miércoles, 31 de octubre de 2012

Contra4teto


Sinestesia, segundo disco de los chilenos Contracuarteto.
Roberto C. Lecaros, contrabajo; Cristián Gallardo, saxo alto y flauta; Andrés Pérez, saxo tenor; Félix Lecaros, batería.
Reseña en Cuadernos de Jazz.

Y ahora la larga e hipnótica cabalgada de "F27" (Roberto C. Lecaros). Son 17 minutos y pico, pero sumérjanse en ella, vale la pena.

F27 by Contracuarteto on Grooveshark

sábado, 27 de octubre de 2012

Joan Saura Memorial Barbecue. Desserts, drink & the bill.

Y para terminar con esta serie conmemorativa, tres temas muy distintos y de distintas épocas. En primer lugar, una pequeña pieza que se nos coló el otro día en el bolsillo. Pertenece al disco recopilatorio músiques x coreografies del que ya hablamos en la segunda entrada de la serie. El tema es una breve composición -una viñeta o historieta, como se dice en el texto que lo presenta- que Joan escribió para Quomix, una obra de la compañía de danza BC.B, estrenada en 1989 y basada en los mundos iconográficos de los dibujantes Ana Juan y Guillem Cifré.

Se llama "El conyac" y está interpretado por el mismo Joan, a los teclados, y Pep Pascual, al clarinete.

 "El coñac: Malabarismos etílicos, arañas oníricas poblando la soledad yerma, entretejiendo la triste, legañosa modorra del bebedor atenuado, juegos de manos de los espíritus en delirio."

El conyac by Joan Saura on Grooveshark

Y a continuación, dos directos: uno de los primeros tiempos y el otro, el último que hizo.

Joan Saura con Rambla (1975). Foto: Nani Valls

Blay Tritono fue el segundo grupo importante en el que estuvo Joan, el anterior había sido Rambla. Justo aquí arriba hay una foto de él en 1975, tocando con ese primer grupo, una foto "de quan encara tenia cabell". Y esto no es ninguna broma macabra, ni mucho menos, es la frase que él mismo me dijo cuando me trajo la foto para que la escaneara (una prueba de esa fina, discreta y respetuosa ironía suya). Volviendo a Blay Tritono, Joan fue miembro desde sus inicios a finales de 1975 o principios de 1976. La mili le impidió estar en abril de 1976 en la grabación del único disco que publicó la banda, Clot 20, siendo sustituído por Víctor Amman. Con todo, el disco contiene dos composiciones de Joan, llamadas simplemente "Saura I" y "Saura II", y la primera de ellas tal vez sea la que todo el mundo reconoce y recuerda al mencionar este album. Puesto que el ejército español -como Dios- apretaba pero no ahogaba (interprétenlo esto en el sentido de que de vez en cuando se otorgaban permisos), Joan sí pudo estar presente en la actuación que Blay Tritono ofrecería en el segundo festival Canet Roc, el 7 de agosto de 1976.

Esto que oiremos a continuación es un breve extracto del concierto que registró Radio Nacional de España, y consiste en una especie de medley en el que suenan algunos de los temas de la banda (al principio, "Saura I"). Apareció publicado en el cd que completaba el catálogo y la exposición "Alter músiques natives" (1995).
Con respecto a Clot 20, además de por la presencia de Joan, el line up de la banda también se ampliaba con otro miembro, quedando así: Néstor Munt, trompeta; Vicenç 'Morgan' Calvo, trombón; Joan Josep Blay, saxos alto y tenor; Laura Tàpies, clarinete; Eduard Altaba, bajo; Quino Béjar, batería; y Víctor Amman y Joan, a los pianos acústico y Fender, respectivamente.

Saura 1 by Blay Tritono on Grooveshark

El pasado verano, concretamente el día 20 de julio, y dentro del Festival Grec, Cabo San Roque presentaba su espectáculo El run-run del nyigo-nyigo, que consistía en proponer a cuatro músicos que realizaran otras tantas piezas creadas ex profeso para su propio instrumento y la "orquesta mecánica de la França Xica". Los compositores, que también intervinieron en el espectáculo interpretando cada uno su propia composición, fueron Carles Santos, Pascal Comelade, Pierre Bastien y Joan Saura.

Ya muy enfermo pero con mucha entereza, Joan presentó e interpretó su composición para sampler y orquesta mecánica en directo junto a Cabo San Roque. Fue su última aparición en público:


----------

Esta va a ser la última entrada de esta semana de recuerdo. No queda más que decir, BON VIATGE!

Foto: Marianne

viernes, 26 de octubre de 2012

Joan Saura Memorial Barbecue (7). Today: Ball


Album (Música Secreta, 1998) fue el único disco que apareció únicamente a su nombre.
El otro día, al final de su funeral, se pudo ver un breve vídeo de Joan tocando el sampler y después explicando lo importante que para él era la música. Ya desde pequeño recordaba que todo lo relacionado con ella le gustaba, incluyendo las orquestinas que venían a tocar a su pueblo... y sobre esto, el clip fundía a negro.
En efecto, la música, toda, era importante para él y despertaba su curiosidad. Pero no únicamente la experimental o vanguardista, sino toda.
Album es un disco que hizo cuando ya tenía el sampler como principal instrumento, aunque no se puede decir que sea un disco exclusivamente samplerístico. Para hacerlo se rodeó de varios colaboradores, algunos muy distintos entre sí (Xavier Maristany, Agustí Fernández, José Manuel Berenguer, Nuno Rebelo). La música que contiene, por tanto, es bastante ecléctica en su conjunto (como la portada parecía indicar, un mosaico de distintas imágenes de fotomatón del propio Joan).
Vamos a elegir de Album, no un tema vanguardista o improvisado, sino "Ball", que es un dúo de violínes (que tocan Olvido Lanza y Pere Bardagí) que coescribió junto al guitarrista e improvisador portugués Nuno Rebelo, con el que ya había colaborado en diversas ocasiones.

Ball by Joan Saura on Grooveshark

Los títulos del disco están en varios idiomas, catalán, castellano, inglés. Así que "Ball" podría ser "bola" en inglés, o bien "baile" en catalán. En castellano creo que nada, a menos que fuera algún topónimo poco conocido. Yo me inclino por "baile". Además, la música en sí también parece decirlo: los dos violínes moviéndose sobre unos mismos pasos, con diferentes gestos a veces, aunque con sus movimientos obligados (unísonos). Tal que una pareja de baile. Quizá fuera un homenaje a la danza, una disciplina para la que había hecho tanta música (compuesta o improvisada). Además, el tempo recuerda a alguna(s) danza(s) o baile(s) popular(es). Tiene lógica que la escribiera con otro autor: tal vez cada uno de ellos se encargó de la evolución de cada uno de los bailarines/violines sobre una pauta marcada.

Concert d'orgue a Santa Maria de Gràcia, BCN, 25-X-2012



Me hizo especial ilusión el concierto de ayer noche, ya que me permitía ver y oír por pirmera vez a Montserrat Torrent en riguroso directo. La señora Torrent es la gran dama del órgano. Nacida en Barcelona en 1926, es una concertista de prestigio mundial, maestra de varias generaciones de organistas, y pionera en la recuperación, allá por los años 60, del repertorio ibérico para órgano de los s. XVI a XVIII. Para decirlo de una forma llana, un concierto de ella, en el campo del órgano, sería como uno de cualquiera de los grandes concertistas de piano o violín que pululan por ahí (lo que pone de manifiesto el desconocimiento y falta de interés general que hay sobre el mundo orgánico).
Hoy se ha brindado a tocar en la parroquia de Santa Maria de Gracia, en el segundo de los conciertos de la décima edición de los "Concerts d'orgue a Santa Maria de Gràcia", de los que ya hablamos a cuenta del primero de los conciertos el pasado mes de agosto.
No es casual ni gratuito que la señora Torrent toque en Santa Maria de Gràcia, pues ella contribuyó activamente con el organero holandés G.A.C. de Graaf en la construcción de este órgano y lo inauguró en febrero de 1974, además de haber tocado y practicado en él infinidad de veces.

Como pueden ver en el programa que he puesto aquí arriba, la señora Torrent planteó su concierto como un somero viaje cronológico a través de las distintas estéticas organísticas. El primer barroco estuvo representado por una pieza de Joan Cabanilles y otra de Alessandro Scarlatti. No obstante, dos formas sensiblemente distintas de afrontar esta estética. Más recogida, parca, y hasta cierto punto, solemne, la del valenciano (como buen representante del órgano ibérico). Mientras que por parte del italiano Alessandro Scarlatti, un poco posterior, encontramos unas maneras un poco más luminosas, con un mayor juego de colores (en una pieza, no obstante, que lleva por título "Partite sulla Folia di Spagna").

El siguiente autor era, inevitablemente, Bach. Con él todo adquiere una complejidad y una riqueza muy importantes, no sólo musicalmente, sino en lo que respecta a la propia técnica del órgano. Genial improvisador y excelente organista, su música forzará a los organeros a aumentar el número de notas del teclado de pedal, enriqueciendo grandemente a partir de entonces las posibilidades expresivas del órgano. En esta "Fantasia" pudo apreciarse la amplitud de recursos que ya entran en juego, tanto por lo que respecta al empleo de registros como al uso más activo del pedalero, con el bajo continuo.

El romanticismo estuvo repersentado por una pieza de Mendelssohn de notable dificultad, la "Sonata nº 2 en do menor". Para su ejecución, la concertista necesitó de asistente para manejar los cambios de registros. El órgano romántico trajo una óptica más orquestal, en sintonía con los cambios musicales que se estaban experimentando en la primera mitad del siglo XIX, y por tanto una búsqueda de sonoridades nuevas. Se prescindirá de algunos juegos típicos del barroco, mientras que aparecerán otros específicos de este período. De ahí la dificultad de hallar un instrumento en el que puedan interpretarse indistintamente piezas barrocas y románticas. En este sentido, la selección de la concertista también sirvió para poner de manifiesto la ductilidad de este especial órgano "neobarroco" de Santa Maria de Gràcia.

Y, finalmente, llegábamos al siglo XX con dos piezas de dos autores muy distintos entre sí. En primer lugar, el "Obstinat" del catalán Xavier Montsalvatge, pieza de estética muy moderna y tocada de un lirismo quasi minimalista. Por su parte, el francés Maurice Duruflé representaba una tendencia muy distinta aunque también netamente del XX. Este compositor y organista forma parte de esa gran tradición organística francesa que arranca a finales del XIX y llega, bien bien, hasta el tercer cuarto del XX, y de la que fomarían parte nombres como Charles Tournemire, Charles-Marie Widor, Marcel Dupré, Jehan Alain, o el mismo Olivier Messiaen (todo y ser éste un caso aparte en todos los sentidos). El "Preludio y fuga sobre el nombre de Alain" es una pieza exuberante, en el sentido de muy integral y completa tanto técnica como artísticamente, y como suele ser habitual en las obras de esta escuela, se explota al máximo los recursos expresivos que puede ofrecer el órgano.

Una vez conluido el programa, y tras una gran ovación, la señora Torrent regalaba un 'bis' a los asistentes interpretando un "Tiento" del castellano Antonio de Cabezón, uno de los maestros del órgano ibérico que ella tan bien conoce. De este modo, se cerraba el círculo que se había iniciado con Cabanilles.

Toda una lección de historia del órgano impartida por la señora Torrent, al tiempo que una buena muestra de las posibilidades del magnífico órgano De Graaf, que en breve cumplirá su 40ª aniversario.

Para acabar, voy a poner de nuevo la registración de este magnífico instrumento, y a recordarles que el tercer y último concierto de los "Concerts d'orgue a Santa Maria de Gràcia" tendrá lugar el próximo día 22 de noviembre, festividad de Santa Cecilia, y correrá a cargo del organista vasco Ignacio Echevarrieta.


jueves, 25 de octubre de 2012

Joan Saura Memorial Barbecue (6). Today: Espai 2


El Trio Local lo formaron en 1998 el pianista Agustí Fernández, el saxofonista Liba Villavecchia y Joan Saura. Surgió como parte de la actividad que llevaban a cabo en el seno de la asociación IBA (Improvisadores de Barcelona Asociados). Editaron tres discos, el primero, homónimo (autoeditado por IBA, 2000) y grabado en directo; Trio Local + (Dewdrop Recordings, 2002), grabado en estudio; y Vitralls (Agharta Music, 2010), de nuevo en directo, en la Sala de Cambra del Palau de la Música.

"Espai 2" pertence al primero de ellos. Los conciertos a partir de los que se confeccionó el disco fueron capturados los días 6 y 7 de marzo de 1999 en l'Espai de Barcelona. Aquí, precisamente, Agustí al piano y la pequeña percusión, Liba al saxo soprano y Joan al sampler.
No es nada casual que este primer trabajo fuera registrado en un lugar que estaba dedicado a la danza, como era l'Espai, pues ponía de relieve ese fuerte componente performativo que siempre tuvo esta formación. Los tres miembros por separado, además, ya habían trabajado muchas veces en contacto con ese medio.

Espai 2 by Agustí Fernández, Joan Saura, Liba Villavecchia on Grooveshark

Siempre he tenido la impresión de que si el Trio Local hubiera sido de otra localidad (por ejemplo, inglesa o alemana) hubieran tenido mucha mayor proyección. Me baso en cosas como este "Espai 2".

miércoles, 24 de octubre de 2012

Joan Saura Memorial Barbecue (5). Today: Ningú


Araki era un dúo que Joan tenía con la cantante Anna Subirana. Voz y sonido, el sonido que Joan creaba en las tripas de su instrumento, únicamente. Y sólo con ello, 13 dibujos estampados sobre papel de arroz, sutiles, quebradizos.
En el único cd que hicieron, publicado por el sello G3G en 2005, Joan utilizó muestras sonoras de lo más diverso, incluyendo de algunos músicos que él admiraba especialmente, como John Zorn, Miles Davis, Karlheinz Stockhausen, Nuno Rebelo o Agustí Fernández, entre otros.
El tema que escucharemos es "Ningú", que tiene un crescendo y una caída fantásticos por parte del sampler, casi como una montaña en el medio de la canción. Está inspirado en un haiku de Bashō que les gustaba mucho y que decía así:
Incluso al día siguiente
de la tormenta
los pimientos son rojos.

Ningú by Araki on Grooveshark

martes, 23 de octubre de 2012

O cinema de animação de Chagas, Curado e Viegas, BCN, 20-X-2012

El (wood)Wind trio de Paulo Chagas, Paulo Curado y João Pedro Viegas en el LEM 2012, contado en Tomajazz.


Joan Saura Memorial Barbecue (4). Today: Tramuntana


Vents, del dúo formado por Agustí Fernández, al piano, y Joan Saura, al sampler y electrónica, fue uno de mis discos preferidos de 2011. Un trabajo radical a la búsqueda de un lenguaje sonoro integral y autárquico.
Lo grabaron en varias sesiones entre julio de 2009 y febrero de 2010, en Sant Pere de Vilamajor, Barcelona. Editó el sello Psi Recordings (que comandan Evan Parker y Martin Davidson) en 2011.
"Tramuntana", el tema que escucharemos, lo he puesto a sugerencia de Agustí Fernández, pues "hace justicia al disco y, sobre todo, a la visión del sampler que tenía Joan." Es el tema que abre el disco. Un tema muy agitado, con dinámicas muy cambiantes, una auténtica tramuntanada.

Tramuntana by Agustí Fernández & Joan Saura on Grooveshark

La decisión de adoptar el sampler como instrumento principal la tomó Joan convencido de que por fin se hallaba ante una herramienta que le permitiría llevar a cabo todas aquellas ideas y planteamientos musicales que se proponía: explorar la materia sonora, crear paisajes acústicos, visiones sonoras. Un sentido casi óptico de la música que culminaba en este Vents, así como en los pocos sets en solitario que llegó a ofrecer.

lunes, 22 de octubre de 2012

Joan Saura Memorial Barbecue (3). Today: Xiulet y Grandi Donne


Hoy, dos pequeños botones del único disco que por el momento nos han dejado Les Anciens (publicado por La Olla Expréss en 2009).
Les Anciens era uno de los últimos proyectos de Joan. Una especie de "supergrupo", en una inevitable dimensión local, claro está. Aunque, pensándolo bien, no eran más que un "conjunto musical con amplia experiencia en el sector". Junto a Joan, sus amigos Eduard Altaba, Enric Cervera y Oriol Perucho.
Seguramente tenía algo de balsámico este proyecto para él.

Vamos a escuchar una composición de Joan, "Xiulet", y otra de los cuatro 'anciens', "Grandi Donne".

Xiulet by Les Anciens on Grooveshark
Grandi Donne by Les Anciens on Grooveshark

Música entrañable que cuando apareció el disco nos inspiró un texto un tanto 'marciano' que pueden leer aquí si lo desean.

domingo, 21 de octubre de 2012

Borah Bergman (1926-2012)

Foto: Peter Gannushkin

El jueves pasado fallecía en Nueva York otro de los nombres importantes del free jazz, el pianista Borah Bergman. Un pianista volcánico, hiperpercusivo y turbulento, con un estilo muy peculiar basado en la rapidez, la sobreutilización de la mano izquierda y las técnicas de cross-hands (manos cruzadas). Un pianista que tenía un flow excelente y que en en contra de lo que puediera parecer estudió en profundidad a clásicos del piano jazz como Earl Hines, Bud Powell o Lennie Tristano, entre otros. Un poco brutote, sí, pero nos gusta, qué le vamos a hacer.
No grabó muchos discos, especialmente a su nombre, y la mayoría los hizo a partir de los años 90 en sellos como Soul Note, Knitting Factory, Konnex, Boxholder, y más recientemente, en Tzadik. Desde entonces, grabó unas cuantas referencias en dúo o trío con músicos como Thomas Chapin, Andrew Cyrille, Evan Parker, Roscoe Mitchell, Hamid Drake, Thomas Borgmann, Peter Brötzmann, Anthony Braxton, Oliver Lake, Conny Bauer o Mat Maneri.

Recordémoslo con una pieza del disco Exhilaration, que firmó junto a Peter Brötzmann (que sólo tocó el saxo alto en él) y Andrew Cyrille. La pieza es uno de los 3 duetos que hizo con Brötzmann dentro del tema "'Man to Mann' Duos", concretamente el tercero, "103".

"Man to Mann" Duos - C. 103 by Borah Bergman/Peter Brötzmann/Andrew Cyrille on Grooveshark

Ha sido una semana aciaga para la improvisación, definitivamente.

Joan Saura Memorial Barbecue (2). Today: Existe tal lugar


Hoy toca un tema de Koniec que no pertenece a ninguno de los tres discos del grupo (Senza parole, 1985; "Ad Livingstone", 1992; Silenci en bla, 1993), sino que apareció en una recopilación titulada músiques x coreografies (Edicions Nova Era, 1993) que reunía composiciones de distintos autores (Koniec, Xavier Maristany, Pau Riba, Carles Santos y Joan Saura) para la compañía de danza Ballet Contemporani de Barcelona (BC.B).
El tema se titula "Existe tal lugar" y viene firmado por el grupo al completo:
Xavier Maristany: saxos; Josep Palomas: bajo; Quicu Samsó: batería; Joan Saura: teclados.
La pieza en cuestión formaba parte de la obra Perfectament pedra, con coreografía de Amelia Boluda y Toni Mira, que se estrenó en noviembre de 1987 en Barcelona.
El comentario dentro de la carpeta decía así:
"Es un espectáculo en el que intervienen cuatro coreógrafos del BC.B. Son cuatro formas diferentes de tratar un tema, en este caso un solo elemento escenográfico: una piedra. Sabemos que no existe una sola realidad sino tantas como personas intervienen en ella, por eso hemos escogido cuatro para interpretar un todo particular. A este planteamiento se añade componiendo e interpretando el grupo Koniec."

Existe tal lugar by Koniec on Grooveshark

sábado, 20 de octubre de 2012

Joan Saura Memorial Barbecue (1). Today: Insistir em erros

Joan Saura (Molins de Rei, Barcelona, 1954 - Barcelona, 2012) falleció ayer por la tarde. Todos aquellos que lo conocimos sabemos perfectamente dos cosas: que era un gran músico y que era una excelente persona. No insistiremos en ello. Vamos a recordarlo con vitalidad, en una serie de entradas a través de algunas muestras de su importante legado musical.


En 1994 se publicaba en el sello "La col·lecció del taller" (referencia 8) el disco Els quatre camins. Venía a nombre del Big Ensemble Taller de Músics y consistía en cuatro piezas que otros tantos compositores habían escrito ex profeso para que las interpretara dicha formación. Los cuatro autores eran Enric Palomar, Joan Saura, Sergi Vergés y Xavier Maristany.
La pieza de Joan Saura llevaba por título "Insistir em erros", y es una de las piedras de toque de su larga carrera. Dentro de la portada, Joan escribió una breve nota sobre ella:
"Ni l'Alfama, ni els fados, ni la saudade, eviten ensopegar amb la mateixa pedra. Però deixen un rastre de claror".
La formación fue la siguiente:
Cesc Miralta: saxos y clarinetes; Víctor de Diego y Nacho Romero: flautas y saxos; Josep Gomariz, Ramon Quadrada y Arnau Boix: trompeta y fiscornio; Enric Mestre y Josep Tro: trombón; Joan Sanmartí: guitarras; Agustí Fernández: piano y teclados; Eduard Altaba: bajo; Quicu Samsó: batería; Ferran Armengol: percusión.

Insistir em erros by Big Ensemble del Taller de Músics on Grooveshark

viernes, 19 de octubre de 2012

David S. Ware (1949-2012)

© John Rogers. NY 2009.

Ayer falleció el saxofonista David S. Ware. Tenía 62 años -a punto de cumplir los 63- y era uno de los grandes del free, la improvisación, y el jazz en general. En sus inicios -años 70- tocó en los grupos de Cecil Taylor, Andrew Cyrille y Ahmed Abdullah. A mediados, finales de los 80, su carrera en solitario arrancaría con fuerza.

"Bardo", de uno de sus útimos discos, Onecept (AUM Fidelity, 2010). Juanto a él, William Parker al contrabajo y Warren Smith a la batería y percusión.
Un tema grave y severo, pues la ocasión lo requiere.

Bardo by David S. Ware on Grooveshark

"What I do on the saxophone is always in total control, I don't play anything that is out of control. Tha has always been the case. What I'm trying to do now is continue that control, that technique, that mastery of the horn. What the fingers, what the sense of touch and the sense of hearing are able to do. How far is that able to go? How much can you develop the sense of touch, how quickly can the fingers do what the musical mind conceives of? To be able to articulate better and better what's in the musical mind. The saxophone is a mechanical thing; is there any limit to the speed at which you can press them keys down, to which it will function correctly? That's what I'm trying to do now, push it as far, as fast as the human fingers can move."
(David S. Ware, en las notas de Onecept)
Recuerdo bien la actuación que ofreció con su cuarteto, que completaban Matthew Shipp, William Parker y Guillermo E. Brown, el año 2000 en la desaparecida sala Abaixadors Deu de Barcelona (por cortesía de Arco y Flecha). Uno de esos conciertos difíciles de olvidar. Era la época de discos tan sublimes como Go See the World (1998) y Surrendered (2000), los dos únicos trabajos que grabó para una major, Columbia.
No puedo poner ninguna grabación de aquel concierto, pero el amigo de la cadiera ha hecho una entrada que incluye una grabación registrada por este mismo cuarteto en Huesca al año siguiente. Intensa.

En este enlace podrán ver el breve documental David S. Ware: A wall of Sound, realizado por Amine Kouider para la David Lynch Foundation Television.

lunes, 15 de octubre de 2012

una lágrima en la mejilla (noche de botellas, recuerdos y catabolismo)



Hace unas cuantas noches, mientras tomaba algo haciendo tiempo antes de un concierto, sonó en el bar en el que estaba esta canción, "Una lacrima sul viso", de Bobby Solo.
Uffff.


Este e.p., exacta, pero exactamente el mismo, lo tenían mis padres, y de niño lo había oído infinidad de veces en el pequeño tocadiscos que teníamos. ¡Joder, hacía una eternidad que no oía esa canción! Tuve un arrebato. A la mañana siguiente la busqué en internet, la encontré muy rápido y la escuché varias veces. Es una buena canción comercial, con el aroma de esos tiempos lentos del rock'n'roll de los 50. Y una voz estupenda. Lo digo en serio, sin acritud alguna.

Un rato más tarde, después del cincierto y en el mismo bar, cuento la revelación que he tenido a un amigo. Sale el tema de la canción melódica italiana. Nicola di Bari y Battisti. Sale Modugno y sale "Volare". Recuerdo el "Volare" de Alex Chilton. El mejor...



(Para que vean que tengo mi corazoncito.)

The Case of Charles Dexter Ward, by the Lovecraft's Aunts


Feroz entrega discordiana con algunos solos de quilates. Ya tiene unos meses, es de febrero de 2012, pero vuelto a escuchar sigue manteniendo toda su efectividad.
Compuesto y conducido por El Pricto, con  Luiz Espiga (clarinetes), Agustí Martínez (saxo alto), Albert Cirera y Tom Chant (saxo tenor), Don Malfon (saxo barítono), Pere Masafret (trmbón), Miguel Serna (contrabajo), y Vasco Trilla (batería). Argumento de Howard Phillips Lovecraft.
Edita: Discordian Records.
Reseña: en Cuadernos de Jazz.
Página para oír y/o escuchar: aquí.


¿Pesadilla en una iglesia anabaptista?



viernes, 12 de octubre de 2012

Marc Ribot, BCN, 9-X-2012

Reseña en Tomajazz del concierto en solo de Marc Ribot, perteneciente a la temporada 2012-2013 de Arco y Flecha.
Ah, y tiene una fotografía fabulosa de Rafael Zaragoza. Vale la pena sólo por ella. ¡Merci, Rafa!

miércoles, 10 de octubre de 2012

New York Art Quartet, en recuerdo de John Tchicai (1936-2012)

Un poco tarde, pero...

El danés John Tchicai nos dejaba el pasado domingo.
Tras un largo periplo recorriendo Europa, a principios de los 60 recala en Nueva York donde se estará unos cuantos años. Y una vez ahí, estuvo donde había que estar: grabó con los Contemporary Five de Archie Shepp, participó en Ascension de John Coltrane y en New York Eye and Ear Control (que se grabó como banda sonora para un corto experimental del canadiense Michael Snow) con Albert Ayler y Don Cherry. Y además, en el verano de 1964 formaría con el trombonista Roswell Rudd el New York Art Quartet.
Grabaron un único disco -homónimo- en noviembre de 1964 para el sello neoyorquino ESP-Disk' (número de referencia, el 1004, pues fue el cuarto disco que editó el sello de Bernard Stollman.)
En el disco les acompañaban el bajista Lewis Worrell y el batería Milford Graves, y en un tema recitaba Amiri Baraka (aka Leroi Jones). De aquí escucharemos el único tema firmado por Tchicai, el que cerraba el álbum, "No. 6".

No. 6 by New York Art Quartet on Grooveshark

Buen free jazz de uno de esos nombres que no salen en los manuales. Además, está también Rudd, que supongo que para muchos cabestros también debe ser un segundón.

Además de este disco, publicaron otro al año siguiente, Mohawk (pero con Reggie Workman en lugar de Worrell). Y, recientemente, el sello Cuneiform ha recuperado otra sesión de 1965 editándola con el nombre de Old Stuff. Dicha sesión fue grabada en directo en Copenhague, y a Rudd y Tchicai los acompañaron esa vez el bajista danés Finn von Eyben y el gran batería sudafricano Louis Moholo. Para los que quieran profundizar.

Y he desempolvado una vieja reseña que hice del primer disco cuando se reeditó en 2008...

Este es uno de los clásicos indiscutibles del free de los 60. Es, también, y de ahí provienen en buena medida sus virtudes, la historia de una admiración mutua y de una intuición. La admiración que sentían, el uno por el otro, Tchicai y Rudd. La intuición, sobre todo del primero y tras su experiencia en el New York Contemporary Five, de que el cuarteto era el vehículo idóneo para esa "nueva música" que estaban tramando, al menos en aquellos primeros años de incipientes experimentos y pruebas. Este disco, que no fue el único que hicieron (en 1965 grabarían Mohawk con Reggie Workman en lugar de Worrell), presenta algunas particularidades con respecto a otros trabajos del momento, sobre todo en el tono general que, aún siendo free, lo que es indiscutible, resulta muy jazzero. Pero en un sentido distinto a como puedan serlo los primeros Shepp, menos tardobopero, más conciso y más lírico. Rudd y Tchicai dialogan estructurando los temas, en homenaje tal vez al primerísimo bebop, e incluyendo en ellos interesantes ensayos melódicos. Perfectamente conectados y desgajando ideas de gran creatividad (Rudd muestra ya aquí algunos de sus dejes característicos). Worrell brilla en la conducción, ofreciendo firmeza en su pulsión rítmica. Graves percute con mayor libertad pero, no obstante estar probando sin cesar estilos y formas, no desecha el detenerse en determinadas figuras rítmicas y jugar con ellas. Polirrítmico y revolucionado, no llega nunca a resultar ilógico o extremado. Los temas, casi todos compuestos por Rudd pero esencialmente improvisados, resultan tremendamente originales incluso en ese contexto, pues parecen retales recortados y vueltos a coser en otra posición (¿bebop cubista mejor que free?). Apuntar la participación de Amiri Baraka, entonces LeRoi Jones, recitando su poema Black Dada Nihilismus en el tema homónimo. Estupenda remasterización y formato digipack para una de las primeras e históricas grabaciones del catálogo ESP.

miércoles, 3 de octubre de 2012

No Reduce


Jaywalkin', primer disco del cuarteto helvético-norteamericano No Reduce.
Edita la compañía de Nils Wogram.
Por No Reduce: Christoph Irniger (saxo tenor), Dave Gisler (guitarra), Raffaele Bossard (contrabajo) y Nasheet Waits (batería).
Reseña en Cuadernos de Jazz.
Y dos temas del disco: uno 'quiet' y friselliano ("The Mouse", compuesto por Gisler) y otro nervioso y con gancho ("Faraway... but close enough", compuesto por Bossard).

The Mouse by No Reduce on Grooveshark Faraway......... But Close Enough by No Reduce on Grooveshark