu, Oriol y Jordi.

La familia al completo: Paco, Eduard, Jordi, Oriol, Pep y Quicu.

Hay que lamentar que no estuviera Conrado, que había sido el factótum de todo.
Indefectiblemente el trabajo que acabamos de iniciar estará dedicado a él.

MISP II: Sergi Rovira

2011-10-16T03:28:00.004-06:00

Barcelona, 7 de julio de 2011

Saxo tenor Selmer Mark 7
Boquilla, Guardala
Caña, Rico Select Jazz 3 Hard

Sergi Rovira (Barcelona, 12 de septiembre de 1979)

Otras cañas: saxos alto y soprano
Escena: Barcelona
En la red: myspace.com/sergirovira
Proyectos: Always Drinking Marxing Band, Tarannà y Tarannà + Cobla, Trio Leng, Nº 1 en USA
Discografía seleccionada: Oda al folklore (Tarannà + Cobla; autoeditado, 2011)

Bonus

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Pelayo Arrizabalaga y Agustí Martínez, l'Hospitalet de Llobregat, 11-X-2011

2011-10-13T06:48:00.017-06:00

Pelayo F. Arrizabalaga y Agustí Martínez, saxos altos.
TePeKaLeSOUND, L'Hospitalet de Llobregat.
11 de octubre de 2011.

Una reunión muy esperada por todos. Improvisaron y emplearon algunas de las partituras gráficas de Pelayo.

Un concierto de tomo y lomo. No hay más que añadir.

Agustí y Pelayo (foto: Manuel Martínez)

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DECONSTRUCTING PACHI: Antes, o después del concierto, no lo recuerdo con exactitud, Agustí y Pelayo comentaron que la sesión le gustaría a Pachi Tapiz. En efecto, hubiera tenido una sobredosis de dos admiradores de Braxton.

Subwoofers, BCN, 8-X-2011

2011-10-12T13:51:00.006-06:00

Jack Torrance goes business.

Una verdad como un puño

2011-10-12T02:37:00.004-06:00

–¿Sabe usted –le preguntó–, lo que dijo un día el gobernador de Carolina del Sur al de Carolina del Norte? «Me parece –dijo este profundo pensador–, que el tiempo que media entre dos copas de aguardiente es siempre demasiado largo.»

Michael a Pitman en las Aventuras de un cadáver (The wrong box), de Robert Louis Stevenson (traducción: Gerardo Escodín; editorial Bruguera, 1981).

MISP II: Miguel Villar 'Pintxo'

2011-10-09T02:50:00.003-06:00

Barcelona, 5 de julio de 2011

Saxo tenor Selmer Mark 6
Boquilla, réplica en pasta hecha por Phil Inger de una antigua Otto Link 7*
Caña, Alexander Superial 3

Miguel Villar 'Pintxo' (Pamplona, 16 de enero de 1977)

Otras cañas: saxos alto y soprano
Escena: Barcelona, Pamplona, Euskadi
Proyectos: Robadors 23 Trío, Jaume Llombart Sextet, Asociación Libre Orquesta (ALO), Melodic Workshop de Joe Smith
Discografía seleccionada: Colorista (Giulia Valle; FSNT, 2004), 9 muses (Sergi Sirvent; FSNT, 2004), Zalamea (The Heckler; Errabal, 2007)

Alternate take

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Pelayo Arrizabalaga y Agustí Martínez

2011-10-08T02:42:00.012-06:00

El próximo martes, 11 de octubre, tendrá lugar por fin un concierto que ha costado un poquito organizar. Será un dúo de saxos, así que está en nuestra línea. Dos altos, para más señas: Pelayo F. Arrizabalaga y Agustí Martínez. Los problemas que mencionamos tuvieron que ver sobre todo con el hecho de que Pelayo vive en Suiza, o sea que había que pillarlo al vuelo. Pero, por fin, unos cuantos mails permitieron concretar lugar y fecha:

11 de octubre, a las 20 horas
TePeKaLeSound (TPK Arts Plàstiques i visuals)
Avenida Josep Tarradellas, 44 (edificio tras el C.C. Tecla Sala)
L'Hospitalet de Llobregat
Metro Línea 1 - Torrassa

Agustí y Pelayo son de la misma generación. No puede decirse que hayan desarrollado carreras paralelas, pero sí que hoy tienen un bagaje similar. Ambos se formaron profesionalmente en los años 80 (Agustí en Barcelona, Pelayo en Madrid). Los dos han pasado por todo tipo de géneros, desde el jazz hasta el rock o la música experimental. Formaron parte de dos grupos de vanguardia muy característicos en su momento (Pelayo en Clónicos, años 80 y principios de los 90; Agustí en Le Diablo Mariachi, finales de los 90 y principios de siglo). A ambos les gustan las partituras peculiares, y tienen tanto interés en Braxton como en Stockhausen. Los dos, además, tienen grabaciones de saxo alto solo.

Agustí ha grabado dos discos de saxo alto sin acompañamiento, Are spirits what I hear? (Etude records, 2007) y Doubts of the reason (autoeditado, 2010). Pelayo grabó en 2006 el cd Alto saxophone solos con la idea de editarlo, pero al final se echó atrás y ahora sólo reparte copias personalmente.

Vamos a poner un par de temas, uno de cada uno de ellos. En primer lugar, "Exploración", de Pelayo, que es el corte que abre su cd. A continuación, "Liner", de Agustí, que pertenece al segundo de sus cds, Doubts of the reason.

La verdad es que puede ser un concierto de lo más interesante. Un duelo en la cumbre, on the top of the world, o como quieran llamarlo. Y será gratis encima, así que todo un lujo. Repetimos, todos aquellos interesados en la música y en el saxo en particular, deberían venir.

All best!

Mea culpa: Jan Palach (1948-1969)

2011-10-08T01:27:00.018-06:00

Ayer recibí un comentario que me ha hecho reflexionar. Alguien, anónimo, me hizo ver un error que había cometido, y lo hizo con amabilidad. Primero de todo quiero expresarle mi gratitud.

Ahora vamos a contar los pormenores de la entrada y del error, que creo que pueden ser de utilidad general. El error lo cometí a finales de agosto del año pasado, al volver de vacaciones. Fue en una de las entradas que etiqueté como český post, "entradas checas", y que hice con motivo de mi entonces reciente viaje a Praga. Es una entrada que se llama "Jan Palach (1948-1969)", y en ella quise hacer un modesto homenaje al estudiante de filosofía que el 19 de enero de 1969 se quemó a lo bonzo para protestar por la entrada de las fuerzas soviéticas en Praga en agosto de 1968. Quise homenajearlo a él, ya que yo también fuí estudiante de filosofía y tampoco acabé la carrera, aunque me temo que no tengo el valor para hacer lo que él hizo; y quise homenajear también a Nanni Moretti, el director de cine italiano que en una de sus películas, Caro diario, recorre con su scooter el lugar en el que fue asesinado Pier Paolo Pasolini. A mí esa parte siempre me ha gustado, pues me parece que Moretti fue muy generoso al invitarnos a visitar con él esa zona suburbana de Roma que de otro modo mucha gente no habríamos visto nunca.

Así que quería hacer un plano que recorriera, más o menos, el trayecto que hizo Jan Palach el día que se autoinmoló en la gran plaza de Wenceslao de Praga. Además, si no recuerdo mal, esa entrada la pensé unos días antes de visitar esa zona de Praga. Es decir, ya sabía que quería hacer ese plano con la cámara para luego hacer una entrada.

De vuelta a Barcelona, una vez me puse a hacer las distintas entradas de los český post, recuerdo que quería poner el clip y un breve texto. Esa era la primera idea. Pero, entonces, cometí el error. En lugar de realizar esa primera idea (que normalmente son las buenas), me lié y por curiosidad empecé a mirar por Google cosas relacionadas con Jan Palach. Entonces, supongo, encontré una foto y la colgué. Quisé "ilustrar" (¡qué palabreja de mierda!) un poquito más la entrada, como si hiciera falta ilustrar una entrada de la gravedad y seriedad de esta. Era una foto en blanco y negro y supongo que me la colaron como de Jan Palach. Bien, pues no es de él. Este contribuyente anónimo me ha dicho que la foto es del polaco Ryszard Siwiec, que se pegó fuego en Varsovia en 1968 por parecidas razones. Lo he comprobado, y es cierto. Copio el comentario, está en inglés, pero se entiende perfectamente:

This picture above shows the self-immolation of Ryszard Siwiec in Warsaw in 1968. In similar time, for similar reason, but it's not Jan Palach. Regards!

Bien, ¿qué podemos extraer de todo esto? Pues al menos dos cosas importantes. Pensar en las primeras ideas como una buena base. Analizar todo lo que se piense a partir de ellas para ver si el motivo es para realmente mejorar la primera idea o simplemente para hacerla más bonita. Y, en este último caso, desechar por sistema todo aquello que no aporte nada sustancial a la idea.

Y la segunda cosa que podemos extraer, que todos sabemos de sobras pero en la que seguimos cayendo, es la de no fiarnos del Google ni de otros buscadores. No es una buena manera de encontrar cosas, ni es una buena manera de trabajar. Se lo digo a mi hijo cuando ha de hacer trabajos para el cole. (Recuerdo que fue en Praga cuando mi hijo y yo vimos por primera vez una camiseta que ustedes habrán visto, y cuya divertida leyenda es "Fuck Google, Ask me". ¿Premonitorio?). Lo sabemos, pero seguimos cayendo en ello.

Ahora voy a ponerles la entrada como debía haber aparecido en su momento. Y daré un dato curioso: la entrada sobre Jan Palach ha sido la segunda más vista de este blog, con mucha diferencia sobre la tercera. Lo cual me sorprende, pues es una entrada que hice sin ninguna pretensión. Era una entrada estival, un poco como de relleno. Bien, pues ahí va corregida (y no aumentada):

El 19 de enero de 1969, el estudiante de filosofía Jan Palach se prendía fuego en la escalinata del Museo Nacional de Praga, frente a la inmensa plaza de Wenceslao, en protesta por la entrada en la capital checa de fuerzas del Pacto de Varsovia que habían llegado el 21 de agosto de 1968 con objeto de reprimir el ambiente y las ansias de libertad que se habían generado tras la Primavera de Praga.

A Nanni Moretti.

Creciendo...

2011-10-07T04:19:00.011-06:00

Ayer recibimos un comentario de Don Ángel Lalinde, un viejo amigo (compartimos piso hace una porrada de años... ¿te acuerdas?) y un gran artista (y sé que esta palabra no le gusta mucho a él) gráfico. El objeto de su comentario, que hizo en la entrada que hace unos días dedicamos al fen suey, era el de brindarnos unas fabulosas imágenes que ha colgado en su blog Memoria salada (un blog de lo más recomendable, donde periódicamente Ángel va poniendo cosas que forman parte de su inclasificable trabajo). Su gesto es de una generosidad sustantiva, y si no vean las dos entradas que ha hecho y las imágenes que contienen. Véanlas en las ventanas emergentes, véanlas detenidamente y luego vuelvan aquí...

Mi taller 1

Mi taller 2

¿Saben lo que he sentido al ver sus fotografías? Respeto. Admiración. Me he sentido pequeño. Poca cosa. He visto que me queda tanto por aprender. Pero, al mismo tiempo he sentido gratitud porque me he dado cuenta de que todavía hay gente en la que inspirarse. Sí, amigos, hay personas que tienen que ser nuestros faros en cualquier ámbito de la vida humana. Y, sin duda, el licenciado Lalinde se nos ha mostrado con toda su luz, con magisterio, valentía y sin ambivalencia alguna. ¡No saben lo orgullosos que estamos de que alguien como él nos haya dedicado tamañas entradas! ¡Gracias, Ángel!

Y ahora, desde la humildad, vamos a aportar un nuevo granito de arena a esta nuestra noble causa.

¡Amigos, no flaqueemos! ¡No permitamos que nos digan cómo conducir nuestros asuntos! ¡Peleemos nuestra libertad! ¡Defendamos estas manifestaciones únicas de creatividad, de ingenio, de fecundidad y de trabajo!
Basta de dictaduras domésticas ¡¡¡ahora!!!

MUT Trio, BCN, 3-X-2011

2011-10-06T01:16:00.005-06:00

MUT Trio: Miguel Fernández, saxo tenor; Albert 'Tito' Juan, guitarra eléctrica; Oriol Roca, batería.
Robadors 23, Barcelona, 3 de octubre de 2011.

La crónica en Tomajazz.

En breve aparecerá su segundo trabajo. Pero si quieren escuchar o descargar el primero, pueden hacerlo aquí.

Agua, movimiento

2011-10-06T00:09:00.008-06:00

En La Vanguardia de ayer, entrevista con Takashi Asano, un ambientalista (no de música sino de medio ambiente) pionero en las técnicas de reutilización del agua. Es presentado como "gurú del reciclaje del agua" (!?!?).

Leo. "Beberemos y desbeberemos la misma agua mil veces", se foguea. "El agua irá del váter al grifo, y si quiere puede usar esta frase como titular", recomienda al periodista. "Soy ingeniero y sería exacto precisar que el agua de su váter, después de ser saneada y potabilizada, volverá a ser utilizada como agua de boca".

Objección: el periodista no sabe si bebería de eso. "Usted tiene un prejuicio cultural. Lo ha de superar porque está juzgando el agua no por su calidad sino por su historia".

Esto último me tiene absorbido durante media mañana.

La cosa es que técnicamente ya se puede hacer. El agua, tras pasar varias veces por el inodoro, se podrá volver a beber. "Podemos coger agua del alcantarillado y con el procesamiento adecuado convertirla en agua perfectamente limpia, inodora, segura, potable y con buen gusto."

"Beberemos y desbebebremos la misma agua mil veces".

Me pregunto qué será ahora del fragmento 12 de Heráclito: "Aguas distintas fluyen sobre los que entran en los mismos ríos. Se esparce y... se junta... se reúne y se separa... se acerca y se va".

Minicentrofilia en Internet archive

2011-10-04T03:14:00.002-06:00

Para quien quiera oír completa la pieza que el sábado pasado hicieron en directo los amigos de Sin Anestesia, puede hacerlo en esta página de internet archive.

½ Sin Anestesia + 2 baterías, BCN, 1-X-2011

2011-10-03T00:22:00.015-06:00

Sin Anestesia sigue su andadura. A veces con todos los efectivos (10), otras, como esta, tan sólo con parte de ellos (5).
De la mano del Pricto, la formación se puede convertir en una unidad de intervención, una de cuyas preocupaciones principales es la exploración acústica de cada espacio, para desde ello llevar a cabo una sesión sonora envolvente y no exenta de algo de artificio alucinatorio.

Los puntos de partida, que ya han desarrollado en otras ocasiones, suelen ser sencillos: unos cambios de acordes que va señalando el director, y unas pocas notas con unas indicaciones de ejecución muy generales, lo que permite al grupo ir esculpiendo una especie de bola de sonido en constante rotación, con variaciones tímbricas, cambios cromáticos, y con interminables procesos de adición y sustracción.

La música resultante (y sus efectos) son impredecibles. Y, por supuesto, irreproducibles. Irregistrables. Inexplicables. Hay que estar ahí en el momento, ese es su último y máximo sentido.

El otro día presentaron la obra "Minicentrofilia", del Pricto, una obra en parte compuesta y en buena parte improvisada, concebida "especialmente para espacios reverberantes de centros cívicos y bibliotecas catalanes." Aunque, como apunta Pricto, "también funciona en gimnasios."

El pasado sábado fueron dos saxos altos (Agustí Martínez y el propio Pricto), dos tenores (Lluís Vallès y Liba Villavecchia) y un saxo bajo (Ferran Besalduch). Les acompañaron en esta ocasión dos baterías tocadas por Vasco Trilla y Joni Garlick.

Tuvo lugar en el Equipament Pou de la Figuera, junto al Forat de la Vergonya, en la Ciutat Vella de Barcelona, y dentro del Ciclo Experimentación Sonora. Por los motivos arriba aducidos, vamos a colgar sólo un par de clips, remarcándoles que en nada hacen justicia a lo allí acontecido.

MISP II: Feliciano García Zecchin

2011-10-02T01:10:00.005-06:00

Barcelona, 1 de julio de 2011

Saxo tenor Conn
Boquilla, Otto Link 8
Caña, Rico Royal 4

Feliciano García Zecchin (Buenos Aires, 6 de junio de 1975)

Otras cañas: clarinete
Escena: Barcelona
En la red: felicianogz.com, myspace.com/felicianogz
Proyectos: Selva de Mar, El arte de volar, ¿#?, buscar, tocar y hacer flautas de todo el mundo
Discografía: 1 (¿#?; autoeditado, 2009), Club Eden (Selva de Mar; Whatabout-music, 2009), 2 (¿#?; autoeditado, 2010), Posible repertorio en estructura piramidal (El arte de volar; autoeditado, 2011)

Entrada etiquetada como MISP II.

Lasse Marhaug en BCN

2011-09-27T08:14:00.007-06:00

Mañana se estrellará por aquí un artefacto ruidoso y metálico, y no serán los restos del satélite estadounidense que quedó a la deriva sino el noruego Lasse Marhaug.
Marhaug es un tipo al que no sabríamos como clasificar: músico, artista, terrorista sonoro... Pensábamos presentarlo con un breve texto pero, entre que estamos ociosos y que no necesita comentario alguno, hemos decidido que pondremos un track suyo y aire. Se trata de un tema de hace ya bastantes años, de 1995, editado originalmente en cinta de cassette, y recuperado en su caja de cuatro cds Tapes 1990-1999. Y, aunque es un tema viejo, no se preocupen, porque el tipo en esencia no ha perdido su carácter.

Se llama "Eurotrash", y el nombre ya lo dice todo (creo):

Lasse Marhaug en concierto, junto a Lorenzo Senni:
Miércoles 28 de septiembre, a las 21 h.
Sala Moog
Arc del Teatre, 3 (Barcelona)
Organiza: l'ull cec.

A oír alto y colocao...

2011-09-26T11:36:00.003-06:00

... e non c'è altro da aggiungere...

Rudresh Mahanthappa: "Parakram #2", de Samdhi (Act, 2011).

Gian Maria Volonte, de Mickey Finn + Cuong Vu

2011-09-26T01:07:00.013-06:00

Un buen homenaje de los italianos Mickey Finn a Ennio Morricone. Es el tema "Gian Maria Volonte", del disco Gagarin!, que Mickey Finn + Cuong Vu editaron en 2009 para el sello/colectivo del norte de Italia El Gallo Rojo, una gente que están haciendo las cosas muy, pero que muy bien. Es un grupo de músicos que han formado algo más que un sello, se han unido para compartir una manera de entender la música (desprejuiciada, abierta, pero rigurosa al mismo tiempo) y, lo que no es menos importante, compartir también recursos, buscando la profesionalidad sin tener que claudicar de nada.

Giorgio Pacorig (teclas), Enrico Terragnoli (guitarras), Danilo Gallo (bajos), Zeno de Rossi (percusión), acompañados para la ocasión por el trompetista Cuong Vu.

MISP II: Sisu Coromina

2011-09-25T02:20:00.007-06:00

Barcelona, 30 de junio de 2011

Saxo tenor Cannonball
Boquilla, Meyer 6
Caña, La Voz medium hard

Sisu Coromina (La Bisbal d'Empordà, Girona, 8 de enero de 1981)

Otras cañas: saxo alto
Escena: Barcelona, Penedès
En la red: experimenttaranna.com, myspace.com/experimenttaranna
Proyectos: Tarannà, Tarannà + Cobla i Agustí Fernández, Gurth
Discografía seleccionada: Pintades d'amor i de guerra (Tarannà; Bankrobber, 2009), Oda al folklore (Tarannà + Cobla; autoeditado, 2011); Optical Delusions (Planeta imaginario; Cuneiform, 2010), BSO de A la colònia penitenciària (cortometraje de animación de Daniel Pitarch y Marcel Pié)

Entrada etiquetada como MISP II.

Puigdemasa - Williams - Tàsies, BCN, 21-IX-2011

2011-09-23T08:52:00.005-06:00

Impronit #32.
Organiza: Gràcia Territori Sonor.
Berta Puigdemasa: arpa; John Williams: saxo barítono y trombón; Xavier Tàsies, percusión.
Elèctric Bar, Barcelona, 21 de septiembre de 2011.

La crónica del concierto en Tomajazz.

Y unos clips...

Ten points, John

2011-09-23T02:02:00.020-06:00

El amigo Pachi me avisa ayer de que esa misma noche en La 2 se pasará un documental sobre The Beatles. Es The Unseen Beatles (Los Beatles inéditos), un producción de 2007 de la BBC para su conocida serie "Time watch". Nada nuevo, la verdad. El consabido esquema de documental televisivo de siempre. Me aburre bastante.
Con todo, tiene la virtud de no querer abarcar toda la carrera del grupo, sino de centrarse en un aspecto, que es analizar el por qué al finalizar su tercera gira estadounidense en 1966, en pleno éxito, decidirán dejar de tocar en directo.
Sus tres giras por los EE.UU. (1964, 1965 y 1966) fueron extenuantes. Como dice alguien en el documental, "fueron giras a una escala que el mundo aún no concocía". Batieron algunos récords impensables en aquel momento (los 55.000 espectadores del Shea Stadium de Nueva York en 1965) y se puede decir con toda seguridad que de sus giras surgió buena parte del negocio de la música pop tal y como hoy lo conocemos.
En ese contexto, siendo unos verdaderos pioneros en una industria que aún estaba por hacerse, hubo muchos factores que los fueron desgastando. Por ejemplo, la mala organización de las giras (tanto de las americanas como en otros países, con algunas anécdotas que rayan el surrealismo), motivos personales (la presión mediática, pérdida de intimidad y el creciente mal rollo entre ellos), también musicales (según su jefe de prensa de la época, "tras el verando del 63, el volumen de sus fans hizo que no pudiera volvérseles a oír bien en directo nunca más"). Además, estaban las amenazas y boicots en sus pasos por Japón y Filipinas, así como en esa tercera gira por Norteamérica.
La guinda fue la quema de discos del grupo y la aparición del Ku Klux Klan en algunas ciudades del sur de los states, con motivo de unas declaraciones que John Lennon había hecho unos meses antes y que fueron sacadas de contexto. Se habían destacado frases del cantante como "en este momento somos más famosos que Jesucristo", o bien, "no sé que desaparecerá antes, si el rock'n'roll o el cristianismo".
Todo esto ocurría justo antes de iniciarse su tercera gira por los EE.UU., que concluyó el 29 de agosto de 1966 en el estadio de béisbol de Candlestick Park, en San Francisco, ante 25.000 espectadores. Como dice Barry Tashian, el cantante de los teloneros en esa última gira (que no eran otros que The Remains), "la industria musical se inventó quince minutos después de ese concierto".

Y entre todo ello, una perla (además de unos pocos Súper 8 agradables de ver). En la segunda gira americana, al poco de salir de las Twin Cities (Minneapolis-Saint Paul), se incendia un motor del viejo avión que los transportaba. Hay inquietud entre el pasaje, el peligro es real.
En esas que Lennon va hacia la puerta, como para abrirla. El periodista Larry Kane, que les acompañaba en la gira, le dice:

"No puedes abrir la puerta a 4.000 metros de altura, John".

"Me voy al cielo con Buddy Holly", le responde.

Genial. Ten points, John.

(Aún tenemos otra buena frase de él: "no hay nada más suave que el mástil de una Rickenbacker".)

Al cuerno con el Fen Suey ese o como quiera que se llame

2011-09-22T00:07:00.001-06:00

A veces me dicen, "qué horror, es un caos absoluto".

"Aquí se trabaja, joder", replico.

Desconfíen de la gente que tiene el escritorio ordenado y limpio, las cosas bien puestecitas y todo en su sitio.
Y al respecto, estoy dispuesto a hacer una declaración pública, escribir un manifiesto y hasta montar un partido político.